CRITIQUE : Made In Dagenham, Théâtre Adelphi ✭✭✭✭

Made In Dagenham. Photo: Manuel Harlan Made in Dagenham

Théâtre Adelphi

4 Étoiles

Le méchant en costume et cravaté, avec une moustache, a détruit le charme magique. Cendrillon ne va finalement pas au bal. Mais ensuite, sa marraine fée lui donne de la force et elle trouve en elle-même le courage d'y aller, vêtue d'une robe fabuleuse. Hésitante au début, elle hésite lorsque les danses commencent, mais bientôt, sachant que ses amis la soutiennent, elle prend confiance et devient la belle du bal. Le Prince, distrait par ses autres devoirs, réalise à quel point il est passé près de perdre l'occasion d'être avec Cendrillon. Il lui demande sa main ; elle accepte. Les larmes et le bonheur s'ensuivent.

Ce n'est pas le synopsis d'une pantomime remise au goût du jour, mais l'essence de ce qui se trouve au cœur de Made In Dagenham, une nouvelle comédie musicale mise en scène par Rupert Goold, actuellement à l'affiche au Théâtre Adelphi. C'est une adaptation du film de 2010 qui met en vedette la talentueuse et charmante Gemma Atherton.

Les adaptations sont toujours parsemées de dangers. Les aficionados de la première forme de l'histoire, que ce soit un roman, un film, un drame ou un poème, auront toujours des opinions sur la question de savoir si l'adaptation est fidèle ou sacrilège. Que voulez-vous dire par Eliza revient à Higgins à la fin de My Fair Lady? Que voulez-vous dire le personnage de Shelley Winters meurt après la nage et non pas lorsque la coque est en train d'être découpée, le sauvetage à quelques secondes de distance, dans L'Aventure du Poséidon? Que voulez-vous dire par Raiponce ne meurt pas dans Into The Woods? Et ainsi de suite.

Mais, en vérité, chaque adaptation doit fonctionner selon ses propres termes, dans son propre milieu. Les histoires et les personnages changent pour se conformer aux exigences de la nouvelle forme, permettant à cette nouvelle forme d'être la plus efficace possible. De la même manière qu'un film peut raconter des pages d'une histoire avec un seul plan ou une scène silencieuse et courte, la forme de la comédie musicale peut communiquer personnages et histoires de multiples façons - à travers la chanson, la danse, les interludes musicaux, le scénario. La façon dont ces éléments se combinent dicte la réaction du public. Donc, il n'est jamais nécessaire de connaître la forme originale d'une histoire pour qu'une nouvelle comédie musicale fonctionne; c'est la forme musicale qui doit être cohérente, compréhensible et, presque toujours, débordante de cœur.

Made in Dagenham est une histoire archétypale de David et Goliath, se déroulant dans le contexte du monde sexiste des années 60 et entremêlée d'une romance et d'une rébellion domestique. Ce David particulier pourrait abattre plus d'un monstre, mais cela n'a guère d'importance; ce David particulier ne cherche pas à changer le monde (même si c'est ce qui se passe), il cherche simplement l'équité. Bien que les événements décrits ici aient pu avoir une importance politique énorme, cette importance n'est pas centrale pour Made In Dagenham.

Non. Tout comme Hamlet n'est pas une satire ou une revue de la question des Monarchies, Made In Dagenham est une histoire douce, tendre et tout à fait délicieuse sur une femme qui dit ce qu'elle pense, qui se retrouve momentanément sous les projecteurs, manque de perdre la famille qu'elle adore, mais qui, en restant principielle, honnête et vraie, réussit au-delà de ses rêves les plus fous et est récompensée par le bonheur. C'est tout simplement un conte de fées moderne, quelle que soit la fermeté ou la vague approximation de ses racines factuelles.

Et quand Made In Dagenham se concentre sur le conte de fées, il est complètement captivant, très drôle, réconfortant et véritablement émouvant. Et intrinsèquement britannique. Il parcourt tout le spectre, du petit rire mignon jusqu'aux larmes silencieuses et mouillées de mouchoirs; une montagne russe musicale avec plus de sommets que de creux, où les excellentes paroles de Richard Thomas sont l'un des véritables points forts.

