レビュー: メイド・イン・ダゲナム、アデルフィ劇場 ✭✭✭✭

『メイド・イン・ダゲナム』。写真：マニュエル・ハーラン メイド・イン・ダゲナム

アデルフィ劇場

★4つ

口ひげまできっちり決めたスーツ姿の悪党が、魔法のチャームを壊してしまう。これでシンデレラは舞踏会へ行けない――はずだった。ところがフェアリー・ゴッドマザーが彼女に力を授け、彼女は自分のなかに「行く」勇気を見いだす。素敵な新しいドレスを身にまとい、最初はおずおずと、ダンスが始まると少しよろめく。でも、友だちが背中を押してくれていると分かった瞬間、彼女は自信をつけ、舞踏会の花となる。ほかの務めに気を取られていた王子は、シンデレラと共にいるチャンスを逃しかけたことに気づく。彼は彼女に求婚し、彼女は受け入れる。涙と喜びがあとに続く。

これは現代風にアップデートしたパントマイムの筋書きではない。けれど、ルパート・グールド演出の新作ミュージカル『メイド・イン・ダゲナム』（現在アデルフィ劇場にて上演中）の核心にあるのは、まさにこのエッセンスだ。2010年の映画を舞台化したもので、才気とチャーミングさを兼ね備えたジェマ・アータートンが主演している。

翻案には常に危険がつきまとう。原作が小説であれ映画であれ戯曲であれ詩であれ、最初の形を愛してきた人たちは「忠実か、それとも冒涜か」について必ず意見を持っている。『マイ・フェア・レディ』のラストでイライザがヒギンズのもとへ戻るって、どういうこと？『ポセイドン・アドベンチャー』でシェリー・ウィンタースの役が、救助まであと数秒というところで船体が切断される最中ではなく、泳いだあとに死ぬって、どういうこと？『イントゥ・ザ・ウッズ』でラプンツェルが死なないって、どういうこと？――と、きりがない。

けれど本当のところ、翻案は翻案として、その作品の文脈のなかで自立していなければならない。新しい形式の要請に合わせて、物語や人物造形は変わる――その形式が最大限に効果を発揮できるように。映画なら、たった一つのショットや短い無言の場面で何ページ分もの物語を語れるのと同じように、ミュージカルは歌、ダンス、音楽的な間奏、台詞といった多様な手段で人物と物語を伝えられる。これらがどう組み合わさるかが、観客の受け止め方を決める。だから新作ミュージカルを成立させるのに、原作の形を知っている必要はない。必要なのは、ミュージカルとして首尾一貫し、理解しやすく、そしてほとんどの場合、心で満ちていることだ。

『メイド・イン・ダゲナム』は、1960年代の性差別的な社会を背景に、恋愛と家庭内の反乱を織り込んだ、典型的な「ダビデとゴリアテ」の物語だ。このダビデが倒す相手は一人の乱暴者だけではないかもしれないが、それは本質ではない。ここでのダビデは世界を変えようとしているわけではない（結果としてそうなるのだが）。ただ「公平」を求めているだけだ。描かれる出来事は政治的に大きな意味を持っていたかもしれないが、その重要性こそが『メイド・イン・ダゲナム』の核ではない。

そう、『ハムレット』が王政という制度の風刺や論評ではないのと同じく、『メイド・イン・ダゲナム』は、率直で飾らない女性が一瞬脚光を浴び、愛する家族を失いかけ、それでも信念と誠実さを貫くことで夢にも思わぬ成功をつかみ、幸福というご褒美にたどり着く――そんな、やさしく甘やかで、実に魅力的な物語だ。事実にどれほどしっかり根ざしていようと、あるいはぼんやり根ざしていようと、要するにこれは現代のおとぎ話なのである。

そして『メイド・イン・ダゲナム』がその「おとぎ話」にフォーカスしているとき、作品は完全に観客を掴む。とびきり可笑しく、心温まり、まっすぐ胸に響く。そして何より、徹底的にブリティッシュだ。くすっと笑う可愛らしい瞬間から、言葉を失ってハンカチがびしょ濡れになる涙まで、振れ幅は実に大きい。上り坂の方が多いミュージカルのジェットコースターで、リチャード・トーマスの秀逸な歌詞は間違いなく見どころの一つだ。

