CRÍTICA: Domingo no Parque com George, The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday In The Park With George

National Youth Music Theatre no The Other Palace,

sábado, 19 de agosto de 2017

Andrew Lloyd Webber, que tem muita experiência com eles, diz que a coisa mais difícil nos musicais é terem tantos elementos diferentes que fazê-los funcionar em conjunto para criar um efeito unificado é muito, muito complicado: exige imenso trabalho árduo e, também, muita sorte.  Inúmeras coisas podem correr mal, e muitas vezes correm; mas quando tudo encaixa... os resultados são magníficos.  No caso desta produção de destaque do NYMT, uma companhia de que ele gosta particularmente e já bem estabelecida na sua temporada de verão nesta casa (bem como em muitos outros teatros de referência por todo o país), a magnificência foi alcançada.

A encenadora Hannah Chissick, que no ano passado alcançou um êxito tremendo com a reposição do NYMT do impressionante novo drama musical épico sobre a Grande Guerra, de Ben Till, 'Brass', no Hackney Empire, regressou à companhia com uma visão apurada de como ela funciona — e de como tirar o melhor partido dos seus excelentes intérpretes, recrutados entre os mais talentosos jovens atores e músicos de todo o país.  Trabalhando com o experiente coreógrafo Sam Spencer-Lane e o soberbo cenógrafo Matt Kinley, com o veterano designer de luz Mike Robertson e o conceituado designer de som da indústria Avgoustas Psillas, Chissick e o incansável produtor Jeremy Walker reuniram uma equipa formidável dos melhores profissionais para apoiar o trabalho destes jovens.  E têm ainda um trunfo na manga: o promissor diretor musical Alex Aitken, cujo trabalho em 'Brass' no ano passado o projetou para a atenção nacional e que aqui, a dirigir a partir do teclado na galeria no fundo do palco, faz maravilhas com partes orquestrais reduzidas a um minúsculo ensemble de câmara de seis (Michael Madigan, 18, madeiras; Emilia De St Croix, 18, e Jamie Faulkner, 21, violinos; Ellie Blight, 19, violoncelo; Chris Poon, 21, teclas 2), concentrando a atenção dos ouvintes nas vozes dos atores.

Esta obra trata dos desafios da arte e exige nada menos do que um compromisso artístico total da sua equipa criativa, elenco e banda.  Vista através do prisma refratado de uma das obras-primas francesas mais curiosas e instigantes do final do século XIX, 'Un dimanche apres-midi à l'Île de la Grande Jatte', de Georges Seurat, é uma interpretação parcialmente autobiográfica e generosamente reimaginada das histórias que podem ou não estar por trás da engenhosa coleção de imagens composta na disposição que conhecemos como a pintura final, e que está exposta no Art Institute of Chicago desde 1924.  Seurat é famoso pelo seu método pontilhista de aplicar tinta na tela, e isso é destacado em vários momentos no guião vivo e perspicaz de James Lapine, mas, para mim, Seurat é ainda mais fascinante pela forma como dá continuidade a tradições mais veneráveis da pintura francesa, em particular no que toca a personagem e narrativa.

Tal como o inventor do género pastoral romântico francês, Antoine Watteau, antes dele, Seurat desenhava indivíduos sem cessar e depois escolhia rigorosamente quais juntar — e em que tipo de conjunto — para uma tela.  Assim, bastante ao contrário dos princípios disciplinados dos Impressionistas, que insistiam em pintar apenas o que estava ali, ele baseava-se em observar as coisas e depois imaginar o que fazer de muitas impressões diferentes, muitas vezes contraditórias.  Nesse sentido, quanto ao seu domínio da forma e da estrutura, tem muito em comum com o seu memorialista dramático, Sondheim, que, por sua vez, encontra nele e na sua atitude perante a vida e a criação uma metáfora para o seu próprio amor e destino criativo.  Assim, isto não é apenas um musical; é parte de uma grande conversa que atravessa séculos e continentes: é, na verdade, sobre a própria humanidade.

Esta tremenda amplitude filosófica já é difícil de captar para adultos, quanto mais de comunicar; por isso, torna-se ainda mais notável esta produção deslumbrante, quando consideramos a perfeição de execução alcançada por esta companhia.  Nos papéis principais, Laura Barnard (21) impõe autoridade e maturidade desde o primeiro momento como Dot, a musa do artista: o papel mais variado — tem de fazer dobradinha como a sua filha já idosa no segundo ato, antes de regressar como o seu próprio fantasma — e, de longe, o mais exigente teatralmente; com capacidades vocais e dramáticas do mais alto nível, Barnard anuncia aqui que está entre as melhores intérpretes do papel que este país viu ou ouviu.  Ao seu lado, o papel menos simpático de Georges, interpretado com uma credibilidade espantosa pelo jovem de 19 anos Thomas Josling, é um campo minado de problemas, nenhum dos quais parece ter tido hipótese contra este ator exímio, com uma voz luxuriantemente bela e perfeitamente controlada, e a inteligência para recriar a mistura turbulenta e vital do artista entre energia juvenil e dedicação de ferro.  Entre ambos, fazem-nos acreditar completamente em quem são e no que estão a fazer.

