समीक्षा: संडे इन द पार्क विथ जॉर्ज, द अदर पैलेस ✭✭✭✭✭

संडे इन द पार्क विद जॉर्ज

द अदर पैलेस में नेशनल यूथ म्यूज़िक थिएटर,

शनिवार, 19 अगस्त 2017

एंड्रयू लॉयड वेबर, जिन्हें इनके साथ काम करने का खूब अनुभव है, कहते हैं कि म्यूज़िकल्स की सबसे कठिन बात यह है कि उनमें इतने सारे अलग-अलग तत्व होते हैं कि उन सबको एक साथ लाकर एक एकीकृत असर पैदा करना बेहद, बेहद मुश्किल होता है: इसके लिए बहुत कड़ी मेहनत चाहिए, और काफी हद तक किस्मत भी।  कितनी ही चीज़ें गलत हो सकती हैं, और अक्सर होती भी हैं; लेकिन जब सब कुछ एक साथ जम जाए... तो नतीजे शानदार होते हैं।  NYMT की इस मुख्य प्रस्तुति के मामले में—जो वेबर की प्रिय कंपनियों में से एक है और इस पते पर अपने ग्रीष्मकालीन सीज़न में (और देश भर के कई अन्य प्रमुख थिएटरों में भी) अच्छी तरह स्थापित है—वाकई वह ‘शानदार’ हासिल हो गया है।

निर्देशक हन्ना चिसिक, जिन्होंने पिछले साल हैकनी एम्पायर में NYMT की बेन टिल के चौंकाने वाले नए प्रथम विश्वयुद्ध-आधारित महाकाव्य म्यूज़िकल ड्रामा 'Brass' के पुनर्जीवन के साथ ज़बरदस्त सफलता पाई थी, कंपनी में लौटती हैं—इसके काम करने के तरीके की गहरी समझ और इस बात की सूझ-बूझ के साथ कि देश भर के सबसे प्रतिभाशाली युवा अभिनेताओं और संगीतकारों में से चुने गए इन बेहतरीन कलाकारों से सर्वश्रेष्ठ कैसे निकाला जाए।  कुशल कोरियोग्राफ़र सैम स्पेंसर-लेन और उत्कृष्ट डिज़ाइनर मैट किन्ली के साथ, अनुभवी लाइटिंग डिज़ाइनर माइक रॉबर्टसन और इंडस्ट्री के अग्रणी साउंड डिज़ाइनर अवगूस्टास प्सिलास के सहयोग से, चिसिक और अथक निर्माता जेरेमी वॉकर ने युवा कलाकारों के काम को सहारा देने के लिए सर्वश्रेष्ठ पेशेवरों की एक दमदार टीम खड़ी की है।  और उनके पास एक तुरुप का पत्ता भी है: उभरते हुए म्यूज़िकल डायरेक्टर एलेक्स ऐटकन, जिनका 'Brass' पर पिछले साल का काम उन्हें राष्ट्रीय स्तर पर चर्चा में ले आया था, और जो यहाँ मंच के पीछे गैलरी में कीबोर्ड के पास से निर्देशन करते हुए छह सदस्यों के छोटे से चैम्बर एंसेंबल (माइकल मैडिगन, 18, रीड्स; एमिलिया डे सेंट क्रॉइक्स, 18, और जेमी फॉकनर, 21, वायलिन; एली ब्लाइट, 19, सेलो; क्रिस पून, 21, कीज़ 2) तक सिमटे ऑर्केस्ट्रल पार्ट्स के साथ भी कमाल कर दिखाते हैं—और श्रोताओं का ध्यान अभिनेताओं की आवाज़ों पर केंद्रित कर देते हैं।

