RESEÑA: Domingo en el Parque con George, The Other Palace ✭✭✭✭✭

Sunday in the Park with George

National Youth Music Theatre en The Other Palace,

Sábado 19 de agosto de 2017

Andrew Lloyd Webber, que tiene mucha experiencia con ellos, dice que lo más difícil de los musicales es que cuentan con tantos elementos distintos que lograr que todos funcionen a la vez para crear un efecto unificado es realmente, realmente complicado: requiere muchísimo trabajo duro y también mucha suerte.  Cualquier cosa puede salir mal, y a menudo ocurre; pero cuando todo encaja... los resultados son magníficos.  En el caso de esta producción principal del NYMT, una compañía predilecta para él y ya bien asentada en su temporada de verano en este espacio (además de en muchos otros teatros destacados de todo el país), se ha alcanzado esa magnificencia.

La directora Hannah Chissick, que el año pasado cosechó un éxito rotundo con la reposición del NYMT del impactante nuevo drama musical épico sobre la Gran Guerra de Ben Till, 'Brass', en el Hackney Empire, regresó a la compañía llena de ideas sobre cómo funciona —y sobre cómo sacar lo mejor de sus magníficos intérpretes, seleccionados entre los jóvenes actores y músicos con más talento de todo el país—.  Trabajando con el consumado coreógrafo Sam Spencer-Lane y el excelente diseñador Matt Kinley, junto al veterano diseñador de iluminación Mike Robertson y el destacado diseñador de sonido de la industria Avgoustas Psillas, Chissick y el incansable productor Jeremy Walker han reunido un equipo sensacional de los mejores profesionales para respaldar el trabajo de estos jóvenes.  Y además guardan un as bajo la manga: el prometedor director musical Alex Aitken, cuyo trabajo en 'Brass' el año pasado lo catapultó a la atención nacional y que aquí, dirigiendo desde el teclado en la galería al fondo del escenario, hace maravillas con unas partes orquestales reducidas a un diminuto conjunto de cámara de seis (Michael Madigan, 18, maderas; Emilia De St Croix, 18, y Jamie Faulkner, 21, violines; Ellie Blight, 19, violonchelo; Chris Poon, 21, teclados 2), centrando la atención del público en las voces de los intérpretes.

Esta obra trata de los desafíos del arte y no admite menos que un compromiso artístico total por parte del equipo creativo, el reparto y la banda.  Vista a través del prisma refractante de una de las obras maestras francesas de finales del siglo XIX más curiosas y sugerentes, 'Un dimanche apres-midi a l'Isle de la Grande Jatte' de Georges Seurat, es una interpretación parcialmente autobiográfica y generosamente reimaginada de las historias que pueden —o no— haber estado detrás de esa ingeniosa colección de imágenes compuesta en la disposición que conocemos como el cuadro terminado, y que cuelga en el Art Institute of Chicago desde 1924.  Seurat es célebre por su método puntillista de aplicar la pintura sobre el lienzo, y esto recibe atención en varios momentos del agudamente didáctico y vívido texto de James Lapine, pero, para mí, Seurat resulta aún más fascinante por la manera en que continúa tradiciones más venerables de la pintura francesa, en particular en lo que respecta al carácter y la narrativa.

Algo así como el inventor del género pastoral romántico francés, Antoine Watteau, antes que él, Seurat dibujó sin descanso a individuos y luego eligió con rigor cuáles reunir —y en qué tipo de conjunto— para un lienzo.  Así, a diferencia de los principios disciplinados de los impresionistas, que insistían en pintar solo lo que estaba ahí, él consistía en ver las cosas e imaginar después qué hacer con muchas impresiones distintas, a menudo contradictorias.  En ese sentido, en cuanto a su comprensión de la forma y la estructura, comparte muchísimo con su memorialista dramático, Sondheim, quien, a su vez, encuentra en él y en su actitud ante la vida y la creación una metáfora de su propio amor y destino creativo.  Por tanto, esto no es solo un musical: forma parte de una gran conversación que se extiende a lo largo de siglos y atraviesa continentes; es, de hecho, sobre la propia humanidad.

Este enorme alcance filosófico ya es lo bastante difícil de asimilar para un público adulto, y ni hablemos de comunicarlo; por eso resulta aún más asombrosa esta producción, si tenemos en cuenta la perfección de ejecución alcanzada por la compañía.  En los papeles protagonistas, Laura Barnard (21) impone autoridad y madurez desde el primer momento como Dot, la musa del artista: el rol más variado —tiene que doblar como su hija ya anciana en el segundo acto, antes de regresar como su propio fantasma— y, con diferencia, el más exigente teatralmente; con recursos vocales y dramáticos del más alto nivel, Barnard deja claro aquí que está entre las mejores intérpretes del papel que se han visto u oído en este país.  A su lado, el menos amable Georges, interpretado con una credibilidad apabullante por Thomas Josling, de 19 años, es un campo minado de dificultades, ninguna de las cuales parece haber tenido opción frente a este actor experto, con una voz rica y perfectamente controlada y la inteligencia necesaria para recrear la mezcla turbulenta y vital del artista: energía juvenil y férrea dedicación.  Entre ambos te hacen creer por completo en quiénes son y en lo que están haciendo.

