REZENSION: Sunday In The Park With George, The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday In The Park With George

National Youth Music Theatre im The Other Palace,

Samstag, 19. August 2017

Andrew Lloyd Webber, der viel Erfahrung mit ihnen hat, sagt, das Schwierigste an Musicals sei, dass sie so viele verschiedene Elemente haben – und all diese so zusammenzubringen, dass sie als geschlossenes Ganzes wirken, ist ausgesprochen knifflig: Es braucht sehr, sehr viel harte Arbeit – und auch eine Menge Glück.  Es kann unendlich viel schiefgehen, und das tut es oft auch; aber wenn alles zusammenpasst … sind die Ergebnisse grandios.  Im Fall dieser Hauptproduktion der NYMT, einer seiner Lieblingscompagnien, die sich mit ihrer Sommersaison an dieser Adresse längst etabliert hat (ebenso wie in vielen anderen führenden Theatern im ganzen Land), ist genau diese Grandiosität erreicht worden.

Regisseurin Hannah Chissick, die im vergangenen Jahr mit der NYMT-Wiederaufnahme von Ben Tills beeindruckendem neuen Musical-Drama-Epos über den Ersten Weltkrieg, 'Brass', im Hackney Empire einen großen Erfolg feierte, kehrte mit einem reichen Fundus an Erkenntnissen darüber zurück, wie diese Kompanie funktioniert – und wie man das Allerbeste aus ihren hervorragenden Mitwirkenden herausholt, ausgewählt aus den talentiertesten jungen Schauspieler*innen und Musiker*innen des Landes.  Gemeinsam mit dem versierten Choreografen Sam Spencer-Lane und dem großartigen Bühnen- und Kostümbildner Matt Kinley, dazu dem erfahrenen Lichtdesigner Mike Robertson und dem führenden Sounddesigner der Branche Avgoustas Psillas, haben Chissick und der unermüdliche Produzent Jeremy Walker ein erstklassiges Team der besten Profis zusammengestellt, um die Arbeit dieser jungen Leute zu stützen.  Und sie haben außerdem ein Ass im Ärmel: den aufstrebenden Musical Director Alex Aitken, dessen Arbeit an 'Brass' im letzten Jahr ihm landesweite Aufmerksamkeit einbrachte und der hier – vom Keyboard aus, von der Galerie am hinteren Bühnenrand – Wunder vollbringt mit auf ein winziges Kammerensemble von sechs reduzierten Orchesterstimmen (Michael Madigan, 18, Holzbläser; Emilia De St Croix, 18, und Jamie Faulkner, 21, Violinen; Ellie Blight, 19, Cello; Chris Poon, 21, Keys 2) und den Fokus der Zuhörenden ganz auf die Stimmen der Darsteller*innen lenkt.

Dieses Werk handelt von den Herausforderungen der Kunst und verlangt von Kreativteam, Ensemble und Band nichts weniger als vollständige künstlerische Hingabe.  Durch das brechende Prisma eines der eigenwilligsten und anregendsten französischen Meisterwerke des späten 19. Jahrhunderts – Georges Seurats 'Un dimanche apres-midi a l'Isle de la Grande Jatte' – ist es eine teils autobiografische, großzügig neu gedachte Interpretation der Geschichten, die sich möglicherweise hinter jener kunstvollen Sammlung von Bildern verbergen, die wir als fertiges Gemälde kennen und die seit 1924 im Art Institute of Chicago hängt.  Seurat ist berühmt für seine pointillistische Technik, Farbe in kleinen Punkten auf die Leinwand zu setzen; das wird an mehreren Stellen in James Lapines klug konstruiertem und anschaulichem Buch aufgegriffen, doch für mein Empfinden ist Seurat noch faszinierender durch die Art, wie er ältere Traditionen der französischen Malerei fortführt – besonders dort, wo es um Figur und Erzählung geht.

