CRITIQUE : Dimanche au Parc avec George, The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday In The Park With George

National Youth Music Theatre au The Other Palace,

Samedi 19 août 2017

Andrew Lloyd Webber, qui a beaucoup d'expérience avec eux, dit que la chose la plus difficile avec les comédies musicales est qu'elles comportent tant d'éléments différents que les faire fonctionner ensemble pour créer un effet unifié est très, très délicat : cela demande beaucoup de travail acharné, et aussi beaucoup de chance.  De nombreuses choses peuvent mal tourner, et elles le font souvent ; mais quand tout fonctionne ensemble... les résultats sont magnifiques.  Dans le cas de cette production phare du NYMT, une de ses compagnies préférées bien établie dans sa saison estivale à cette adresse (ainsi que dans de nombreux autres théâtres de premier plan du pays), la magnificence a été atteinte.

La directrice Hannah Chissick, qui a connu un immense succès l'année dernière avec la reprise par le NYMT de la nouvelle et splendide épopée musicale sur la Grande Guerre de Ben Till, 'Brass', au Hackney Empire, est retournée à la compagnie après avoir acquis un grand nombre d'enseignements sur son fonctionnement - et sur comment tirer le meilleur parti de ses excellents acteurs, recrutés parmi les jeunes acteurs et musiciens les plus talentueux du pays.  En travaillant avec l'accomplie chorégraphe Sam Spencer-Lane et le superbe designer Matt Kinley, avec le vétéran en conception d'éclairage Mike Robertson et le principal concepteur sonore de l'industrie Avgoustas Psillas, Chissick et l'infatigable producteur Jeremy Walker ont rassemblé une équipe incroyable des meilleurs professionnels pour soutenir le travail de ces jeunes gens.  Et ils ont également un atout majeur dans leur manche : le prochain directeur musical Alex Aitken, dont le travail sur 'Brass' l'année dernière l'a propulsé au devant de la scène nationale, et qui ici, dirigeant depuis le clavier dans la galerie à l'arrière de la scène, réalise des merveilles avec des parties orchestrales réduites à un petit ensemble de chambre de six personnes (Michael Madigan, 18 ans, bois ; Emilia De St Croix, 18 ans, et Jamie Faulkner, 21 ans, violons ; Ellie Blight, 19 ans, violoncelle ; Chris Poon, 21 ans, deuxième clavier), concentrant l'attention des auditeurs sur les voix des acteurs.

Cette œuvre concerne les défis de l'art et n'exige rien de moins qu'un engagement artistique complet de la part de son équipe créative, du casting et de l'orchestre.  Vue à travers le prisme réfractant de l'une des œuvres françaises les plus curieuses et stimulantes de la fin du XIXe siècle, 'Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte' de Georges Seurat, c'est en partie une interprétation autobiographique et généreusement réinventée des histoires qui ont pu ou non se cacher derrière la collection artistique d'images composées que nous connaissons comme la peinture terminée, et qui est accrochée à l'Art Institute of Chicago depuis 1924.  Seurat est célèbre pour sa méthode pointilliste d'application de la peinture sur la toile, et cela attire l'attention à plusieurs moments dans le script astucieusement rigoureux et vif de James Lapine, mais pour moi, Seurat est plus fascinant pour la manière dont il perpétue des traditions plus anciennes de la peinture française, en particulier en ce qui concerne le caractère et la narration.

Un peu comme cet inventeur du genre pastoraliste romantique français, Antoine Watteau, avant lui, Seurat a esquissé des individus à l'infini, puis a rigoureusement choisi lesquels mettre ensemble, et dans quel type d'ensemble, pour une toile.  Ainsi, tout à fait contrairement aux principes disciplinés des Impressionnistes, qui se sont engagés à ne peindre que ce qui était là, il s'agissait pour lui de voir les choses puis d'imaginer ce qu'il allait faire de nombreuses impressions différentes, souvent contradictoires.  En ce sens, en ce qui concerne sa compréhension de la forme et de la structure, il a tant en commun avec son mémorialiste dramatique, Sondheim, qui, à son tour, trouve en lui et dans son attitude envers la vie et la création une métaphore pour son propre amour et sa destinée créative.  Ainsi, ce n'est pas simplement une comédie musicale, c'est une partie d'une grande conversation couvrant les siècles et les continents : c'est, en fait, sur l'humanité elle-même.

Cette ampleur philosophique incroyable est déjà assez difficile à saisir pour des adultes, sans parler de la transmettre, alors à quel point cette production éblouissante apparaît-elle plus remarquable, lorsque l'on considère la perfection de l'exécution réalisée par cette compagnie.  Dans les rôles principaux, Laura Barnard (21 ans) affirme son autorité et sa maturité dès le début en tant que muse de l'artiste, Dot : le rôle le plus varié - elle doit doubler en tant que sa propre fille âgée au deuxième acte, avant de revenir en tant que son propre fantôme - c'est aussi de loin le plus exigeant théâtralement ; avec des compétences vocales et dramatiques du plus haut calibre, Barnard annonce ici qu'elle est parmi les meilleures interprètes du rôle que ce pays ait vues ou entendues.  À ses côtés, le rôle moins sympathique de Georges, interprété avec une crédibilité stupéfiante par Thomas Josling, 19 ans, est un véritable champ de mines de problèmes, aucun desquels ne semble avoir pu avoir une chance contre cet acteur expert avec une voix somptueuse et parfaitement contrôlée, et l'intelligence pour recréer le mélange turbulent et vital de jeunesse énergétique et de dévouement de fer de l'artiste.  Entre eux, ils vous font croire complètement en qui ils sont et ce qu'ils font.

