리뷰: 메이드 인 대니엄, 아델피 극장 ✭✭✭✭

메이드 인 대거넘. 사진: 마누엘 할런 메이드 인 대거넘

아델피 극장

별 4개

콧수염까지 갖춘 말쑥한 악당이 마법의 부적을 망가뜨리고 말았다. 신데렐라는 결국 무도회에 가지 못하게 된다. 하지만 이때 대모 요정이 그녀에게 힘을 불어넣고, 신데렐라는 스스로 안에서 용기를 찾아 멋진 새 드레스를 입고 무도회장으로 향한다. 처음엔 조심스러워 춤이 시작되자 잠시 비틀거리지만, 곁에서 친구들이 응원하고 있음을 깨닫는 순간 자신감을 얻어 무도회의 꽃이 된다. 다른 업무에 정신이 팔려 있던 왕자는 신데렐라와 함께할 기회를 잃을 뻔했다는 사실을 깨닫고 그녀에게 청혼한다. 신데렐라는 받아들이고, 눈물과 기쁨이 뒤따른다.

이는 최신식 판토마임(영국식 가족극)의 줄거리가 아니라, 루퍼트 굴드가 연출하고 현재 아델피 극장에서 공연 중인 새 뮤지컬 메이드 인 대거넘의 핵심 정서에 가깝다. 2010년 영화가 원작이며, 재능과 매력이 넘치는 젬마 아터턴이 주연을 맡았다.

각색에는 늘 위험이 따른다. 이야기가 처음 태어난 형태가 소설이든 영화든 연극이든 시든, 원작 팬들은 각색이 충실한지 모독적인지에 대해 늘 의견이 있기 마련이다. 마이 페어 레이디에서 엘라이자가 마지막에 히긴스에게 돌아간다고? 포세이돈 어드벤처에서는 셸리 윈터스의 캐릭터가 구조가 코앞인 상황에서 선체가 잘려 나갈 때가 아니라 수영 직후에 죽는다고? 인투 더 우즈에서 라푼젤이 죽지 않는다고? 이런 식이다.

하지만 사실, 각색은 각색대로 자기만의 조건과 환경 속에서 성립해야 한다. 새로운 형식의 요구에 맞추기 위해 이야기와 인물은 바뀌고, 그 변화가 있어야 새로운 형식이 최대한 효과적으로 작동한다. 영화가 한 컷 혹은 짧고 말없는 장면 하나로 수 페이지 분량을 말할 수 있듯, 뮤지컬은 노래와 춤, 음악적 인터루드, 대사 등 수많은 방식으로 인물과 서사를 전달한다. 이 요소들이 어떻게 결합하느냐가 관객의 반응을 좌우한다. 그래서 새 뮤지컬이 잘 작동하는 데 원작을 꼭 알아야 할 필요는 없다. 중요한 것은 뮤지컬 자체가 일관되고 이해 가능하며, 그리고 거의 언제나—가슴이 꽉 차도록—진심이 넘쳐야 한다는 점이다.

메이드 인 대거넘은 전형적인 ‘다윗과 골리앗’ 이야기다. 1960년대의 성차별적 세계를 배경으로, 로맨스와 가정 내 반란이 촘촘히 엮인다. 여기서의 다윗은 단 한 명의 괴물을 쓰러뜨리는 데 그치지 않을 수도 있지만, 그건 본질이 아니다. 이 다윗은 세상을 바꾸려는(결과적으로는 바꾸게 되지만) 거창한 영웅이 아니라, 그저 공정함을 바란다. 여기 묘사된 사건들이 정치적으로 대단히 중요했을지라도, 그 중요성이 메이드 인 대거넘의 핵심은 아니다.

그렇다. 햄릿이 군주제에 관한 풍자나 논평이 아니듯, 메이드 인 대거넘은 순간적으로 스포트라이트를 받게 된 솔직 담백한 여성이 사랑하는 가족을 잃을 뻔하지만, 원칙과 정직함을 끝까지 지키며 상상조차 못했던 성공을 이루고 마침내 행복으로 보상받는, 다정하고 달콤하며 꽤나 사랑스러운 이야기다. 사실에 얼마나 단단히(혹은 느슨하게) 뿌리를 두고 있든, 결국 이는 현대판 동화에 다름없다.

