CRITIQUE : Made In Dagenham, Théâtre Adelphi ✭✭✭✭

Made In Dagenham. Photo : Manuel Harlan Made in Dagenham

Théâtre Adelphi

4 étoiles

Le méchant, costume et moustache inclus, semble avoir détruit le charme magique. Cendrillon ne se rendra pas au bal après tout. Mais, ensuite, sa marraine la fée lui donne de la force et elle trouve en elle-même le courage d'y aller, portant une tenue neuve et magnifique. D'abord hésitante, elle chancelle alors que les danses commencent, mais bientôt, sachant que ses amis sont derrière elle, elle gagne en confiance et devient la reine du bal. Le Prince, distrait par ses autres devoirs, réalise à quel point il a failli perdre l'occasion d'être avec Cendrillon. Il demande sa main ; elle accepte. Des larmes et du bonheur s'ensuivent.

Ceci n'est pas le synopsis d'une pantomime modernisée, mais l'essence de ce qui se trouve au cœur de Made In Dagenham, une nouvelle comédie musicale mise en scène par Rupert Goold, actuellement au Théâtre Adelphi. C'est une adaptation du film de 2010 avec l'irrésistible et talentueuse Gemma Arterton.

Les adaptations sont toujours semées d'embûches. Les aficionados de la première forme de l'histoire, qu'il s'agisse de roman, film, drame ou poème, auront toujours des opinions sur la fidélité ou l'hérésie de l'adaptation. Comment ça, Eliza revient vers Higgins à la fin de My Fair Lady ? Comment, le personnage de Shelley Winters meurt après la nage et non lorsque la coque est percée, le sauvetage à quelques secondes, dans L'Aventure du Poséidon ? Que signifie que Raiponce ne meurt pas dans Into The Woods ? Et ainsi de suite.

Mais, en vérité, chaque adaptation doit fonctionner selon ses propres termes, dans son propre milieu. Les histoires et les personnages changent pour se conformer aux exigences de la nouvelle forme, afin de permettre à la nouvelle forme d'être aussi efficace que possible. Tout comme le cinéma peut raconter des pages d'une histoire avec une seule image ou une scène courte et silencieuse, la forme du théâtre musical peut communiquer le personnage et l'histoire de mille manières - par le chant, la danse, les intermèdes musicaux, le script. La façon dont ces éléments se combinent dicte la réaction de l'audience. Il n'est donc jamais nécessaire de connaître la forme originale d'une histoire pour qu'une nouvelle comédie musicale fonctionne ; c'est la forme musicale qui doit être cohérente, compréhensible et, presque toujours, débordante de cœur.

Made in Dagenham est une histoire typique de David contre Goliath, se déroulant dans le contexte du monde sexiste des années 60 et entrelacée d'une romance et d'une rébellion domestique. Ce David particulier pourrait terrasser plus d'un monstre mais cela n'est pas réellement important ; ce David particulier ne cherche pas à changer le monde (même si c'est ce qui se passe) mais juste à obtenir l'équité. Bien que les événements décrits ici aient pu être d'une énorme importance politique, cette importance n'est pas au cœur de Made In Dagenham.

Non. Tout comme Hamlet n'est pas une satire ou une critique des monarchies, Made In Dagenham est une histoire douce et tout à fait charmante sur une femme au franc-parler qui entre un instant sous les projecteurs, manque presque de perdre la famille qu'elle adore, mais qui, en restant de principe, honnête et vraie, réussit au-delà de ses rêves les plus fous et est récompensée par le bonheur. C'est tout simplement un conte de fées moderne, peu importe combien, ou vaguement, il soit ancré dans la réalité.

Et quand Made In Dagenham se concentre sur le conte de fées, il est complètement captivant, très drôle, réconfortant et véritablement touchant. Et intrinsèquement britannique. Il passe du rire mignon aux larmes silencieuses qui trempent le mouchoir ; un parcours en montagnes russes musicales avec plus de hauts que de bas, les excellentes paroles de Richard Thomas étant l'un des véritables points forts.

Rita est heureuse en mariage avec Eddie, ils ont deux enfants et vivent et travaillent à Dagenham à l'usine de fabrication de voitures Ford. Ford restructure les niveaux de salaire et, dans ce cadre, entend traiter Rosie et ses collègues expertes en couture de housses de sièges comme moins qualifiées que les hommes, y compris Eddie, qui effectuent un travail non qualifié et routinier. Les femmes refusent d'accepter l'accord, et les perturbations du lieu de travail qui s'ensuivent servent de véhicule pour la cause de l'égalité de rémunération des femmes au Royaume-Uni. Les hommes (politiques, chefs de syndicat, patrons de l'usine et collègues) réagissent mal aux revendications des femmes pour l'égalité, et Eddie quitte Rita, emportant leurs enfants avec lui. Malgré le monde brutal et sexiste dans lequel elle se trouve, Rita persévère, convainquant finalement le syndicat le plus puissant du pays de voter en faveur d'une clause d'égalité salariale. Eddie réalise qu'il a eu tort et le bonheur est rétabli.