यह रचना कला की चुनौतियों पर है और अपनी रचनात्मक टीम, कलाकारों और बैंड से पूर्ण कलात्मक समर्पण के अलावा कुछ नहीं मांगती।  उन्नीसवीं सदी के उत्तरार्ध की सबसे जिज्ञासाप्रेरक और विचारोत्तेजक फ्रांसीसी कृतियों में से एक, जॉर्ज सेरा की ‘Un dimanche apres-midi a l'Isle de la Grande Jatte’ के अपवर्तक प्रिज़्म से देखते हुए, यह आंशिक रूप से आत्मकथात्मक और उदार कल्पना-प्रसारित व्याख्या है उन कहानियों की, जो उस कलात्मक छवियों के संग्रह के पीछे रही हों—या न भी रही हों—जिसे हम आज पूर्ण चित्रकला के रूप में जानते हैं, और जो 1924 से शिकागो के आर्ट इंस्टीट्यूट में टंगी है।  सेरा कैनवस पर पेंट लगाने की अपनी पॉइंटिलिस्ट पद्धति के लिए प्रसिद्ध हैं, और जेम्स लापीन की चतुराई से गढ़ी गई, सजीव स्क्रिप्ट में कई जगह इसका उल्लेख भी आता है; लेकिन मेरी नज़र में सेरा इससे भी अधिक रोचक हैं उस तरीके के लिए, जिससे वे फ्रांसीसी चित्रकला की अधिक प्रतिष्ठित परंपराओं को आगे बढ़ाते हैं—खासकर चरित्र और कथानक के संदर्भ में।

कुछ वैसे ही, जैसे उनसे पहले फ्रांसीसी रोमांटिक ‘पास्तोरल’ शैली के जनक अंतोआन वातेऊ, सेरा भी व्यक्तियों के अनगिनत स्केच बनाते थे, और फिर बड़ी सख्ती से तय करते थे कि उनमें से किन्हें चुनकर, किस तरह के समूह में, कैनवस पर रखा जाए।  इसलिए, इम्प्रेशनिस्ट्स के अनुशासित सिद्धांतों के बिलकुल विपरीत—जो ज़ोर देते थे कि सिर्फ वही पेंट किया जाए जो सामने मौजूद है—सेरा का सरोकार चीज़ों को देखना और फिर कई अलग-अलग, अक्सर विरोधाभासी, प्रभावों से यह कल्पना करना था कि उनसे क्या रचा जाए।  इसी मायने में, रूप और संरचना पर उनकी पकड़ के लिहाज़ से, उनका उनके नाटकीय स्मृतिकार—सोंडहाइम—से गहरा साम्य है; और सोंडहाइम, बदले में, सेरा और जीवन व सृजन के प्रति उनके रवैये में अपने ही प्रेम और रचनात्मक नियति का रूपक देखते हैं।  इस तरह, यह सिर्फ एक म्यूज़िकल नहीं है—यह सदियों में फैली, महाद्वीपों को जोड़ती एक विशाल बातचीत का हिस्सा है: वास्तव में, यह मानवता के बारे में है।

इतनी विशाल दार्शनिक व्यापकता को समझना बड़ों के लिए भी कठिन है, उसे संप्रेषित करना तो और भी; इसलिए जब हम इस कंपनी द्वारा हासिल की गई प्रस्तुति की परिपूर्णता पर विचार करते हैं, तो यह चकित कर देने वाला प्रोडक्शन और भी अधिक असाधारण लगता है।  मुख्य भूमिकाओं में, लॉरा बार्नर्ड (21) शुरुआत से ही कलाकार की म्यूज़—डॉट—के रूप में अधिकार और परिपक्वता स्थापित कर देती हैं: यह सबसे बहुरंगी भूमिका है—उन्हें दूसरे अंक में उसकी वृद्ध बेटी भी बनना पड़ता है, फिर लौटकर अपने ही भूत के रूप में आना होता है—और यह निस्संदेह सबसे अधिक थिएटर-डिमांडिंग भी है; उच्चतम स्तर की गायकी और नाटकीय क्षमता के साथ, बार्नर्ड यहाँ साबित कर देती हैं कि इस देश में इस भूमिका की सबसे बेहतरीन व्याख्याकारों में वे गिनी जाएँगी—देखने या सुनने में जो भी मानक रखा जाए।  उनके साथ, जॉर्ज की कम सहानुभूतिपूर्ण भूमिका—जिसे 19 वर्षीय थॉमस जॉसलिंग ने अविश्वसनीय विश्वसनीयता के साथ निभाया है—समस्याओं का एक बारूदी मैदान है; लेकिन इनमें से कोई भी इस दक्ष अभिनेता के सामने टिकता नहीं दिखता, जिनकी आवाज़ समृद्ध और पूरी तरह नियंत्रित है, और जिनमें कलाकार के उथल-पुथल भरे, जीवंत मिश्रण—युवा ऊर्जा और लोहे जैसी लगन—को फिर से रचने की बुद्धिमत्ता है।  दोनों मिलकर आपको पूरी तरह यक़ीन दिला देते हैं कि वे कौन हैं और क्या कर रहे हैं।