Rita est heureuse en mariage avec Eddie, ils ont deux enfants et vivent et travaillent à Dagenham à l'usine de fabrication de voitures Ford. Ford restructure les niveaux de salaire et, dans ce cadre, entend traiter Rosie et ses collègues expertes en couture de housses de siège comme moins qualifiées que les hommes, y compris Eddie, qui font un travail non qualifié et répétitif. Les femmes refusent d'accepter l'accord, et la perturbation qui en résulte sur le lieu de travail devient un véhicule pour la cause de l'égalité salariale pour les femmes au Royaume-Uni. Les hommes (politiques, leaders syndicaux, chefs de site et collègues) réagissent mal aux revendications d'égalité des femmes, et Eddie quitte Rita, prenant leurs enfants avec lui. Malgré le monde brutal et sexiste dans lequel elle se retrouve, Rita continue de se battre, convainquant finalement le syndicat le plus puissant du pays de voter en faveur d'une clause pour l'égalité salariale. Eddie réalise qu'il avait tort et le bonheur est restauré.

Mais, pour une raison quelconque, que ce soit l'inclinaison de Rupert Goold pour la direction ou la vision narrative de Richard Bean, l'adaptateur ici, la comédie musicale ne se limite pas aux aspects Cendrillon de l'histoire. Non. Stupidement, et inutilement, et, en fait, de manière offensante, l'histoire comprend des interludes avec Harold Wilson et M. Tooley, le grand patron américain de la société automobile Ford, qui sont faciles, puérils et contre-productifs. Ils n'ajoutent rien à la pièce mais détournent fondamentalement de celle-ci. Ils appartiennent à un spectacle différent; une parodie de stéréotypes de mauvais goût ou une satire politique.

La présence de ces séquences incroyablement stupides signifie que d'autres éléments ne sont pas présents lorsqu'ils pourraient l'être si facilement. Par exemple, il n'y a pas de duo joyeux entre Rita et Eddie qui montre ce qu'elle pourrait perdre; il n'y a pas de solo pour la femme du directeur de l'usine de Dagenham qui inspire Rita à rester fidèle à sa cause; il n'y a pas de duo entre Connie et Monty, membres du même syndicat ayant un long passé intime; il n'y a pas de chanson pour l'acrimonieuse et grossière Beryl, une occasion manquée pour un potentiel coup de spectacle.

Plutôt que d'utiliser la musique pour progresser dans la compréhension de la situation ou du personnage, l'équipe créative gaspille du temps sur des bêtises sans importance. Que cette erreur de jugement ne fasse pas complètement échouer l'entreprise en dit long sur le matériel qui est fidèle à la forme de comédie musicale appropriée pour cette histoire douce et sur la compétence de la distribution.

Le dernier numéro, Stand Up, est un délice musical, mais cela fait se demander pourquoi le compositeur David Arnold n'a pas produit une partition plus délicieuse. Clairement, il comprend l'effet que les changements de tonalité, les signatures de temps différentes, les harmonies et les modulations peuvent avoir sur une partition complète; il choisit simplement de ne pas les utiliser souvent. Cela ne veut pas dire qu'il n'y a pas de mélodies magnifiques et d'air entraînants - il y en a absolument - mais l'impression n'est pas que la musique était au premier plan lors de la préparation ici. La parodie politique n'est jamais plus importante que la musique excitante, une leçon que Bean et Goold doivent apprendre.

Néanmoins, ces faiblesses ne sont pas fatales et les performances centrales sont capitales pour cela.

Gemma Arterton est une merveilleuse Rita. Elle est belle, pleine de chaleur et de charme et apporte un véritable sens de la vérité à chaque instant. Sans effort, elle établit le sens de l'époque dans laquelle se déroule l'action et le lien chaleureux qu'elle a avec ses collègues de travail. Mais, tout aussi bien, on peut sentir l'inquiétude qui l'habite alors qu'elle lutte contre l'idée bien ancrée que les hommes savent ce qui est le mieux pour elle et ses enfants.

Vocalement, elle est à son meilleur dans le numéro d'ouverture, ses duos avec Eddie et dans le poignant Stand Up! Elle réussit pour la plupart à répondre aux exigences de la partition; elle est une excellente actrice qui peut chanter. Cependant, la partition bénéficierait davantage d'une excellente chanteuse qui pourrait jouer la comédie. Il y a plusieurs moments où la puissance vocale aurait transformé une séquence ordinaire en une séquence extraordinaire.

Sophie-Louise Dann le démontre lorsque, en tant que ministre Barbara Castle, elle, pour utiliser un terme technique, "chante à fond" son solo dans le deuxième Acte. À juste titre, elle soulève le toit.

En tant qu'Eddie, Adrian Der Gregorian est parfait en tant que gars ordinaire, le papa maladroit, l'homme qui aime vraiment sa femme mais ne la comprend pas. Il donne un portrait chaleureux, touchant et sincère de l'ordinaire. Ce qui est extraordinaire chez lui, c'est sa voix. Il est en excellente forme tout au long du spectacle, mais surtout lorsqu'il interprète The Letter et dans le duo où il dit à Rita qu'ils sont finis.