그리고 메이드 인 대거넘이 그 ‘동화’에 집중할 때, 작품은 완전히 관객을 사로잡는다. 대단히 웃기고, 마음을 따뜻하게 데우며, 진심으로 울림이 있다. 무엇보다도 본질적으로 영국적이다. 아기자기한 웃음부터 손수건을 흠뻑 적시는 침묵의 눈물까지 전 스펙트럼을 달리며, 저점보다 고점이 더 많은 뮤지컬 롤러코스터다. 리처드 토머스의 뛰어난 가사는 그중에서도 진짜 하이라이트다.

리타는 에디와 행복한 결혼 생활을 하고 있고, 두 아이가 있으며, 대거넘의 포드 자동차 공장에서 살고 일한다. 포드는 임금 체계를 재정비하는데, 그 과정에서 로지와 동료 ‘시트 커버 재봉’ 작업자들을, 숙련이 필요 없는 단순 반복 일을 하는 남성들(에디 포함)보다 덜 숙련된 인력으로 취급하려 한다. 여성들은 이를 받아들이지 않고, 그로 인한 직장 내 혼란은 영국에서 여성 동일임금 주장을 밀어붙이는 동력이 된다. 남성들(정치인, 노조 간부, 현장 관리자, 동료들)은 여성들의 평등 요구에 거칠게 반응하고, 결국 에디는 아이들을 데리고 리타를 떠난다. 리타는 잔혹하고 성차별적인 현실 속에서도 싸움을 멈추지 않고, 마침내 영국에서 가장 강력한 노조가 동일임금 조항에 찬성하도록 설득한다. 에디는 자신이 틀렸음을 깨닫고, 다시 행복이 돌아온다.

하지만 이유가 무엇이든—루퍼트 굴드의 연출적 성향 때문이든, 각색을 맡은 리처드 빈의 서사적 시선 때문이든—이 뮤지컬은 이야기의 신데렐라 같은 측면에만 머물지 않는다. 아니다. 어리석고 불필요하며, 솔직히 불쾌하기까지 한 방식으로, 해럴드 윌슨과 포드사의 미국인 거물 상사 툴리 씨가 등장하는 막간들이 끼어드는데, 이것들이 피상적이고 유치하며 오히려 역효과다. 작품에 아무것도 더하지 못하고, 근본적으로 작품을 깎아내린다. 이 장면들은 다른 공연에 있어야 한다—진부한 고정관념을 흉내 내는 무미건조한 풍자극이나 정치적 패러디 같은 곳에.

이 이해할 수 없을 만큼 어리석은 시퀀스들이 존재하는 탓에, 훨씬 쉽게 넣을 수 있었던 다른 소재들이 빠져 있다. 예를 들어 리타와 에디가 그녀가 잃을 수 있는 것을 예고하는 행복한 듀엣도 없고, 리타가 신념을 지키도록 영감을 주는 대거넘 공장 관리자 아내의 솔로도 없으며, 오랜 깊은 역사를 공유하는 같은 노조원 코니와 몬티의 듀엣도 없다. 날카롭고 욕설을 입에 달고 사는 베릴에게는 노래 한 곡조차 없는데, 가능한 ‘쇼스톱퍼’를 놓친 셈이다.

상황이나 인물에 대한 이해를 음악으로 진전시키기보다, 창작진은 시시한 곁가지에 시간을 탕진한다. 이 판단 착오가 전체를 완전히 침몰시키지 않았다는 사실은, 이 온화한 이야기에 어울리는 뮤지컬 코미디의 정석에 충실한 소재와, 배우들의 실력이 얼마나 탄탄한지를 말해준다.

