CRÍTICA: Made In Dagenham, Teatro Adelphi ✭✭✭✭

Made In Dagenham. Foto: Manuel Harlan Made in Dagenham

Adelphi Theatre

4 Estrelas

O vilão de fato impecável, completo com bigode, destruiu o amuleto mágico. A Cinderela afinal não irá ao baile. Mas, depois, a sua fada madrinha dá-lhe força e ela encontra dentro de si a coragem para ir, vestindo um fabuloso vestido novo. Ao início hesitante, ela vacila quando as danças começam, mas depressa, sabendo que os amigos estão do seu lado, ganha confiança e torna-se a estrela do baile. O Príncipe, distraído com outros deveres, apercebe-se de quão perto esteve de perder a oportunidade de estar com a Cinderela. Pede-lhe a mão; ela aceita. Seguem-se lágrimas e felicidade.

Isto não é o enredo de uma pantomima atualizada, mas a essência do que está no coração de Made In Dagenham, um novo musical encenado por Rupert Goold, atualmente em cena no Adelphi Theatre. É uma adaptação do filme de 2010 e tem como protagonista a talentosa e cativante Gemma Atherton.

As adaptações estão sempre carregadas de risco. Os fãs da primeira forma da história — seja romance, filme, peça ou poema — terão sempre uma opinião sobre se a adaptação é fiel ou sacrílega. Como assim a Eliza volta para o Higgins no fim de My Fair Lady? Como assim a personagem da Shelley Winters morre depois do nado e não quando o casco está a ser cortado, a segundos do resgate, em The Poseidon Adventure? Como assim a Rapunzel não morre em Into The Woods? E por aí fora.

Mas, na verdade, cada adaptação precisa de funcionar nos seus próprios termos, no seu próprio meio. Histórias e personagens mudam para responder às exigências da nova forma, permitindo que esta seja o mais eficaz possível. Tal como o cinema pode contar páginas de uma história com um único plano ou uma breve cena silenciosa, também o teatro musical pode comunicar personagem e narrativa de inúmeras maneiras — através de canção, dança, interlúdios musicais, texto. A forma como estes elementos se combinam dita a resposta do público. Por isso, nunca é necessário conhecer a versão original para que um novo musical resulte; é a forma musical que precisa de ser coerente, compreensível e, quase sempre, cheia de coração.

Made in Dagenham é uma história arquetípica de David contra Golias, tendo como pano de fundo o mundo sexista dos anos 60 e entrelaçada com um romance e uma rebelião doméstica. Este David em particular pode estar a derrubar mais do que um bruto, mas isso não é realmente o mais importante; este David não está a tentar mudar o mundo (embora seja isso que acontece), apenas a procurar justiça. Ainda que os acontecimentos aqui retratados tenham tido enorme importância política, essa importância não é o núcleo de Made In Dagenham.

Não. Tal como Hamlet não é uma sátira nem uma análise da questão das monarquias, Made In Dagenham é uma história suave, doce e bastante encantadora sobre uma mulher de linguagem direta que, por momentos, entra na ribalta, quase perde a família que adora, mas que, mantendo-se íntegra, honesta e fiel a si mesma, triunfa para além dos seus sonhos mais loucos e é recompensada com felicidade. É, muito simplesmente, um conto de fadas dos tempos modernos, por mais firmemente — ou vagamente — enraizado em factos que esteja.

E quando Made In Dagenham se concentra no conto de fadas, é totalmente cativante, muito divertido, caloroso e genuinamente comovente. E intrinsecamente britânico. Percorre todo o espectro, do riso leve às lágrimas silenciosas que encharcam lenços; uma montanha-russa musical com mais altos do que baixos, tendo nas excelentes letras de Richard Thomas um dos verdadeiros pontos altos.

Rita é felizmente casada com Eddie, têm dois filhos e vivem e trabalham em Dagenham, na fábrica de produção automóvel da Ford. A Ford está a reestruturar os níveis salariais e, como parte disso, pretende tratar Rosie e as suas colegas, especialistas em costurar capas de bancos, como menos qualificadas do que os homens — incluindo Eddie — que fazem trabalho não qualificado e repetitivo. As mulheres recusam aceitar o acordo, e a perturbação no local de trabalho acaba por se tornar um veículo para a defesa, no Reino Unido, da igualdade salarial para as mulheres. Os homens (políticos, dirigentes sindicais, chefias da fábrica e colegas) reagem mal às reivindicações de igualdade das mulheres, e Eddie abandona Rita, levando-lhes os filhos. Apesar do mundo brutal e sexista em que se vê, Rita continua a lutar, acabando por convencer o sindicato mais poderoso do país a votar a favor de uma cláusula de igualdade salarial. Eddie percebe que esteve errado e a felicidade é restaurada.

