RECENSIONE: Made In Dagenham, Adelphi Theatre ✭✭✭✭

Made In Dagenham. Foto: Manuel Harlan Made in Dagenham

Adelphi Theatre

4 stelle

Il cattivo in giacca e cravatta, tirato a lucido e con tanto di baffi, ha distrutto l’amuleto magico. Cenerentola, dunque, non andrà al ballo. Ma poi la fata madrina le infonde coraggio e lei trova dentro di sé la forza di andarci, indossando un favoloso abito nuovo. All’inizio è esitante, vacilla quando cominciano le danze, ma presto, sapendo che le sue amiche sono dalla sua parte, acquista fiducia e diventa la reginetta del ballo. Il Principe, distratto dai suoi altri doveri, si rende conto di quanto sia andato vicino a perdere la possibilità di stare con Cenerentola. Le chiede la mano; lei accetta. Seguono lacrime e felicità.

Questa non è la trama di un panto aggiornato, bensì l’essenza di ciò che sta al cuore di Made In Dagenham, un nuovo musical diretto da Rupert Goold, attualmente in scena all’Adelphi Theatre. È un adattamento del film del 2010 e ha come protagonista la talentuosa e affascinante Gemma Arterton.

Gli adattamenti sono sempre pieni di insidie. Gli appassionati della prima forma della storia — che sia un romanzo, un film, un dramma o una poesia — avranno sempre da ridire su quanto l’adattamento sia fedele o sacrilego. Come sarebbe a dire che Eliza torna da Higgins alla fine di My Fair Lady? Come sarebbe a dire che il personaggio di Shelley Winters muore dopo la nuotata e non mentre lo scafo viene tagliato, con i soccorsi a pochi secondi, ne L’avventura del Poseidon? Come sarebbe a dire che Raperonzolo non muore in Into The Woods? E così via.

Ma, a ben vedere, ogni adattamento deve funzionare alle proprie condizioni, nel proprio contesto. Storie e personaggi cambiano per rispondere alle esigenze della nuova forma, per permettere alla nuova forma di essere il più efficace possibile. Così come il cinema può raccontare pagine e pagine con una sola inquadratura o una breve scena muta, il teatro musicale può comunicare personaggi e storia in mille modi: canzone, danza, interludi musicali, testo. È il modo in cui questi elementi si combinano a determinare la risposta del pubblico. Dunque, non è mai necessario conoscere l’originale perché un nuovo musical funzioni; è la forma musicale che deve risultare coerente, comprensibile e, quasi sempre, piena di cuore.

Made in Dagenham è un classico David contro Golia, ambientato sullo sfondo del mondo sessista degli anni Sessanta e intrecciato con una storia d’amore e una ribellione domestica. Questo David, in particolare, potrebbe abbattere più di un solo energumeno, ma non è davvero questo il punto; non sta cercando di cambiare il mondo (anche se è ciò che accade), sta semplicemente cercando giustizia. Per quanto gli eventi raccontati qui abbiano avuto un’enorme importanza politica, quell’importanza non è il cuore di Made In Dagenham.

No. Proprio come Amleto non è una satira né una disamina della questione delle monarchie, Made In Dagenham è una storia gentile, dolce e davvero deliziosa su una donna schietta che per un momento finisce sotto i riflettori, rischia quasi di perdere la famiglia che adora, ma che, restando fedele ai propri principi — onesta e autentica — riesce oltre ogni più rosea aspettativa e viene ripagata con la felicità. In poche parole, è una fiaba moderna, per quanto saldamente (o vagamente) affondi le radici nei fatti.

E quando Made In Dagenham si concentra sulla fiaba, è coinvolgente in tutto e per tutto, molto divertente, scalda il cuore e colpisce davvero. E, nel profondo, è autenticamente britannico. Copre l’intero spettro: dalle risatine leggere alle lacrime silenziose da fazzoletto fradicio; una montagna russa musicale con più alti che bassi, e gli ottimi testi di Richard Thomas sono uno dei veri punti di forza.