Isla Blair est confiante, charmante et rusée en tant que Connie, la femme qui a épousé son syndicat et mis sa carrière là-bas avant tout le reste dans sa vie. C'est un tour délicieusement délicat et apporte un vrai sens du cœur à la pièce.

Les compères de Rita sont tous remarquables : Sophie Stanton dans le rôle de Beryl (une femme qui pourrait dépasser Gordon Ramsey quand il s'agit de l'usage du mot F), Heather Craney dans le rôle de Clare (huit parties Barbara Windsor, deux parties Olive de On The Buses; pure joie), Sophie Isaacs dans le rôle de Sandra (l'incarnation d'une fille Carry On), Naana Agyei-Ampadu (la couturière qui piloterait un avion). Ils forment un grand équipage et bénéficient d'un excellent soutien de la part de l'ensemble, à la fois féminin et masculin. En effet, le chant de l'ensemble est un véritable point fort tout au long.

Naomi Frederick est superlative dans le rôle de Lisa, la femme cérébrale et désemparée de l'obsessionnel et inutile Hopkins (Julius D'Silva en grande forme). Sa réplique à propos du cheval que son mari lui a offert est la réplique de la soirée. Elle dessine un contour clair de la douleur et de la passion, et le moment où elle remet la robe à Rita avant qu'elle prononce son discours est l'un de ces moments théâtraux parfaitement simple qui restent avec vous.

David Cardy a fait ce qu'il pouvait avec Monty, et son discours sur le lit d'hôpital était particulièrement émouvant. Son matériel n'est pas aussi fort que celui donné aux femmes, mais il a tiré le meilleur parti de ce qui était fourni. René Zagger se régale dans une série de rôles, attaquant chacun avec enthousiasme et soin. Scott Garnham donne tout dans le rôle de Buddy Cortina.

Étant donné que l'histoire du professeur sadique, Macer, ne mène nulle part, et que la façon dont Harold Wilson et le patron américain Tooley sont utilisés est terriblement erronée, les efforts de Steve Furst (Tooley), Mark Hadfield (Wilson) et Gareth Snook (Macer) ajoutent peu, voire rien, au succès global de la comédie musicale. Ce n'est pas de leur faute, ils font tous ce qu'on leur demande. Et peut-être est-ce parce qu'ils le font bien, que les dommages causés par ces scènes à l'ensemble de l'œuvre sont quelque peu atténués. Peut-être. Je doute que les Américains, ou vraiment n'importe qui, trouve quelque chose de drôle dans l'ouverture insupportable de l'Acte Deux de Tooley This Is America. Il devrait être coupé et remplacé immédiatement.

La chorégraphe Aletta Collins ne tire pas le meilleur parti des opportunités de danse et de mouvement que la pièce et la partition offrent. Le numéro de Buddy Cortina, peu importe à quel point il est bien chanté, ne survit pas à la mise en scène. Il y a un moment, alors qu'une scène se transforme en pub, où une danseuse solo (Rachel Spurrell semblait-il) incarnait la joie et l'esprit des années 60 dans une danse de bonheur - aurait voulu que Collins maintienne ce niveau d'engagement et d'intensité tout au long. Avec une meilleure chorégraphie plus inventive, cela aurait été une bien plus grande pièce de divertissement.

Bunny Christie fournit un excellent décor. Il y a une chaîne de production d'usine permanente qui cadre la plupart de l'action, des sièges de voiture roulant autour d'un convoyeur en hauteur, rappelant constamment à tout le monde le besoin de l'usine de continuer à avancer - tout en montrant clairement que les femmes et leur couture apportent de la couleur aux réalisations grises des hommes. Le décor à deux niveaux de la maison des O'Grady est mignon, mais pas novateur.

Le plus décevant est le design sonore de Richard Brookner. Il n'apporte rien pour clarifier la diction des chanteurs et brouille souvent ce qui serait autrement cristallin. L'équilibre entre l'orchestre et le chanteur est souvent mauvais - inexplicablement. Cela devrait être corrigé avec alacrité.

Il y a beaucoup à aimer ici, pas mal à apprécier et quelques morceaux qui sont simplement erronés. Mais l'impression générale est bonne. Si l'équipe créative arrêtait d'essayer d'être intelligente avec la satire politique et restait fidèle à l'essentiel de l'histoire et aux beaux personnages centraux, cela pourrait être une grande comédie musicale britannique. Telle qu'elle est, le charme authentique et l'habileté de la grande distribution, menée par Arterton et Der Gregorian, assurent de nombreux rires, quelques larmes et un sens résonant de triomphe dans le dernier numéro. Il faudrait être chiche pour ne pas vouloir se lever pour applaudir cette distribution à la fin de la soirée.