RESEÑA: Made In Dagenham, Teatro Adelphi ✭✭✭✭

Made In Dagenham. Foto: Manuel Harlan Made in Dagenham

Adelphi Theatre

4 estrellas

El villano trajeado y bien calzado, con bigote incluido, ha destruido el amuleto mágico. Cenicienta no irá al baile después de todo. Pero entonces su hada madrina le da fuerzas y ella encuentra dentro de sí misma el valor para ir, con un fabuloso vestido nuevo. Al principio, algo dubitativa, vacila cuando empiezan los bailes, pero enseguida, al saber que sus amigos la respaldan, gana confianza y se convierte en la reina del baile. El Príncipe, distraído con sus otras obligaciones, se da cuenta de lo cerca que estuvo de perder la oportunidad de estar con Cenicienta. Le pide su mano; ella acepta. Se suceden las lágrimas y la felicidad.

Esto no es el argumento de una pantomima puesta al día, sino la esencia de lo que late en el corazón de Made In Dagenham, un nuevo musical dirigido por Rupert Goold, actualmente en cartel en el Adelphi Theatre. Es una adaptación de la película de 2010 y está protagonizada por la talentosa y encantadora Gemma Atherton.

Las adaptaciones siempre están llenas de peligros. Los incondicionales de la forma original de la historia —sea novela, película, obra teatral o poema— siempre tendrán opinión sobre si la adaptación es fiel o sacrílega. ¿Cómo que Eliza vuelve con Higgins al final de My Fair Lady? ¿Cómo que el personaje de Shelley Winters muere después del baño y no mientras están cortando el casco, a segundos del rescate, en La aventura del Poseidón? ¿Cómo que Rapunzel no muere en Into The Woods? Y así, una y otra vez.

Pero, en realidad, cada adaptación necesita funcionar en sus propios términos, dentro de su propio contexto. Las historias y los personajes cambian para ajustarse a las exigencias de la nueva forma, para que esta sea lo más eficaz posible. Igual que el cine puede contar páginas de una historia con un solo plano o una escena breve y silenciosa, el musical puede comunicar carácter y relato de mil maneras: a través de canciones, baile, interludios musicales, texto. La forma en que se combinan esos elementos dicta la respuesta del público. Por eso, para que un musical nuevo funcione, nunca es necesario conocer la obra original; lo que hace falta es que el musical sea coherente, comprensible y, casi siempre, rebosante de corazón.

Made in Dagenham es una historia arquetípica de David contra Goliat, ambientada en el mundo sexista de los años 60 e hilvanada con un romance y una rebelión doméstica. Este David en particular quizá esté derrotando a más de un bruto, pero eso no es lo importante; este David no intenta cambiar el mundo (aunque eso es lo que termina sucediendo), sino simplemente buscar justicia. Aunque los acontecimientos que se retratan aquí pudieron tener una enorme relevancia política, esa relevancia no es el núcleo de Made In Dagenham.

No. Del mismo modo que Hamlet no es una sátira ni una reseña del debate sobre las monarquías, Made In Dagenham es una historia suave, dulce y francamente encantadora sobre una mujer que habla claro y que, por un momento, pasa a ocupar el centro del escenario; casi pierde a la familia que adora, pero, al mantenerse firme, honesta y fiel a sí misma, triunfa más allá de sus sueños más locos y es recompensada con la felicidad. Es, sencillamente, un cuento de hadas contemporáneo, por mucho —o por poco— que esté basado en hechos reales.

Y cuando Made In Dagenham se centra en ese cuento de hadas, resulta completamente absorbente, muy divertida, reconfortante y de verdad conmovedora. Y profundamente británica. Recorre todo el espectro, desde la risita tierna hasta las lágrimas silenciosas que empapan el pañuelo; una montaña rusa musical con más subidones que bajones, con las excelentes letras de Richard Thomas como uno de sus auténticos puntos álgidos.

Rita está felizmente casada con Eddie, tienen dos hijos y viven y trabajan en Dagenham, en la planta de fabricación de coches de Ford. Ford está reestructurando los niveles salariales y, como parte de ello, pretende tratar a Rosie y a sus compañeras expertas en coser fundas de asiento como menos cualificadas que los hombres —incluido Eddie—, que realizan un trabajo no cualificado y rutinario. Las mujeres se niegan a aceptar el acuerdo, y la consiguiente perturbación en el lugar de trabajo acaba convirtiéndose en un vehículo para el caso que se estaba construyendo en el Reino Unido a favor de la igualdad salarial para las mujeres. Los hombres (políticos, líderes sindicales, jefes de planta y compañeros) reaccionan mal a las reivindicaciones de igualdad de las mujeres, y Eddie deja a Rita, llevándose a los niños. A pesar del mundo brutal y machista en el que se encuentra, Rita sigue luchando y finalmente convence al sindicato más poderoso del país para que vote a favor de una cláusula de igualdad salarial. Eddie se da cuenta de que se ha equivocado y la felicidad se restablece.