Rita è felicemente sposata con Eddie, hanno due figli e vivono e lavorano a Dagenham nello stabilimento Ford. La Ford sta ristrutturando i livelli salariali e, in questo contesto, intende considerare Rosie e le colleghe esperte nel cucire i rivestimenti dei sedili come meno qualificate degli uomini — compreso Eddie — che svolgono mansioni non qualificate e ripetitive. Le donne rifiutano di accettare l’accordo e il conseguente blocco sul posto di lavoro diventa il veicolo attraverso cui, nel Regno Unito, si porta avanti la battaglia per la parità salariale. Gli uomini (politici, leader sindacali, capi reparto e colleghi) reagiscono male alle rivendicazioni di uguaglianza, ed Eddie lascia Rita portandole via i figli. Nonostante il mondo brutale e sessista in cui si ritrova, Rita continua a lottare e finisce per convincere il sindacato più potente del Paese a votare a favore di una clausola per la parità di retribuzione. Eddie capisce di aver sbagliato e la felicità torna a casa.

Ma, per un motivo o per l’altro — che sia l’impronta registica di Rupert Goold o la visione narrativa dell’adattatore Richard Bean — il musical non si limita agli aspetti “alla Cenerentola” della storia. No. In modo sciocco, gratuito e, francamente, offensivo, la vicenda include intermezzi con Harold Wilson e il signor Tooley, il grande capo americano della Ford, che risultano superficiali, infantili e controproducenti. Non aggiungono nulla allo spettacolo e anzi lo indeboliscono alla radice. Appartengono a un altro show: una parodia di stereotipi di pessimo gusto o una satira politica.

La presenza di queste sequenze incomprensibilmente stupide fa sì che altro materiale, che potrebbe esserci con facilità, non ci sia. Per esempio, manca un duetto felice tra Rita ed Eddie che prepari il terreno a ciò che lei rischia di perdere; manca un assolo per la moglie del direttore dello stabilimento di Dagenham, che ispira Rita a restare fedele alla causa; manca un duetto tra Connie e Monty, membri dello stesso sindacato con una lunga storia intima alle spalle; manca una canzone per l’acida, sboccata Beryl — un’occasione persa per un potenziale show-stopper.

Invece di usare la musica per far avanzare la comprensione della situazione o del personaggio, il team creativo spreca tempo in sciocche irrilevanze. Che questo errore di valutazione non affondi del tutto l’intera impresa la dice lunga sul valore del materiale che rimane fedele alla commedia musicale adatta a questa storia gentile e sulla bravura del cast.

Il numero finale, Stand Up, è una delizia musicale, ma fa anche chiedere perché il compositore David Arnold non abbia scritto una partitura più saporita. È evidente che conosce bene l’effetto che cambi di tonalità, tempi diversi, armonie e modulazioni possono avere su uno score completo; semplicemente non sceglie di usarli spesso. Questo non significa che manchino melodie splendide e motivi orecchiabili — ci sono eccome — ma l’impressione è che, in fase di preparazione, la musica non sia stata davvero al centro. La parodia politica non è mai più importante di una musica entusiasmante: è una lezione che Bean e Goold devono imparare.

Eppure, questi difetti non sono fatali, e le interpretazioni centrali sono determinanti.

Gemma Arterton è una Rita splendida. È bellissima, piena di calore e fascino e porta un autentico senso di verità in ogni momento. Con naturalezza, definisce l’epoca in cui si svolge l’azione e il legame affettuoso che la unisce alle colleghe. Ma, allo stesso tempo, si avverte la sua irrequietezza mentre combatte con l’idea radicata che gli uomini sappiano cosa sia meglio per lei e per i suoi figli.

Dal punto di vista vocale, dà il meglio nel numero d’apertura, nei duetti con Eddie e nel travolgente Stand Up!. Per lo più regge le esigenze della partitura; è un’ottima attrice che sa cantare. Tuttavia, lo score trarrebbe maggiore beneficio da una cantante eccellente che sappia recitare. Ci sono diversi momenti in cui una maggiore potenza vocale avrebbe trasformato una sequenza ordinaria in una straordinaria.

Sophie-Louise Dann lo dimostra quando, nei panni della ministra Barbara Castle, per usare un termine tecnico, “canta da paura” il suo assolo nel secondo atto. A ragione, fa venire giù il teatro.

Nel ruolo di Eddie, Adrian Der Gregorian è perfetto come uomo qualunque, papà un po’ spaesato, marito che ama davvero la moglie ma non la capisce. Offre un ritratto caldo, toccante e sincero dell’ordinarietà. Ciò che in lui è straordinario è la voce. È in forma smagliante per tutto lo spettacolo, ma soprattutto in The Letter e nel duetto in cui dice a Rita che tra loro è finita.

Isla Blair è sicura di sé, affascinante e scaltra nei panni di Connie, la donna che ha sposato il suo sindacato e ha messo la carriera lì davanti a tutto il resto. È un’interpretazione deliziosamente delicata e dà un vero senso di cuore allo spettacolo.

