리뷰: 선데이 인 더 파크 위드 조지, 더 아더 팰리스 ✭✭✭✭✭

조지와 함께 공원에서 보내는 일요일

내셔널 유스 뮤직 시어터(NYMT), 디 아더 팰리스

2017년 8월 19일 토요일

그들과 함께한 경험이 풍부한 앤드루 로이드 웨버는, 뮤지컬에서 가장 어려운 점은 너무도 다양한 요소들이 있어 그것들이 한데 맞물려 하나의 통일된 효과를 만들어내기가 몹시, 몹시 까다롭다는 것이라고 말한다.  엄청난 노력은 물론, 상당한 운도 필요하다.  수많은 것들이 어긋날 수 있고, 실제로 자주 그렇게 된다.  하지만 모든 것이 함께 맞아떨어질 때… 그 결과는 장관이다.  이번 NYMT의 간판 프로덕션은—그가 특히 아끼는 단체이자, 이 공연장(또한 영국 전역의 여러 주요 극장들)에서 여름 시즌의 확고한 존재로 자리 잡은 이들이 선보인 작품인데—바로 그 ‘장관’을 이뤄냈다.

지난해 해크니 엠파이어에서 NYMT가 선보인 벤 틸의 놀라운 제1차 세계대전 서사 뮤지컬 드라마 ‘Brass’ 리바이벌로 엄청난 성공을 거둔 연출가 해나 치식은, 이 단체가 어떻게 움직이는지—그리고 전국에서 가장 재능 있는 젊은 배우와 음악가들로 선발된 훌륭한 단원들의 잠재력을 어떻게 최대로 끌어낼지—에 대한 통찰을 가득 안고 NYMT로 돌아왔다.  유능한 안무가 샘 스펜서-레인, 뛰어난 디자이너 맷 킨리, 베테랑 조명 디자이너 마이크 로버트슨, 업계를 대표하는 사운드 디자이너 아브구스타스 프실라스와 함께 치식과 지칠 줄 모르는 프로듀서 제러미 워커는, 이 젊은 예술가들의 작업을 뒷받침할 최고의 프로페셔널들로 강력한 팀을 꾸렸다.  그리고 이들에겐 비장의 카드도 있다.  지난해 ‘Brass’로 전국적 주목을 받기 시작한 차세대 음악감독 알렉스 에이트킨이 바로 그 주인공이다.  무대 뒤쪽 갤러리에서 키보드로 지휘하는 그는, 원래의 오케스트라 파트를 6명의 작은 실내 앙상블(마이클 매디건, 18세, 리드; 에밀리아 드 생크루아, 18세, 그리고 제이미 포크너, 21세, 바이올린; 엘리 블라이트, 19세, 첼로; 크리스 푼, 21세, 키 2)로 축소해 놀라운 결과를 만들어내며, 관객의 귀를 배우들의 목소리에 집중시킨다.

이 작품은 예술이 마주하는 도전을 다루며, 창작진과 출연진, 밴드에게 ‘완전한 예술적 헌신’ 외에는 아무것도 요구하지 않는 작품이다.  19세기 말 프랑스 걸작 가운데에서도 특히 기묘하면서 사유를 자극하는 작품, 조르주 쇠라의 ‘그랑드 자트 섬의 일요일 오후(Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte)’라는 굴절 프리즘을 통해 바라볼 때, 이 뮤지컬은 부분적으로는 자전적이며, 우리가 완성된 그림으로 알고 있는 그 이미지들의 배치 뒤에 실제로 있었을지도(혹은 없었을지도) 모를 이야기들을 너그럽게 재상상한 해석이다.  이 그림은 1924년부터 시카고 아트 인스티튜트에 걸려 있다.  쇠라는 캔버스에 점을 찍듯 색을 올리는 점묘법으로 유명하며, 제임스 라파인의 날카롭고 생생한 대본에서도 여러 대목에서 이 기법을 조명한다.  하지만 내게 쇠라는, 점묘법보다도 프랑스 회화의 더 오래된 전통—특히 인물과 서사에 관한 전통—을 이어가는 방식이 훨씬 더 흥미롭다.