Y, en cierto modo, de eso trata la obra.  Aunque empieza de forma lo bastante convencional, aparentemente siguiendo la estructura y las convenciones reconocibles del teatro musical, poco a poco, a medida que avanza, nos aleja cada vez más de lo conocido hasta que —por fin— se adentra en un territorio totalmente desconocido y —lo más maravilloso de todo— nosotros, el público, estamos preparados para acompañarla vaya donde vaya.

La razón del éxito de esta producción es que comprende por completo la intención de la obra y no permite que ningún detalle se cuele sin exigir que esté plenamente justificado.  Incluso un súbito y fugaz soplo de humo escénico viene reclamado por una referencia de pasada en el texto.  Y así ocurre con cada componente visual de la puesta en escena: los caballetes y lienzos que se mueven con elegancia y constituyen la sustancia entera del universo de estos personajes; no hay un solo movimiento de un intérprete en escena que no continúe la elocuente articulación de la fuerza motriz dentro de esta realización increíblemente segura y evocadora.  En suma, esto no trata solo sobre el «Arte»: es una conversación sobre qué es el teatro.

Haciendo de secundarios frente a los protagonistas están el más convencional Jules (Adam Johnson, 20) e Yvonne (Florence Russell, 19): son, por supuesto, los Snow frente a los Bigelow de los demás, y forman parte de la discusión —mejor dicho, del discurso— que Sondheim incrusta en el espectáculo sobre la propia naturaleza del teatro musical y su relación con él.  Las distintas parejas de personajes que giran a su alrededor parecen visitantes de obras que escribió antes o después de esta: la Anciana (Eloise Kenny-Ryder, 19) y su Enfermera (Lucy Carter, 18) salen directamente de 'A Little Night Music', mientras que los Soldados (Marcus Harman, 18, y Scott Folan, 17) parecen a punto de convertirse en los Príncipes de 'Into the Woods'.  Y así sucesivamente: aquí, allá y en todas partes vemos y oímos ecos de la mente de Sondheim en funcionamiento.  Pero, quizá, ¿no es eso lo que todos experimentamos cuando miramos el arte?  ¿Qué otra cosa, al fin y al cabo, invita, si no a una respuesta de la mente?

Toda la compañía trabaja unida para que esto suceda.  Louise (Kiera Milward, 13); las dos Celeste (Ellie Green, 17, y Aliza Vakil, 19); Louis (Thomas Mullan, 17); los divertidísimos estadounidenses de comedia musical, el Sr. (Alfie Richards, 17) y la Sra. (Lucy Coyle, 19); y su personal, Franz (Michael McGeough, 21) y Frieda (Lydia Crosher, 20); el Barquero (Matt Pettifor, 20); Chico Sentado (Paul French, 16); Mujer de Pie (Lydia Clay-White, 17); Mujer Vestida de Morado (Heather Conder, 20); Mujer Arrodillada (Kitty Watson, 19) y el Trompista (Alex Stephenson, 21) trabajan juntos en un conjunto brillantemente fluido y armonioso, compartiendo la narración con una convicción magistral.

Cuando la historia se traslada a Chicago un siglo después, en el segundo acto, y todo el mundo puede interpretar un papel distinto, el diseño de Kinley realmente mantiene unido todo el espectáculo: su uso comedido del color en un mundo por lo demás monocromo hace que el público anhele no solo el pigmento, sino su empleo veraz y con sentido.  La espantosa burla de la «instalación» moderna montada por el descendiente del pintor (también interpretado —de forma inquietantemente irreconocible— por Thomas Josling) y sus esbirros técnicos, el Chromolume, da pena más que risa; su melancolía se alimenta de la frustración que siente quien la exhibe cuando se sabe perdido, incapaz de expresar nada con profundidad.  Para ello, tenemos que volver —como hicimos al final del primer acto— al mejor momento de la obra: el coral trascendental de 'Sunday', una pieza de un humanismo tan directo que derriba todo lo anterior y habla de frente al corazón con una fuerza y una pasión inmensas.

Sí, todavía hay quien dice que no hay «emoción» en Stephen Sondheim.  Obviamente, nunca han visto esta obra.  Deberían.  Y, quizá, pronto tengan otra oportunidad de hacerlo.  Mientras tanto, este brillante recuerdo de la producción del NYMT brillará en el corazón de quienes tuvieron la suerte de verla.  Y, para quienes no pudieron, solo puedo decir: por favor —si podéis— intentad sacar tiempo para ver las producciones de esta asombrosa compañía joven.  Vuestra vida no volverá a ser la misma.

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