Et d'une certaine manière, c'est de cela que traite la pièce.  Bien qu'elle commence de manière tout à fait conventionnelle, apparemment en suivant la structure et les conventions reconnaissables du théâtre musical, petit à petit, à mesure qu'elle progresse, elle nous emmène de plus en plus loin de ce que nous connaissons, jusqu'à - finalement - atteindre un territoire totalement inconnu, et - le plus merveilleux de tout - nous, le public, sommes prêts à la suivre où qu'elle veuille aller.

La raison du succès de cette production est qu'elle comprend parfaitement l'intention de l'œuvre, et elle ne permet à aucun détail de s'insinuer sans insister pour qu'il soit justifié.  Même un tourbillon de fumée de scène soudain et fugace est exigé par une référence passagère dans le script.  Et il en va de même pour chaque composant visuel de la mise en scène, les chevalets et toiles en mouvement élégant qui constituent toute la substance de l'univers de ces gens ; il n'y a pas un seul mouvement d'un acteur sur scène qui ne poursuive l'articulation éloquente de la force motrice au sein de cette réalisation incroyablement assurée et évocatrice.  En bref, cela ne traite pas seulement d'« Art », c'est une conversation sur ce qu'est le théâtre.

En seconde place par rapport aux rôles principaux, on retrouve les personnages plus conventionnels de Jules (Adam Johnson, 20 ans) et Yvonne (Florence Russell, 19 ans) : ils jouent les Snows par rapport aux Bigelows, bien sûr, et ils font partie de la discussion de Sondheim, voire - discours, intégré dans le spectacle concernant la nature même du théâtre musical et sa propre relation avec lui.  Les diverses paires de personnages qui gravitent autour d'eux semblent être des visiteurs d'œuvres qu'il a écrites soit avant, soit après celle-ci : la Vieille Dame (Eloise Kenny-Ryder, 19 ans) et son Infirmière (Lucy Carter, 18 ans) sont directement issues de 'A Little Night Music', tandis que les Soldats (Marcus Harman, 18 ans, et Scott Folan, 17 ans) semblent sur le point de se transformer en Princes d' 'Into The Woods'.  Ainsi de suite : ici, là et partout, nous voyons et entendons les échos de l'esprit de Sondheim au travail.  Mais, peut-être est-ce ce que nous éprouvons tous lorsque nous regardons l'art ?  Qu'invite-t-il d'autre, après tout, sinon une réponse de l'esprit.

Toute la compagnie travaille ensemble pour que cela se passe.  Louise (Kiera Milward, 13 ans) ; les deux Celestes (Ellie Green, 17 ans, et Aliza Vakil, 19 ans) ; Louis (Thomas Mullan, 17 ans) ; les Américains comiques musicaux hilarants, Monsieur (Alfie Richards, 17 ans) et Madame (Lucy Coyle, 19 ans) ; et leur personnel, Franz (Michael McGeough, 21 ans) et Frieda (Lydia Crosher, 20 ans) ; le Batelier (Matt Pettifor, 20 ans) ; Boy Sitting (Paul French, 16 ans) ; Woman Standing (Lydia Clay-White, 17 ans) ; Purple Dressed Woman (Heather Conder, 20 ans) ; Kneeling woman (Kitty Watson, 19 ans) et le Horn Player (Alex Stephenson, 21 ans) travaillent ensemble dans un ensemble fluidissime et harmonieux, partageant le récit avec une conviction magistrale.

Quand l'histoire se déplace à Chicago un siècle plus tard dans le deuxième acte, et que tout le monde se met à jouer un rôle différent !, la conception de Kinley maintient vraiment tout le spectacle ensemble : son usage parcimonieux de la couleur dans un monde par ailleurs monochrome fait que le public aspire non seulement à des pigments, mais à leur utilisation vraie et signifiante.  La parodie horrible de la 'installation' moderne montée par le descendant du peintre (également joué - étrangement méconnaissable - par Thomas Josling) et ses sbires techniques, le Chromolume, est triste, plutôt que risible, sa mélancolie se nourrissant de la frustration que ressent le pourvoyeur lorsqu'il se sait perdu, incapable d'exprimer quoi que ce soit avec une quelconque profondeur.  Pour cela, nous devons revenir - comme à la fin du premier acte - au moment le plus beau de l'œuvre, le chœur transcendant de 'Sunday', une pièce empreinte d'un humanisme si franc qu'elle démolit tout ce qui l'a précédée, et parle directement au cœur avec une immense force et passion.

Oui, il y a toujours des gens qui disent qu'il n'y a pas d'« émotion » chez Stephen Sondheim.  Ils n'ont évidemment jamais vu cette pièce.  Ils devraient.  Et, peut-être, bientôt, ils pourraient avoir une autre chance de la voir.  Pendant ce temps, ce brillant souvenir de cette production du NYMT brillera dans le cœur de ceux qui ont eu la chance de la voir.  Pour ceux qui ne l'ont pas vue, alors tout ce que je peux dire, c'est, s'il vous plaît - si vous le pouvez - essayez de trouver le temps de voir les productions de cette jeune compagnie étonnante.  Votre vie ne sera plus jamais la même.

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