프랑스 낭만적 목가(牧歌) 장르의 창시자라 할 만한 앙투안 와토가 그랬듯, 쇠라는 수없이 많은 인물들을 끊임없이 스케치한 뒤, 그중 누구를 어떤 조합으로 한 캔버스에 올릴지 엄격하게 선택했다.  그래서 ‘눈앞에 있는 것만’ 그리라고 주장했던 인상주의자들의 절제된 원칙과는 달리, 그는 사물을 본 뒤 서로 다른—종종 상충하는—인상들을 바탕으로 무엇을 만들어낼지 상상하는 데 집중했다.  그런 점에서 형식과 구조에 대한 감각 면에서 그는, 그의 극적 기록자 소онд하임과 놀라울 만큼 닮아 있다.  그리고 소онд하임은 쇠라와 그의 삶과 창조에 대한 태도에서, 자신의 사랑과 창작적 운명을 비추는 은유를 발견한다.  그러니 이것은 단지 한 편의 뮤지컬이 아니라, 수세기를 가로지르고 대륙을 넘나드는 거대한 대화의 일부다.  사실, 이 작품은 인간성 그 자체에 관한 이야기다.

이처럼 거대한 철학적 스케일은 어른에게도 이해하기가 쉽지 않고, 말로 전달하기는 더더욱 어렵다.  그런데도 이 프로덕션이 눈부시게 느껴지는 이유는, 이 단체가 구현해낸 실행의 완벽함을 생각할 때 그 놀라움이 배가되기 때문이다.  주연에서는 로라 버나드(21)가 예술가의 뮤즈 ‘닷’으로 시작부터 권위와 성숙함을 확고히 보여준다.  닷은 가장 다층적인 역할이다.  2막에서는 나이 든 딸로 1인 2역을 해야 하고, 다시 자신의 유령으로 돌아오기도 한다.  무대적으로도 단연 가장 고난도의 역할이다.  최상급의 보컬과 드라마적 역량을 갖춘 버나드는, 이 나라(영국)에서 우리가 보고 들은 ‘닷’ 가운데 손꼽히는 해석자임을 여기서 선언한다.  그 옆에서, 그다지 호감형이 아닌 ‘조르주’ 역은 문제투성이의 지뢰밭 같은 역할인데, 19세의 토머스 조슬링은 놀라울 정도로 설득력 있게 이를 돌파한다.  풍성하면서도 완벽히 제어된 목소리, 그리고 젊은 에너지와 강철 같은 헌신이 뒤섞인 예술가의 격렬하고도 생동하는 내면을 재창조해내는 지성까지 갖춘 배우 앞에서는, 그 어떤 난관도 버틸 틈이 없어 보인다.  두 사람은 함께, 우리가 그들이 누구이며 무엇을 하고 있는지 완전히 믿게 만든다.

그리고 어떤 의미에서는, 그것이 바로 이 작품이 말하는 바다.  겉보기에는 꽤 전형적으로 시작해, 익숙한 뮤지컬의 구조와 관습을 따라가는 듯하지만, 조금씩 진행될수록 우리를 알고 있던 것에서 점점 더 멀리 데려간다.  마침내는 완전히 미지의 영역을 향해 손을 뻗고, 무엇보다도 멋진 점은—관객인 우리가—그 작품이 어디로 데려가든 기꺼이 함께 갈 준비가 되어 있다는 것이다.

이 프로덕션이 성공한 이유는 작품의 의도를 철저히 이해하고, 그 어떤 디테일도 ‘필요로부터’ 나오지 않으면 끼어들도록 허락하지 않기 때문이다.  잠깐 스쳐가는 무대 연기 한 줄기조차도 대본 속 지나가는 언급이 요구하는 만큼만 등장한다.  그렇듯 미장센을 이루는 모든 시각적 요소가 정확히 제 몫을 한다.  우아하게 움직이는 이젤과 캔버스는 이 인물들의 우주 전체를 구성하는 실체가 되고, 무대 위 배우의 단 한 번의 움직임도 이 놀랍도록 자신감 있고 환기력(喚起力) 강한 구현 속에서 내적 추진력을 웅변적으로 이어가지 않는 경우가 없다.  요컨대, 이것은 단지 ‘예술’에 대한 이야기가 아니라, ‘연극이란 무엇인가’에 대한 대화다.