Mas, por alguma razão — seja pela inclinação de encenação de Rupert Goold, seja pela visão narrativa de Richard Bean, o adaptador — o musical não se limita aos aspetos mais “à Cinderela” da história. Não. De forma tola, inútil e, na verdade, ofensiva, a narrativa inclui interlúdios com Harold Wilson e o Sr. Tooley, o grande patrão americano da Ford, que são fáceis, pueris e contraproducentes. Não acrescentam nada à peça e, pelo contrário, retiram-lhe força. Pertencem a outro espetáculo: uma paródia sem gosto de estereótipos ou uma sátira política.

A presença destas sequências inexplicavelmente estúpidas faz com que outro material não exista, quando poderia tão facilmente existir. Por exemplo, não há um dueto feliz entre Rita e Eddie que prepare o que ela pode perder; não há um solo para a mulher do gerente da fábrica de Dagenham, que inspira Rita a manter-se fiel à sua causa; não há um dueto entre Connie e Monty, membros do mesmo sindicato com uma longa e íntima história; não há uma canção para a mordaz e maldizente Beryl — uma oportunidade perdida para um potencial número “rouba-cena”.

Em vez de usar a música para aprofundar a compreensão da situação ou das personagens, a equipa criativa desperdiça tempo em irrelevâncias tolas. O facto de este erro de avaliação não afundar por completo o projeto diz muito sobre o material que, esse sim, é fiel à forma da comédia musical adequada a esta história suave — e sobre a competência do elenco.

O número final, Stand Up, é um deleite musical, mas leva-nos a perguntar porque é que o compositor David Arnold não apresentou uma partitura mais saborosa. É evidente que ele compreende o efeito que mudanças de tonalidade, diferentes compassos, harmonias e modulações podem ter numa partitura completa; simplesmente não escolhe usá-los com frequência. Isto não quer dizer que não haja melodias lindíssimas e temas pegajosos — há, sem dúvida — mas a impressão é que a música não esteve na linha da frente da preparação. A paródia política nunca é mais importante do que música empolgante — uma lição que Bean e Goold precisam de aprender.

Ainda assim, estas falhas não são fatais e as interpretações centrais são decisivas para isso.

Gemma Arterton é uma Rita maravilhosa. É bonita, cheia de calor humano e charme, e traz um verdadeiro sentido de verdade a cada momento. Com naturalidade, estabelece a sensação da época em que a ação decorre e o laço afetuoso que tem com as suas colegas de trabalho. Mas, ao mesmo tempo, sente-se a inquietação nela, enquanto luta contra a noção enraizada de que os homens sabem o que é melhor para ela e para os seus filhos.

Vocalmente, está no seu melhor no número de abertura, nos duetos com Eddie e no arrebatador Stand Up! Em grande parte, dá conta das exigências da partitura; é uma excelente atriz que sabe cantar. No entanto, a partitura beneficiaria mais de uma excelente cantora que soubesse representar. Há vários momentos em que mais potência vocal teria transformado uma sequência banal em algo extraordinário.

Sophie-Louise Dann demonstra-o quando, como a ministra Barbara Castle, ela — para usar um termo técnico — “canta de arrasar” o seu solo no segundo ato. E com razão: levanta o telhado.

Como Eddie, Adrian Der Gregorian é perfeito como o tipo comum, o pai desajeitado, o homem que realmente ama a mulher mas não a compreende. Oferece um retrato caloroso, comovente e sincero da normalidade. O que nele é extraordinário é a voz. Está em excelente forma ao longo de todo o espetáculo, mas sobretudo ao interpretar The Letter e no dueto em que diz a Rita que acabaram.

Isla Blair está segura, encantadora e astuta como Connie, a mulher que “casou” com o seu sindicato e colocou a sua carreira ali acima de tudo o resto na vida. É uma interpretação delicadamente deliciosa e dá uma verdadeira sensação de coração à peça.