Ganz ähnlich wie der Erfinder des französischen romantischen Pastoralen-Genres, Antoine Watteau, vor ihm, skizzierte Seurat unablässig einzelne Menschen und wählte dann mit großer Strenge aus, welche er zusammenführt – und in welcher Konstellation – für eine Leinwand.  So ging es ihm, ganz anders als den disziplinierten Prinzipien der Impressionist*innen, die darauf bestanden, nur das zu malen, was tatsächlich da war, darum, Dinge zu sehen und dann aus vielen, oft widersprüchlichen Eindrücken zu erfinden, was daraus werden könnte.  In diesem Sinn, in seinem Verständnis von Form und Struktur, hat er so vieles gemeinsam mit seinem dramatischen Chronisten Sondheim, der wiederum in ihm und seiner Haltung zu Leben und Schaffen eine Metapher für die eigene Liebe und kreative Bestimmung findet.  Damit ist dies nicht nur ein Musical, sondern Teil eines großen Gesprächs, das sich über Jahrhunderte erstreckt und Kontinente überspannt: Es geht – tatsächlich – um die Menschheit selbst.

Diese enorme philosophische Spannweite ist für Erwachsene schon schwer genug zu fassen, geschweige denn zu vermitteln – umso bemerkenswerter wirkt diese atemberaubende Produktion, wenn man die Perfektion der Ausführung bedenkt, die diese Kompanie erreicht.  In den Hauptrollen setzt Laura Barnard (21) von Anfang an Autorität und Reife als Dots, die Muse des Künstlers, durch: die vielschichtigste Rolle – sie muss im zweiten Akt auch als gealterte Tochter auftreten, bevor sie als ihr eigener Geist zurückkehrt – und zugleich mit Abstand die größte schauspielerische Herausforderung; mit Gesang und Spiel auf höchstem Niveau macht Barnard hier deutlich, dass sie zu den besten Interpretinnen dieser Rolle gehört, die man in diesem Land gesehen oder gehört hat.  An ihrer Seite ist die weniger sympathische Partie des Georges, von dem 19-jährigen Thomas Josling mit verblüffender Glaubwürdigkeit gespielt, ein Minenfeld an Problemen – doch keines davon scheint gegen diesen versierten Darsteller eine Chance zu haben: mit einer üppigen, perfekt kontrollierten Stimme und der Intelligenz, die stürmische, vitale Mischung aus jugendlicher Energie und eiserner Hingabe des Künstlers neu zu erschaffen.  Zusammen lassen sie einen vollkommen daran glauben, wer sie sind und was sie tun.

Und in gewisser Weise ist genau das das Thema des Stücks.  Obwohl es zunächst ganz konventionell beginnt und scheinbar der vertrauten Struktur und den Regeln des Musicaltheaters folgt, entfernt es sich im Verlauf Schritt für Schritt immer weiter von dem, was wir kennen – bis es schließlich in völlig unbekanntes Terrain vorstößt; und – das Schönste daran – wir als Publikum sind bereit, ihm dorthin zu folgen, wohin es uns führen will.

Der Grund für den Erfolg dieser Produktion liegt darin, dass sie die Intention des Werks vollständig versteht – und kein einziges Detail zulässt, ohne darauf zu bestehen, dass es verdient ist.  Sogar ein plötzliches, flüchtiges Wölkchen Bühnenrauch wird durch einen beiläufigen Hinweis im Text eingefordert.  Und so verhält es sich mit jeder einzelnen visuellen Komponente der Mise-en-scène: die elegant bewegten Staffeleien und Leinwände, aus denen die gesamte Substanz dieses Universums besteht; es gibt keinen einzigen Schritt einer Person auf der Bühne, der nicht die beredte Artikulation der antreibenden Kraft in dieser ungemein sicheren und atmosphärischen Umsetzung fortschreibt.  Kurz gesagt: Es geht hier nicht nur um „Kunst“, sondern um ein Gespräch darüber, was Theater ist.