주연들에 비해 다소 전형적인 ‘줄스’(애덤 존슨, 20)와 ‘이본’(플로렌스 러셀, 19)은 2인자처럼 보이지만, 이들은 당연히 다른 이들의 비글로(빅겔로우)에 대응하는 스노우(Snow) 커플이다.  그리고 그들은, 뮤지컬이라는 장르의 본질과 그에 대한 소онд하임 자신의 관계를 둘러싼, 작품 속에 내장된 그의 ‘논의’—아니, ‘담론’—의 일부다.  그들 주변을 도는 여러 쌍의 인물들은, 소онд하임이 이 작품 이전이나 이후에 쓴 다른 작품들에서 방문해 온 듯 보인다.  올드 레이디(엘로이즈 케니-라이더, 19)와 그녀의 간호사(루시 카터, 18)는 ‘A Little Night Music’에서 그대로 나온 듯하고, 병사들(마커스 하먼, 18, 스콧 폴런, 17)은 금방이라도 ‘Into The Woods’의 왕자들로 변해버릴 것만 같다.  이런 식으로, 여기서도 저기서도, 곳곳에서 우리는 소онд하임의 사고가 작동하는 메아리를 보고 듣는다.  하지만 어쩌면, 우리가 예술을 볼 때 늘 그런 경험을 하는 것 아닐까?  결국 예술이 초대하는 것은, 마음으로부터의 응답 말고 또 무엇이겠는가.

이 모든 것을 가능케 하는 것은, 작품 전체를 함께 만들어내는 앙상블의 힘이다.  루이즈(키이라 밀워드, 13), 두 명의 셀레스트(엘리 그린, 17, 알리자 바킬, 19), 루이(토머스 멀런, 17), 유쾌한 뮤지컬 코미디풍 미국인 부부인 미스터(알피 리처즈, 17)와 미세스(루시 코일, 19), 그리고 그들의 직원 프란츠(마이클 맥게오, 21)와 프리다(리디아 크로셔, 20), 뱃사공(맷 페티퍼, 20), 앉아 있는 소년(폴 프렌치, 16), 서 있는 여성(리디아 클레이-화이트, 17), 보라색 드레스의 여성(헤더 콘더, 20), 무릎 꿇은 여성(키티 왓슨, 19), 그리고 호른 연주자(알렉스 스티븐슨, 21)까지—모두가 놀라울 만큼 유연하고 조화로운 앙상블로 어우러져, 탁월한 확신을 담아 함께 이야기를 전달한다.

2막에서 이야기가 한 세기 뒤의 시카고로 옮겨가고, 모두가 다른 역할을 맡게 될 때(정말로!), 킨리의 디자인이야말로 공연 전체를 단단히 묶어준다.  대체로 단색으로 구성된 세계 속에서 색을 절제해 쓰는 방식은, 관객이 단지 ‘색채’만이 아니라, 그 색이 진실하고 의미 있게 사용되기를 갈망하게 만든다.  화가의 후손(토머스 조슬링이—소름 돋을 만큼 알아보기 어렵게—또한 연기한다)과 그의 기술 스태프들이 설치해 둔 현대식 ‘인스톨레이션’의 흉측한 패러디, 크로몰룸(Chromolume)은 우스꽝스럽기보다는 슬프다.  그 우울함은, 자신이 길을 잃었고 어떤 깊이도 표현하지 못한다는 사실을 아는 제공자의 좌절감에서 기생하듯 자라난다.  이 때문에 우리는—1막의 끝에서 그랬듯—작품의 최고의 순간으로 돌아가야 한다.  ‘Sunday’의 초월적인 코랄이다.  그것은 너무도 정면으로 인간주의를 외치는 곡이라, 앞선 모든 것을 무너뜨리고, 거대한 힘과 열정으로 심장을 향해 곧장 말을 건다.

그래도 여전히, 스티븐 소онд하임에게는 ‘감정’이 없다고 말하는 사람들이 있다.  그들은 분명 이 작품을 본 적이 없다.  봐야 한다.  그리고 어쩌면 머지않아, 다시 볼 기회가 생길지도 모른다.  그때까지는, 이 NYMT 프로덕션에 대한 눈부신 기억이, 관람할 수 있었던 이들의 가슴속에서 오래도록 빛날 것이다.  놓친 분들께는 이렇게만 말하고 싶다.  가능하다면—부디—시간을 내어 이 놀라운 젊은 극단의 작품을 찾아보시길.  당신의 삶은, 다시는 예전과 같지 않을 것이다.

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