Mais, pour une raison ou une autre, que ce soit la tendance directrice de Rupert Goold ou la vision narrative de Richard Bean, l'adaptateur ici, la comédie musicale ne se limite pas aux aspects cendrillonesques de l'histoire. Non. Stupidement et inutilement, et, en fait, de manière offensante, l'histoire inclut des intermèdes avec Harold Wilson et Mr Tooley, le grand patron américain de la compagnie de voitures Ford, qui sont faciles, puérils et contre-productifs. Ils n'apportent rien à la pièce, mais la détournent fondamentalement. Ils appartiennent à un spectacle différent ; une caricature de stéréotypes ou une satire politique de mauvais goût.

La présence de ces séquences incommensurablement stupides signifie que d'autres matériaux ne sont pas présents alors qu'ils pourraient si facilement l'être. Par exemple, il n'y a pas de duo heureux entre Rita et Eddie qui établit ce qu'elle pourrait perdre ; il n'y a pas de solo pour l'épouse du directeur de l'usine de Dagenham qui inspire Rita à poursuivre sa cause ; il n'y a pas de duo entre Connie et Monty, membres du même syndicat qui ont une longue histoire intime; il n'y a pas de chanson pour l'acide et grossière Beryl, une occasion manquée pour un possible coup de théâtre.

Au lieu d'utiliser la musique pour faire avancer la compréhension de la situation ou du caractère, l'équipe créative gaspille du temps sur des irrélevants absurdes. Que cette erreur de jugement ne sabote pas complètement l'entreprise entière en dit long sur le matériel qui reste fidèle à la forme musico-comique appropriée pour cette douce histoire et sur la compétence de l'ensemble.

Le dernier numéro, Stand Up, est un délice musical, mais fait se demander pourquoi le compositeur David Arnold n'a pas produit une partition plus savoureuse. Clairement, il comprend l'effet que les changements de tonalité, les signatures de temps différentes, les harmonies et les modulations peuvent avoir sur une partition complète ; il choisit simplement de ne pas les utiliser souvent. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas de mélodies magnifiques et de morceaux accrocheurs - il y en a absolument - mais l'impression n'est pas que la musique était au premier plan lors de la préparation ici. La parodie politique n'est jamais plus importante que la musique excitante, une leçon que Bean et Goold doivent apprendre.

Pourtant, ces défaillances ne sont pas fatales et les prestations centrales sont essentielles à cela.

Gemma Arterton est une merveilleuse Rita. Elle est belle, pleine de chaleur et de charme et apporte un véritable sens de vérité à chaque instant. Sans effort, elle établit le sens de l'époque où se déroule l'action et le lien chaleureux qu'elle a avec ses collègues. Mais, tout aussi bien, on peut sentir l'agitation en elle alors qu'elle lutte avec la notion ancrée que les hommes savent ce qui est le mieux pour elle et ses enfants.

Vocalement, elle est à son meilleur dans le premier numéro, ses duos avec Eddie et dans le percutant Stand Up! Elle s'en sort principalement avec les exigences de la partition ; c'est une excellente actrice qui peut chanter. Cependant, la partition bénéficierait davantage d'une excellente chanteuse qui pourrait jouer. Il y a plusieurs moments où la puissance vocale aurait transformé une séquence ordinaire en une séquence extraordinaire.

Sophie-Louise Dann le démontre lorsqu'elle, en tant que ministre Barbara Castle, "chante à fond" son solo dans le second acte. Elle soulève légitimement le toit.

En tant qu'Eddie, Adrian Der Gregorian est parfait dans le rôle du gars ordinaire, le père maladroit, l'homme qui aime vraiment sa femme mais ne la comprend pas. Il donne un portrait chaleureux, touchant et sincère de l'ordinaire. Ce qui est extraordinaire chez lui, c'est sa voix. Il est en excellente forme tout au long du spectacle, mais surtout lorsqu'il interprète The Letter et dans le duo où il dit à Rita qu'ils en ont fini.