E, de certa forma, é disso que a peça trata.  Embora comece de forma bastante convencional, aparentemente seguindo a estrutura e as convenções reconhecíveis do teatro musical, pouco a pouco, à medida que avança, afasta-nos cada vez mais do que conhecemos até que — por fim — está a estender-se para um território totalmente desconhecido e — o mais maravilhoso de tudo — nós, o público, estamos prontos para ir com ela para onde quer que nos queira levar.

A razão do sucesso desta produção é que ela compreende por completo a intenção da obra e não permite que um único detalhe se intrometa sem exigir que o mereça.  Até um súbito e fugaz fio de fumo em cena é exigido por uma referência de passagem no texto.  E assim acontece com cada componente visual da mise-en-scène: os cavaletes e telas, elegantemente móveis, que constituem toda a substância do universo destas pessoas; não há um único movimento de um ator em palco que não dê continuidade à eloquente articulação da força motriz dentro desta realização incrivelmente segura e evocativa.  Em suma, isto não é apenas sobre 'Arte'; é uma conversa sobre o que é o teatro.

A fazer de "segundos violinos" face aos protagonistas estão os mais convencionais Jules (Adam Johnson, 20) e Yvonne (Florence Russell, 19): fazem, claro, os Snows para os Bigelows dos outros, e fazem parte da discussão — melhor, do discurso — de Sondheim, entranhado no espetáculo, sobre a própria natureza do teatro musical e a sua relação com ele.  Os vários pares de personagens que gravitam em torno deles parecem visitantes de obras que ele escreveu antes ou depois desta: a Velha Senhora (Eloise Kenny-Ryder, 19) e a sua Enfermeira (Lucy Carter, 18) saem diretamente de 'A Little Night Music', enquanto os Soldados (Marcus Harman, 18, e Scott Folan, 17) parecem prestes a transformar-se nos Príncipes de 'Into The Woods'.  E assim continua: aqui e ali, por toda a parte, vemos e ouvimos ecos da mente de Sondheim em ação.  Mas talvez seja isso que todos sentimos quando olhamos para a arte?  Que mais, afinal, ela nos convida a fazer, senão a responder com a mente.

Toda a companhia trabalha em conjunto para tornar isto possível.  Louise (Kiera Milward, 13); as duas Celestes (Ellie Green, 17, e Aliza Vakil, 19); Louis (Thomas Mullan, 17); os hilariantes americanos de comédia musical, Mr (Alfie Richards, 17) e Mrs (Lucy Coyle, 19); e o seu pessoal, Franz (Michael McGeough, 21) e Frieda (Lydia Crosher, 20); o Barqueiro (Matt Pettifor, 20); Rapaz Sentado (Paul French, 16); Mulher de Pé (Lydia Clay-White, 17); Mulher de Vestido Roxo (Heather Conder, 20); Mulher Ajoelhada (Kitty Watson, 19) e o Tocador de Trompa (Alex Stephenson, 21) trabalham juntos num ensemble brilhantemente fluido e harmonioso, partilhando a narrativa com uma convicção magistral.

Quando a história muda para Chicago, um século depois, no segundo ato, e toda a gente passa a fazer uma personagem diferente!, o desenho de Kinley mantém realmente todo o espetáculo unido: o seu uso contido da cor num mundo que, de resto, é monocromático faz o público ansiar não só por pigmento, mas pelo seu uso verdadeiro e com sentido.  A horrível paródia da "instalação" moderna montada pelo descendente do pintor (também interpretado — de forma inquietantemente irreconhecível — por Thomas Josling) e pelos seus capangas técnicos, o Chromolume, é triste, mais do que risível, e a sua melancolia alimenta-se da frustração do seu autor quando ele se sabe perdido, incapaz de exprimir qualquer coisa com profundidade.  Para isso, temos de regressar — como no final do primeiro ato — ao melhor momento da obra: o coral transcendental de 'Sunday', uma peça de um humanismo tão direto que demolhe tudo o que veio antes e fala diretamente ao coração com uma força e paixão imensas.

Sim, ainda há quem diga que não há 'emoção' em Stephen Sondheim.  Obviamente, nunca viram esta peça.  Deviam.  E, talvez, em breve, possam ter outra oportunidade de a ver.  Entretanto, esta memória brilhante desta produção do NYMT irá brilhar no coração de quem teve a sorte de a ver.  Para quem não viu, só posso dizer: por favor — se puderem — tentem arranjar tempo para ver as produções desta espantosa companhia jovem.  A vossa vida não voltará a ser a mesma.

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