リタはエディと幸せに結婚し、子どもは二人。フォードのダゲナム工場で暮らし、働いている。フォードは賃金体系を見直し、その一環として、ロージーをはじめとするシートカバー縫製の熟練工たちを、エディを含む男性たち（単純な反復作業をしている）より「技能が低い」と扱おうとする。女性たちはその条件を拒否し、職場の混乱はやがて英国における女性同一賃金の主張を押し進める推進力となる。男性たち（政治家、組合幹部、現場の管理職、同僚）は女性の平等要求に反発し、エディは子どもたちを連れてリタのもとを去る。彼女を取り巻く世界が残酷で差別的であるほど、リタは闘い続け、ついには国内で最も強い組合に「同一賃金条項」への賛成票を投じさせる。エディは自分の誤りに気づき、幸福が戻ってくる。

ところが――理由が何であれ、ルパート・グールドの演出上の嗜好なのか、翻案を担ったリチャード・ビーンの物語観なのか――このミュージカルは、シンデレラ的な側面に絞りきらない。いや、それどころか、愚かで、無意味で、正直言って不快なことに、ハロルド・ウィルソンとフォード社の米国人トップ、トゥーリー氏が登場する幕間が挟み込まれるのだ。これは浅薄で幼稚、しかも逆効果。作品に何も付け加えず、根本から損なっている。別の作品に属する場面だ――ステレオタイプの悪趣味な茶化しか、政治風刺劇にでも。

理解不能なほど愚かなこの連続シーンがあるせいで、本来ならいくらでも入れられたはずの素材が削られている。たとえば、リタとエディの幸福なデュエット――彼女が失いかねないものを示す曲――がない。リタに信念を貫く勇気を与える、ダゲナム工場長の妻のソロもない。同じ組合に属し長い親密な歴史を持つコニーとモンティのデュエットもない。辛辣で口の悪いベリルの歌もない――ショーストッパーになり得た大きなチャンスを逃している。

状況や人物理解を前に進めるために音楽を使う代わりに、創作チームはくだらない枝葉に時間を浪費している。それでもこの判断ミスが作品全体を完全に沈没させないのは、この穏やかな物語にふさわしいミュージカル・コメディとしての芯の強い素材と、キャストの力量ゆえだ。

ラストナンバー「Stand Up」は音楽的に実に楽しい。だからこそ、作曲家デヴィッド・アーノルドが、なぜもっと美味しいスコアを用意しなかったのかと思ってしまう。転調、拍子の変化、和声、モジュレーションが全体にもたらす効果を理解していないわけではない――ただ、それを頻繁には使わないのだ。美しい旋律や耳に残る曲がないという意味ではない。むしろその逆で、確かにある。けれど、準備段階で音楽が最前線に置かれていた印象は薄い。政治パロディが、胸躍る音楽より優先されることは決してない――ビーンとグールドはその教訓を学ぶべきだ。

それでも、こうした欠点は致命傷ではない。それを支えているのが中心キャストの力である。

ジェマ・アータートンのリタは素晴らしい。美しく、温かさと魅力にあふれ、あらゆる瞬間に確かな真実味をもたらす。彼女は、物語が起きる時代の空気と、仲間の労働者たちとの温かな絆を、無理なく立ち上げてみせる。同時に、男たちが「君と子どものために何が最善か分かっている」という凝り固まった思い込みと格闘するなかで、彼女の内側にある落ち着かなさも伝わってくる。

歌声としては、オープニングナンバー、エディとのデュエット、そして力強い「Stand Up!」でとりわけ良い。スコアの要求には概ね応えている。彼女は「歌える優れた俳優」だ。ただ、このスコアは本来「演じられる優れた歌い手」がより活きるタイプでもある。声のパワーがあれば、平凡になりかけた場面が非凡に変わっただろう、という瞬間がいくつもある。

それを示してみせるのが、バーバラ・キャッスル大臣役のソフィー＝ルイーズ・ダンだ。技術的な言い方をするなら、第二幕のソロで彼女は「とことん歌い倒す」。当然のように劇場の屋根を持ち上げる勢いだ。

エディ役のエイドリアン・ダー・グレゴリアンは、どこにでもいそうな男、気の毒なパパ、妻を本当に愛しているのに彼女を理解できない男として完璧だ。温かく、胸に迫る、誠実な「ふつう」の肖像を描く。だが彼の非凡さは声にある。全編を通して素晴らしいが、とりわけ「The Letter」と、リタに別れを告げるデュエットでの歌唱が出色だ。

アイラ・ブレアは、組合と結婚したかのように生き、人生のすべてに優先してキャリアをそこに捧げてきた女性コニーを、自信たっぷりに、チャーミングに、そして抜け目なく演じる。繊細で嬉しくなる好演で、作品に確かな「心」を与えている。