Die konventionelleren Jules (Adam Johnson, 20) und Yvonne (Florence Russell, 19) stehen – im Vergleich zu den Leads – eher im Schatten: Sie sind natürlich die Snows zu den Bigelows der anderen und Teil von Sondheims Diskussion, ja – seines Diskurses, der in der Show über das Wesen des Musicaltheaters und seine eigene Beziehung dazu steckt.  Die verschiedenen Figurenpaare, die um sie kreisen, wirken wie Besucher*innen aus Stücken, die er entweder davor oder danach geschrieben hat: Die Old Lady (Eloise Kenny-Ryder, 19) und ihre Nurse (Lucy Carter, 18) stammen direkt aus 'A Little Night Music', während die Soldiers (Marcus Harman, 18, und Scott Folan, 17) kurz davorzustehen scheinen, zu den Princes aus 'Into The Woods' zu werden.  Und so geht es weiter: hier und da und überall sehen und hören wir Echos von Sondheims arbeitendem Geist.  Aber ist es nicht vielleicht genau das, was wir alle erleben, wenn wir Kunst betrachten?  Was lädt sie schließlich ein, wenn nicht zu einer Antwort des Geistes?

Die ganze Kompanie arbeitet zusammen, damit das gelingt.  Louise (Kiera Milward, 13); die beiden Celestes (Ellie Green, 17, und Aliza Vakil, 19); Louis (Thomas Mullan, 17); die herrlich musical-komödiantischen Amerikaner Mr (Alfie Richards, 17) und Mrs (Lucy Coyle, 19); und ihr Personal, Franz (Michael McGeough, 21) und Frieda (Lydia Crosher, 20); der Boatman (Matt Pettifor, 20); Boy Sitting (Paul French, 16); Woman Standing (Lydia Clay-White, 17); Purple Dressed Woman (Heather Conder, 20); Kneeling woman (Kitty Watson, 19) und der Horn Player (Alex Stephenson, 21) bilden ein brillant fließendes, harmonisches Ensemble und teilen sich das Erzählen der Geschichte mit meisterhafter Überzeugungskraft.

Wenn die Handlung im zweiten Akt ein Jahrhundert später nach Chicago springt und alle eine andere Rolle spielen dürfen!, hält Kinleys Gestaltung die ganze Show wirklich zusammen: Sein sparsamer Farbeinsatz in einer ansonsten monochromen Welt lässt das Publikum nicht nur nach Pigmenten verlangen, sondern nach deren wahrhaftigem, sinnstiftendem Einsatz.  Die grässliche Parodie einer modernen „Installation“, die der Nachfahre des Malers (ebenfalls gespielt – beunruhigend unkenntlich – von Thomas Josling) mit seinen technischen Handlangern zusammenzimmert, das Chromolume, ist eher traurig als komisch; ihre Melancholie nährt sich aus der Frustration des Vorführers, der spürt, dass er sich selbst verloren hat und nichts mit Tiefe auszudrücken vermag.  Dafür müssen wir zurückkehren – wie schon am Ende des ersten Akts – zum schönsten Moment des Werks, dem transzendierenden Choral 'Sunday', einem Stück von so offenherzigem Humanismus, dass es alles Vorangegangene niederreißt und mit ungeheurer Kraft und Leidenschaft direkt zum Herzen spricht.

Ja, es gibt immer noch Menschen, die behaupten, bei Stephen Sondheim gebe es keine „Emotion“.  Sie haben dieses Stück offensichtlich nie gesehen.  Sie sollten es.  Und vielleicht bekommen sie bald wieder die Gelegenheit dazu.  Bis dahin wird diese brillante Erinnerung an diese NYMT-Produktion in den Herzen derer leuchten, die das Glück hatten, sie zu sehen.  Und denen, die es nicht geschafft haben, kann ich nur sagen: Bitte – wenn ihr könnt – nehmt euch Zeit, die Produktionen dieser erstaunlichen jungen Kompanie zu sehen.  Euer Leben wird danach nicht mehr dasselbe sein.

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