और एक तरह से, यही इस नाटक का विषय भी है।  हालाँकि इसकी शुरुआत पर्याप्त पारंपरिक ढंग से होती है—मानो यह म्यूज़िकल थिएटर की पहचानी हुई संरचना और परंपराओं का पालन कर रहा हो—लेकिन आगे बढ़ते-बढ़ते, यह हमें धीरे-धीरे हमारी परिचित दुनिया से दूर ले जाता है, यहाँ तक कि—आखिरकार—यह पूरी तरह अनजाने क्षेत्र की ओर हाथ बढ़ाता है, और—सबसे अद्भुत बात—हम दर्शक उसके साथ जहाँ वह हमें ले जाना चाहता है, जाने के लिए तैयार हो जाते हैं।

इस प्रोडक्शन की सफलता की वजह यह है कि यह रचना के इरादे को पूरी तरह समझता है, और किसी भी एक विवरण को तब तक हस्तक्षेप नहीं करने देता जब तक वह ‘कमाया’ न गया हो।  यहाँ तक कि मंच पर धुएँ की अचानक, क्षणिक-सी लहर भी स्क्रिप्ट में आए एक गुजरते संदर्भ की मांग पर ही आती है।  और यही बात पूरे ‘मिज़-आँ-सीन’ के हर एक दृश्य घटक पर लागू होती है—सौम्यता से गतिमान ईज़ल्स और कैनवस, जो इन लोगों की पूरी दुनिया का सार बनते हैं; मंच पर अभिनेता की एक भी चाल ऐसी नहीं जो इस अत्यंत आत्मविश्वासी और सजीव साकार रूप में निहित प्रेरक शक्ति की वाक्पटु अभिव्यक्ति को आगे न बढ़ाती हो।  संक्षेप में, यह सिर्फ ‘कला’ के बारे में नहीं—यह इस बारे में बातचीत है कि थिएटर है क्या।

मुख्य भूमिकाओं के सामने अपेक्षाकृत पारंपरिक जूल्स (एडम जॉनसन, 20) और इवोन (फ्लोरेंस रसेल, 19) सहायक भूमिकाओं में हैं: वे, स्वाभाविक ही, दूसरों के बिगेलोज़ के सामने स्नोज़ हैं, और वे शो के भीतर म्यूज़िकल थिएटर की प्रकृति तथा उसके साथ सोंडहाइम के अपने रिश्ते पर चलती चर्चा—बल्कि कहें विमर्श—का हिस्सा हैं।  उनके इर्द-गिर्द घूमने वाले चरित्र-युगल ऐसे लगते हैं मानो उन कृतियों से मेहमान बनकर आए हों जिन्हें सोंडहाइम ने या तो इससे पहले लिखा था या बाद में: ओल्ड लेडी (एलोइज़ केनी-राइडर, 19) और उसकी नर्स (लूसी कार्टर, 18) सीधे 'A Little Night Music' से निकल आए प्रतीत होते हैं, जबकि सोल्जर्स (मार्कस हार्मन, 18 और स्कॉट फोलन, 17) जैसे अभी-अभी 'Into The Woods' के प्रिंसेज़ में बदल जाने वाले हों।  और यही सिलसिला चलता रहता है: यहाँ, वहाँ, हर जगह—हम सोंडहाइम के मन की प्रतिध्वनियाँ काम करते हुए देखते-सुनते हैं।  लेकिन शायद यही तो हम सब कला को देखते समय महसूस करते हैं?  आखिर वह आमंत्रित भी क्या करती है, अगर मन की प्रतिक्रिया नहीं।