마지막 넘버 ‘Stand Up’은 음악적으로 큰 즐거움을 준다. 다만 작곡가 데이비드 아널드가 왜 더 입맛 당기는 스코어를 내놓지 않았는지 고개가 갸웃해지기도 한다. 그는 분명 조성 변화, 다양한 박자, 화성, 전조가 전체 스코어에 어떤 효과를 주는지 이해하고 있다. 그저 자주 사용하지 않을 뿐이다. 그렇다고 아름다운 선율과 귀에 착 붙는 곡들이 없다는 뜻은 아니다—분명 있다. 다만 이번 준비 과정에서 음악이 전면에 놓였다는 인상은 크지 않다. 정치 패러디가 흥미진진한 음악보다 중요해지는 법은 없다. 빈과 굴드가 배워야 할 교훈이다.

그럼에도 이런 결점들이 치명적이지 않은 것은, 중심이 되는 연기들이 결정적이기 때문이다.

젬마 아터턴은 훌륭한 리타다. 아름답고, 따뜻함과 매력이 가득하며, 매 순간에 진실한 감각을 불어넣는다. 그녀는 아무 힘 들이지 않고도 사건이 벌어지는 시대의 공기와 동료 노동자들과의 따뜻한 유대를 세운다. 동시에, 남자들이 그녀와 아이들에게 무엇이 최선인지 안다고 ‘당연하게’ 믿는 뿌리 깊은 인식과 싸우며 느끼는 불안과 들끓음도 고스란히 전해진다.

보컬 면에서는 오프닝 넘버, 에디와의 듀엣들, 그리고 고무적인 ‘Stand Up!’에서 가장 빛난다. 스코어의 요구를 대체로 무난히 소화해낸다. 그녀는 ‘노래할 줄 아는 훌륭한 배우’다. 다만 이 작품은 ‘연기할 줄 아는 뛰어난 가수’가 있었다면 더 큰 이득을 봤을 것이다. 몇몇 순간은 더 강한 성량이 있었다면 평범한 장면이 비범한 장면으로 바뀌었을 법하다.

소피-루이즈 댄은 2막에서 장관 바버라 캐슬로 등장해(기술적인 표현을 쓰자면) 자신의 솔로를 ‘끝내주게’ 불러젖힌다. 그리고 당연히, 객석의 지붕을 들어 올린다.

에디 역의 에이드리언 더 그레고리언은 평범한 동네 남자, 서툰 아빠, 아내를 진심으로 사랑하지만 그녀를 이해하지 못하는 남자로서 완벽하다. 그는 따뜻하고, 감동적이며, 진실한 ‘평범함’의 초상을 그려낸다. 그에게서 특별한 점은 목소리다. 공연 내내 훌륭하지만, 특히 ‘The Letter’를 부를 때와, 리타에게 끝이라고 말하는 듀엣에서 두드러진다.

코니 역의 아일라 블레어는 자신감 있고 매력적이며 영리하다. 노조와 결혼해 커리어를 삶의 다른 무엇보다 앞세운 여성이라는 인물을 섬세하게 풀어내며, 작품에 진한 심장을 더한다.

리타의 동료들은 모두 눈부시다. 소피 스탠턴의 베릴(‘F-워드’ 사용이라면 고든 램지보다도 거침없을 법한 여자), 헤더 크레이니의 클레어(바버라 윈저 8할에 On the Buses의 올리브 2할; 그야말로 환희), 소피 아이작스의 샌드라(‘Carry On’ 시리즈 스타일의 처녀상 그 자체), 나아나 아기에이-암파두(비행기도 조종할 것 같은 재봉사)까지. 이들은 훌륭한 팀을 이뤄, 여성과 남성 앙상블 모두로부터 탄탄한 지원을 받는다. 무엇보다 앙상블의 합창은 공연 전반에 걸쳐 진정한 하이라이트다.

리사 역의 나오미 프레더릭은 단연 압도적이다. 깔끔하고 무능한 홉킨스(줄리어스 드실바가 멋지게 해낸다)의 상실감 가득하지만 총명한 아내를 훌륭하게 그려낸다. 남편이 선물한 말에 대한 그녀의 한 줄은 이날 밤 최고의 대사다. 고통과 열정의 윤곽을 또렷하게 잡아내고, 연설에 나서기 전 리타에게 드레스를 건네는 순간은 단순하지만 완벽한 ‘연극적 순간’으로 오래 남는다.