Le compagne di Rita sono tutte eccezionali: la Beryl di Sophie Stanton (una donna che, quanto a parolacce, potrebbe battere Gordon Ramsay sull’uso della “F-word”), la Clare di Heather Craney (otto parti Barbara Windsor e due parti Olive di On The Buses; pura gioia), la Sandra di Sophie Isaacs (l’emblema di una ragazza da Carry On), Naana Agyei-Ampadu (la sarta che sarebbe capace di pilotare un aereo). Formano una squadra magnifica e hanno un ottimo supporto dall’ensemble, sia femminile sia maschile. Anzi, i cori d’insieme sono un vero punto di forza per tutta la serata.

Naomi Frederick è superlativa nel ruolo di Lisa, la moglie colta e devastata dell’inutile e puntiglioso Hopkins (Julius D’Silva, in splendida forma). La sua battuta sul cavallo che il marito le ha regalato è la battuta della serata. Traccia con chiarezza i contorni del dolore e della passione, e il momento in cui porge a Rita l’abito prima del discorso è uno di quei momenti teatrali perfettamente semplici che restano addosso.

David Cardy ha fatto il possibile con Monty, e il suo monologo sul letto d’ospedale è stato particolarmente toccante. Il materiale a sua disposizione non è minimamente forte quanto quello affidato alle donne, ma ha sfruttato al massimo ciò che gli è stato dato. René Zagger si diverte in una serie di ruoli, affrontandoli tutti con slancio e cura. Scott Garnham dà tutto nel ruolo di Buddy Cortina.

Dato che la storia dell’insegnante sadico, Macer, non porta da nessuna parte, e che l’uso di Harold Wilson e del capo americano Tooley è stupidamente sbagliato, gli sforzi di Steve Furst (Tooley), Mark Hadfield (Wilson) e Gareth Snook (Macer) aggiungono poco, se non nulla, al successo complessivo del musical. Non è colpa loro: fanno tutti ciò che viene chiesto. E forse proprio perché lo fanno bene, il danno che quelle scene arrecano all’insieme risulta in parte attenuato. Forse. Dubito che gli americani — o, in realtà, chiunque — troveranno qualcosa di divertente nell’insopportabile apertura del secondo atto di Tooley, This Is America. Andrebbe tagliata e sostituita subito.

La coreografa Aletta Collins non sfrutta al massimo le opportunità di danza e movimento che lo spettacolo e la partitura offrono. Il numero di Buddy Cortina, per quanto ben cantato, non regge la messa in scena. C’è un momento, quando una scena si trasforma in un pub, in cui una danzatrice solista (sembrava Rachel Spurrell) incarna la gioia e lo spirito degli anni Sessanta in una danza di felicità: peccato che Collins non abbia mantenuto quel livello di impegno e intensità per tutta la durata. Con una coreografia migliore e più inventiva, sarebbe un intrattenimento di ben altra caratura.

Bunny Christie firma una scenografia eccellente. C’è una linea di produzione permanente della fabbrica che incornicia gran parte dell’azione, con i sedili dell’auto che scorrono in alto su un nastro trasportatore, ricordando costantemente a tutti la necessità che lo stabilimento continui a muoversi — e al tempo stesso rendendo evidente che sono le donne, con il loro cucito, a portare colore ai grigi risultati degli uomini. Il set su due livelli per la casa degli O’Grady è grazioso, ma non particolarmente originale.

La cosa meno convincente è il sound design di Richard Brookner. Non aiuta a rendere più chiara la dizione dei cantanti e spesso impasta ciò che altrimenti sarebbe cristallino. Il bilanciamento tra orchestra e voce è spesso sbagliato — in modo inspiegabile. Va sistemato con la massima urgenza.

Qui c’è molto da amare, parecchio da apprezzare e alcune cose che proprio non funzionano. Ma l’impressione complessiva è positiva. Se il team creativo smettesse di voler essere furbo con la satira politica e restasse fedele alla spinta della storia e ai bellissimi personaggi centrali, questo sarebbe un grande musical britannico. Così com’è, il vero fascino e la bravura del numeroso cast, guidato da Arterton e Der Gregorian, garantiscono molte risate, qualche lacrima e un senso di trionfo che risuona nel numero finale. Bisognerebbe essere davvero meschini per non voler fare uno Stand Up per questo cast alla fine della serata.