पूरी कंपनी मिलकर इसे संभव बनाती है।  लुईज़ (कीएरा मिलवर्ड, 13); दो सेलेस्ट्स (एली ग्रीन, 17, और अलीज़ा वकील, 19); लुई (थॉमस मुलन, 17); बेहद हास्यपूर्ण म्यूज़िकल-कॉमेडी अमेरिकी—मिस्टर (एल्फ़ी रिचर्ड्स, 17) और मिसेज़ (लूसी कॉयल, 19); और उनका स्टाफ़, फ्रांज़ (माइकल मैकगेउघ, 21) और फ्रीडा (लिडिया क्रोशर, 20); बोटमैन (मैट पेटिफ़र, 20); बॉय सिटिंग (पॉल फ्रेंच, 16); वुमन स्टैंडिंग (लिडिया क्ले-व्हाइट, 17); पर्पल ड्रेस्ड वुमन (हीदर कॉन्डर, 20); नीलिंग वुमन (किट्टी वॉटसन, 19) और हॉर्न प्लेयर (एलेक्स स्टीफ़ेंसन, 21)—सब मिलकर एक शानदार तरल और सामंजस्यपूर्ण एंसेंबल बनाते हैं, और कहानी कहने की जिम्मेदारी को माहिर आत्मविश्वास के साथ साझा करते हैं।

जब दूसरे अंक में कहानी एक सदी बाद शिकागो पहुँचती है, और हर किसी को एक अलग किरदार निभाने को मिलता है!, किन्ली का डिज़ाइन सचमुच पूरे शो को एक साथ बाँध कर रखता है: लगभग एकरंगी दुनिया में रंगों का उनका किफ़ायती इस्तेमाल दर्शकों को सिर्फ रंगद्रव्य के लिए नहीं, बल्कि उसके सच्चे और अर्थपूर्ण उपयोग के लिए भी तरसा देता है।  चित्रकार के वंशज (जिसे थॉमस जॉसलिंग ही निभाते हैं—इतने असहज रूप से अपरिचित कि पहचानना मुश्किल) और उसके तकनीकी गुर्गों द्वारा खड़ा किया गया आधुनिक ‘इंस्टॉलेशन’—क्रोमोल्यूम—हँसाने के बजाय उदास कर देता है; उसकी उदासी उस हताशा से पोषण पाती है जो प्रदर्शक को तब होती है जब वह खुद को खोया हुआ जानता है, किसी भी गहराई के साथ कुछ भी व्यक्त करने में असमर्थ।  इसके लिए हमें लौटना पड़ता है—जैसे हम पहले अंक के अंत में लौटे थे—रचना के सबसे श्रेष्ठ क्षण की ओर: ‘Sunday’ का वह अलौकिक कोरल, इतना स्पष्ट मानवतावादी कि वह उससे पहले आए सब कुछ को ध्वस्त कर देता है, और अपार शक्ति व भाव से सीधे दिल से बात करता है।

हाँ, अब भी कुछ लोग कहते हैं कि स्टीफन सोंडहाइम में ‘भावना’ नहीं है।  उन्होंने स्पष्ट रूप से यह नाटक कभी देखा नहीं।  उन्हें देखना चाहिए।  और शायद, जल्दी ही, उन्हें इसे फिर से देखने का एक और मौका भी मिल जाए।  तब तक, NYMT की इस प्रस्तुति की यह शानदार याद उन लोगों के दिलों में चमकती रहेगी जो इसे देखने के सौभाग्यशाली रहे।  और जो नहीं देख पाए, उनसे बस इतना कहूँगा: कृपया—अगर संभव हो—इस चमत्कारिक युवा कंपनी की प्रस्तुतियाँ देखने के लिए समय निकालने की कोशिश कीजिए।  आपकी ज़िंदगी फिर पहले जैसी नहीं रहेगी।

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