데이비드 카디는 몬티라는 역할로 할 수 있는 한 최선을 다했고, 특히 병상에서의 연설은 매우 울림이 있었다. 그에게 주어진 소재는 여성들에게 주어진 것만큼 강하지 않지만, 제공된 것에서 최대치를 끌어냈다. 르네 자거는 여러 역할을 맡아 신나게 즐기며, 각 역할을 기백과 세심함으로 밀어붙인다. 스콧 가넘은 버디 코르티나 역으로 온 힘을 쏟는다.

가학적인 교사 메이서의 이야기가 어디로도 가지 않고, 해럴드 윌슨과 미국인 사장 툴리를 쓰는 방식이 어이없을 만큼 잘못된 탓에, 스티브 퍼스트(툴리), 마크 해드필드(윌슨), 개러스 스누크(메이서)의 노력은 뮤지컬의 전체적 성취에 거의 보탬이 되지 못한다. 이건 그들의 잘못이 아니다. 그들은 요구받은 일을 해낼 뿐이다. 그리고 어쩌면 그들이 그것을 제법 잘 해내기 때문에, 그 장면들이 작품 전체에 입히는 피해가 약간은 줄어드는지도 모른다. 어쩌면. 하지만 미국인들은 물론, 사실 누구도 2막 오프닝 ‘This Is America’에서 툴리가 보여주는 견디기 힘든 장면을 재미있게 보긴 어려울 것이다. 지금 당장 잘라내고 다른 것으로 바꿔야 한다.

안무가 알레타 콜린스는 이 작품과 스코어가 제공하는 춤과 움직임의 기회를 충분히 살리지 못한다. 버디 코르티나의 넘버는 노래가 아무리 잘 불려도 무대화가 따라주지 못해 살아남지 못한다. 다만 한 장면, 무대가 펍으로 전환되는 순간 솔로 댄서(레이철 스퍼렐로 보였다)가 행복의 춤으로 60년대의 기쁨과 정신을 구현해냈는데—콜린스가 그 정도의 몰입과 강도를 공연 내내 유지했더라면 얼마나 좋았을까. 더 나은, 더 창의적인 안무가 있었다면 훨씬 더 큰 मनोर잣거리가 되었을 것이다.

버니 크리스티의 무대는 훌륭하다. 대부분의 액션을 감싸는 영구적인 공장 생산 라인이 설치돼 있고, 높은 컨베이어 위로 자동차 시트들이 굴러가며 공장이 멈추지 않고 돌아가야 한다는 필요를 끊임없이 상기시킨다—동시에, 남성들의 회색빛 성과 속에서 여성들의 바느질이 어떻게 색을 더하는지도 분명히 보여준다. 오그레이디 집의 2층 구조 세트는 아기자기하지만 새롭진 않다.

가장 인상적이지 않은 것은 리처드 브루크너의 사운드 디자인이다. 가수들의 딕션을 선명하게 만들어주기는커녕, 오히려 또렷했어야 할 것을 자주 탁하게 만든다. 오케스트라와 보컬의 밸런스도 종종—도무지 이해할 수 없을 정도로—어긋난다. 이건 재빨리 바로잡아야 한다.

사랑할 구석이 많고, 꽤 마음에 드는 부분도 있으며, 몇몇은 그저 잘못됐다. 하지만 전체 인상은 좋다. 창작진이 정치 풍자로 영리한 척하려는 시도를 멈추고 이야기의 추진력과 아름다운 중심 인물들에 집중했다면, 이는 훌륭한 영국 뮤지컬이 되었을 것이다. 그럼에도 아터턴과 더 그레고리언이 이끄는 대규모 캐스트의 진짜 매력과 실력 덕분에 웃음이 넘치고 눈물이 몇 번 맺히며, 마지막 넘버에서는 깊게 울리는 승리감이 남는다. 밤의 끝에서 이 캐스트를 위해 ‘Stand Up’ 하고 싶지 않은 사람은 심술궂은 사람일 것이다.