As companheiras de Rita são todas notáveis: a Beryl de Sophie Stanton (uma mulher que poderia ultrapassar Gordon Ramsey no uso do palavrão com F), a Clare de Heather Craney (oito partes Barbara Windsor, duas partes Olive de On The Buses; uma alegria total), a Sandra de Sophie Isaacs (o epítome de uma rapariga de Carry On), Naana Agyei-Ampadu (a costureira que pilotaria um avião). Fazem um grande grupo e têm excelente apoio do ensemble, tanto feminino como masculino. Aliás, o canto do ensemble é um verdadeiro ponto alto ao longo de todo o espetáculo.

Naomi Frederick é soberba como Lisa, a mulher desolada e inteligente do meticuloso e inútil Hopkins (Julius D'Silva, em esplêndida forma). A sua frase sobre o cavalo que o marido lhe oferece é a tirada da noite. Desenha um contorno claro de dor e paixão, e o momento em que entrega o vestido a Rita antes do discurso é um daqueles momentos teatrais perfeitamente simples que ficam connosco.

David Cardy fez o que pôde com Monty, e o seu discurso na cama do hospital foi particularmente tocante. O material dele não é nem de perto tão forte como o dado às mulheres, mas tirou o máximo partido do que lhe foi oferecido. René Zagger diverte-se numa série de papéis, atacando cada um com garra e cuidado. Scott Garnham dá tudo como Buddy Cortina.

Tendo em conta que a história do professor sádico, Macer, não leva a lado nenhum, e que a forma como Harold Wilson e o patrão americano Tooley são utilizados é estupidamente errada, os esforços de Steve Furst (Tooley), Mark Hadfield (Wilson) e Gareth Snook (Macer) acrescentam pouco, se é que acrescentam alguma coisa, ao sucesso global do musical. Não é culpa deles: fazem o que lhes é pedido. E talvez seja por o fazerem bem que o estrago dessas cenas na peça, no seu conjunto, fica um pouco atenuado. Talvez. Duvido que os americanos — ou, na verdade, qualquer pessoa — encontrem alguma graça ao insuportável número de abertura do segundo ato de Tooley, This Is America. Deve ser cortado e substituído já.

A coreógrafa Aletta Collins não aproveita ao máximo as oportunidades de dança e movimento que a peça e a partitura oferecem. O número de Buddy Cortina, por muito bem cantado que seja, não sobrevive à encenação. Há um momento, quando uma cena se transforma num pub, em que uma bailarina a solo (pareceu ser Rachel Spurrell) corporizou a alegria e o espírito dos anos Sessenta numa dança de felicidade — quem dera que Collins tivesse mantido esse nível de entrega e intensidade ao longo de todo o espetáculo. Com uma coreografia melhor e mais inventiva, isto seria um entretenimento muito mais forte.

Bunny Christie oferece um cenário excelente. Há uma linha de produção permanente de fábrica montada, que enquadra a maior parte da ação, com bancos de carro a passar numa passadeira elevada, lembrando constantemente a necessidade de a fábrica continuar a funcionar — ao mesmo tempo que deixa claro que as mulheres e a sua costura trazem cor às conquistas cinzentas dos homens. O cenário de dois níveis para a casa dos O'Grady é querido, mas não é inovador.

O menos impressionante é o desenho de som de Richard Brookner. Não faz nada para trazer clareza à dicção dos cantores e muitas vezes turva o que, de outra forma, seria cristalino. O equilíbrio entre orquestra e cantor está frequentemente errado — de forma inexplicável. Isto deve ser resolvido com urgência.

Há muito para adorar aqui, bastante para gostar e alguns aspetos que estão simplesmente errados. Mas a impressão geral é boa. Se a equipa criativa deixasse de tentar ser esperta com a sátira política e se mantivesse no impulso da história e nas belas personagens centrais, este seria um grande musical britânico. Tal como está, o encanto genuíno e a competência do grande elenco, liderado por Arterton e Der Gregorian, garantem muitas gargalhadas, algumas lágrimas e uma sensação de triunfo ressonante no número final. Só alguém mesquinho não iria querer pôr-se de pé para aplaudir este elenco no fim da noite.