リタの仲間たちも皆、際立っている。ソフィー・スタントンのベリル（Fワードの回数ならゴードン・ラムゼイに勝てそうな女性）、ヘザー・クレイニーのクレア（バーバラ・ウィンザー8割＋『オン・ザ・バス』のオリーヴ2割、喜びそのもの）、ソフィー・アイザックスのサンドラ（『Carry On』の“ガール”の典型）、ナアナ・アギェイ＝アンパドゥ（飛行機だって操縦しそうなお針子）。彼女たちは最高のチームで、女性・男性双方のアンサンブルからの支えも厚い。実際、アンサンブルのコーラスは終始、本作の大きな見どころである。

ナオミ・フレデリックは、几帳面だが役に立たないホプキンス（ジュリアス・ディシルヴァが絶好調）の、取り残されつつも知性ある妻リサを見事に演じる。夫が贈った「馬」についての台詞は、この夜いちばんの名台詞だ。痛みと情熱の輪郭をくっきり描き、リタがスピーチをする直前にドレスを手渡す瞬間は、完璧にシンプルな演劇的瞬間として強く心に残る。

デヴィッド・カーディは、モンティに与えられた範囲でできる限りを尽くし、特に病院のベッドでのスピーチは胸を打った。素材自体は女性陣に与えられたものほど強くないが、用意されたものを最大限に活かしている。レネ・ザッガーは複数の役を楽しげに演じ分け、どれも勢いと丁寧さで攻めてくる。スコット・ガーナムはバディ・コーティナ役として全力を注ぐ。

サディスティックな教師メイサーのエピソードがどこにも着地せず、ハロルド・ウィルソンとアメリカ人社長トゥーリーの扱いが致命的に間違っている以上、スティーヴ・ファースト（トゥーリー）、マーク・ハッドフィールド（ウィルソン）、ガレス・スヌーク（メイサー）の奮闘は、ミュージカル全体の成功にほとんど寄与しない。これは彼らのせいではない。求められたことをきちんとやっているだけだ。そして、彼らがそれを上手くやってしまうからこそ、あの場面が作品全体にもたらすダメージが幾分かは薄まっているのかもしれない。たぶん。だが、アメリカ人はもちろん、正直ほとんど誰も、第二幕冒頭の耐えがたい「This Is America」でトゥーリーが面白いとは思わないだろう。今すぐカットして差し替えるべきだ。

振付のアレッタ・コリンズは、この作品とスコアが用意しているダンス／ムーヴメントの機会を十分に活かしきれていない。バディ・コーティナのナンバーは、どれだけ歌が上手くても、演出（ステージング）に耐えられない。場面がパブへと転換する瞬間に、ソロのダンサー（レイチェル・スパーレルだったように見えた）が幸福のダンスで60年代の喜びとスピリットを体現した一瞬がある――あのレベルのコミットメントと強度を、全編にわたって維持してほしかった。もっと良く、もっと発明的な振付があれば、はるかに大きなエンターテインメントになっただろう。

バニー・クリスティの美術は素晴らしい。常設の工場ラインが舞台の大半を縁取り、高い位置のコンベヤーを車のシートが流れていくことで、工場が止まらず動き続けねばならないことを常に思い出させる――同時に、女性たちの縫製こそが男性たちの灰色の成果に彩りを与えていることもはっきり示す。オグレイディ家の二層構造のセットは可愛らしいが、新味はない。

最も感心しないのは、リチャード・ブルックナーの音響設計だ。歌い手のディクションを明瞭にするどころか、しばしば本来クリアなはずの言葉を濁らせてしまう。オーケストラと歌のバランスも、理解不能なほど頻繁に間違っている。これは早急に改善されるべきだ。

愛せるところがたくさんあり、好きになれるところもかなりあり、そして明らかに間違っている部分も少しある。とはいえ全体の印象は良い。創作チームが政治風刺で賢く見せようとするのをやめ、物語の推進力と美しい中心人物たちに集中すれば、これは偉大な英国ミュージカルになったはずだ。現状でも、アータートンとダー・グレゴリアンを先頭にした大キャストの本物の魅力と技量が、たくさんの笑いと、いくつかの涙、そしてラストナンバーにおける胸に残る勝利感を確実にもたらしている。終演後、このキャストに「Stand Up」して讃えたくならない人がいたら、それはよほどのへそ曲がりだろう。