Isla Blair est confiante, charmante et astucieuse dans le rôle de Connie, la femme qui a épousé son syndicat et a mis sa carrière là-bas avant tout le reste de sa vie. C'est une interprétation délicieusement subtile et elle apporte un réel sens du cœur à la pièce.

Les camarades de Rita sont toutes exceptionnelles : Sophie Stanton en Beryl (une femme qui pourrait distancer Gordon Ramsey quand il s'agit de l'utilisation du mot F), Heather Craney en Clare (huit parts Barbara Windsor, deux parts Olive de On The Buses ; une joie pure), Sophie Isaacs en Sandra (l'incarnation d'une fille dans un film Carry On), Naana Agyei-Ampadu (la couturière qui piloterait un avion). Ils forment une excellente équipe et bénéficient du soutien exceptionnel de l'ensemble, hommes et femmes compris. En effet, le chant de l'ensemble est un véritable point fort tout au long.

Naomi Frederick est superlative en Lisa, l'épouse désespérée et érudite de l'irréprochable et inutile Hopkins (Julius D'Silva en excellente forme). Sa réplique sur le cheval que son mari lui a offert est la réplique de la soirée. Elle trace un schéma clair de douleur et de passion, et le moment où elle tend la robe à Rita avant que celle-ci ne prononce son discours est l'un de ces moments théâtraux parfaitement simples qui vous marquent.

David Cardy a fait ce qu'il pouvait avec Monty et son discours sur le lit d'hôpital était particulièrement émouvant. Son matériel n'est pas aussi fort que celui donné aux femmes, mais il a fait le maximum avec ce qui lui était fourni. René Zagger s'amuse dans une série de rôles, attaquant chacun avec enthousiasme et soin. Scott Garnham donne tout en tant que Buddy Cortina.

Étant donné que l'histoire sur le professeur sadique, Macer, ne mène nulle part, et que la façon dont Harold Wilson et le patron américain Tooley sont utilisés est stupidement erronée, les efforts de Steve Furst (Tooley), Mark Hadfield (Wilson) et Gareth Snook (Macer) apportent peu, voire rien, au succès global de la comédie musicale. Ce n'est pas leur faute, ils font tous ce qui leur est demandé. Et peut-être est-ce parce qu'ils le font bien, les dégâts que ces scènes causent à l'ensemble de l'œuvre sont quelque peu atténués. Peut-être. Je doute que les Américains, ou vraiment quiconque, voient quelque chose de drôle dans l'insupportable ouverture de l'Acte Deux par Tooley, This Is America. Cela devrait être coupé et remplacé immédiatement.

La chorégraphe Aletta Collins ne tire pas le meilleur parti des opportunités de danse et de mouvement que la pièce et la partition offrent. Le numéro de Buddy Cortina, peu importe la qualité de son interprétation, ne survit pas à la mise en scène. Il y a un moment, alors qu'une scène se transforme en pub, où une danseuse solo (Rachel Spurrell semblait-il) incarne la joie et l'esprit des années 60 dans une danse de bonheur - si seulement Collins avait maintenu ce niveau d'engagement et d'intensité tout du long. Avec une meilleure chorégraphie, plus inventive, cela serait un bien plus grand divertissement.

Bunny Christie propose un décor excellent. Il y a un dispositif permanent de chaîne de production en usine qui cadre la plupart de l'action, les sièges de voiture défilant sur un convoyeur haut, rappelant constamment à tout le monde la nécessité pour l'usine de continuer à avancer - tout en faisant clairement voir que les femmes et leur couture apportent de la couleur aux réalisations grises des hommes. Le décor à deux niveaux pour la maison O'Grady est charmant, mais pas novateur.

La conception sonore de Richard Brookner est ce qu'il y a de moins impressionnant. Elle n'apporte rien pour clarifier la diction des chanteurs et embrouille souvent ce qui autrement serait limpide. L'équilibre entre l'orchestre et le chanteur est souvent incorrect - inexplicablement. Cela devrait être résolu avec promptitude.

Il y a beaucoup à aimer ici, pas mal à apprécier et quelques points qui sont tout simplement erronés. Mais l'impression générale est bonne. Si l'équipe créative cessait d'essayer d'être maline avec la satire politique et se concentrait sur l'essentiel de l'histoire et les beaux personnages centraux, cela serait un grand musical britannique. Tel quel, le véritable charme et la compétence du grand casting, dirigé par Arterton et Der Gregorian, garantit de nombreux rires, quelques larmes et un sens de triomphe résonnant dans le dernier numéro. Il faudrait être chiche pour ne pas vouloir applaudir cette distribution à la fin de la soirée.