Pero, por la razón que sea —ya por el sesgo de dirección de Rupert Goold o por la visión narrativa de Richard Bean, el adaptador—, el musical no se limita a los aspectos cenicientescos de la historia. No. De manera torpe e inútil y, en realidad, ofensiva, la trama incluye interludios con Harold Wilson y el señor Tooley, el gran jefe estadounidense de Ford, que son simplones, infantiles y contraproducentes. No aportan nada a la obra y, en cambio, la perjudican de forma fundamental. Pertenecen a otro espectáculo: una parodia de estereotipos sin gracia o una sátira política.

La presencia de estas secuencias, incomprensiblemente estúpidas, implica que otros materiales no estén cuando podrían estar con tanta facilidad. Por ejemplo: no hay un dúo feliz entre Rita y Eddie que prepare lo que ella podría perder; no hay un solo para la esposa del gerente de la planta de Dagenham que inspira a Rita a mantenerse en su causa; no hay un dúo entre Connie y Monty, miembros del mismo sindicato con una larga e íntima historia; no hay una canción para la mordaz y malhablada Beryl, una oportunidad perdida para un posible número que se lleve la ovación.

En lugar de usar la música para avanzar en la comprensión de la situación o del personaje, el equipo creativo despilfarra tiempo en tonterías irrelevantes. Que este error de juicio no hunda por completo todo el proyecto dice mucho del material que sí es fiel a la comedia musical adecuada para esta historia delicada y del talento del reparto.

El número final, Stand Up, es una delicia musical, pero hace preguntarse por qué el compositor David Arnold no ha entregado una partitura más exquisita. Está claro que entiende el efecto que los cambios de tonalidad, los distintos compases, las armonías y las modulaciones pueden tener en una partitura completa; simplemente no elige usarlos a menudo. Esto no significa que no haya melodías preciosas y temas pegadizos —los hay, sin duda—, pero la impresión es que la música no estuvo en primer plano durante la preparación. La parodia política nunca es más importante que una música emocionante, una lección que Bean y Goold necesitan aprender.

Aun así, estos fallos no son mortales y las interpretaciones centrales son clave para ello.

Gemma Arterton es una Rita maravillosa. Es hermosa, rebosa calidez y encanto y aporta una auténtica sensación de verdad a cada momento. Sin esfuerzo, establece el sabor de la época en la que transcurre la acción y el vínculo cálido que tiene con sus compañeras. Pero, al mismo tiempo, se percibe su inquietud mientras lucha contra la noción arraigada de que los hombres saben lo que más le conviene a ella y a sus hijos.

Vocalmente, está en su mejor momento en el número de apertura, en sus dúos con Eddie y en el vibrante Stand Up! En general sale airosa de las exigencias de la partitura; es una actriz excelente que canta. Sin embargo, la partitura se beneficiaría más de una gran cantante que también supiera actuar. Hay varios momentos en los que una mayor potencia vocal habría transformado una secuencia corriente en una extraordinaria.

Sophie-Louise Dann lo demuestra cuando, como la ministra Barbara Castle, y por decirlo en términos técnicos, "canta que lo borda" su solo en el segundo acto. Con razón, levanta el teatro.

Como Eddie, Adrian Der Gregorian está perfecto como el tipo de a pie, el padre desbordado, el hombre que de verdad ama a su mujer pero no la entiende. Ofrece un retrato cálido, conmovedor y sincero de la normalidad. Lo extraordinario en él es su voz. Está en una forma excelente durante todo el espectáculo, pero especialmente al interpretar The Letter y en el dúo en el que le dice a Rita que se acabó.

Isla Blair está segura, encantadora y astuta como Connie, la mujer que se ha casado con su sindicato y ha puesto su carrera allí por delante de todo lo demás en su vida. Es un giro deliciosamente delicado y aporta un auténtico corazón a la obra.

Las compañeras de Rita están todas sobresalientes: la Beryl de Sophie Stanton (una mujer que podría dejar en ridículo a Gordon Ramsey en el uso de tacos), la Clare de Heather Craney (ocho partes Barbara Windsor, dos partes Olive de On The Buses; una alegría absoluta), la Sandra de Sophie Isaacs (la quintaesencia de una chica Carry On), Naana Agyei-Ampadu (la costurera que sería capaz de pilotar un avión). Forman un gran equipo y cuentan con un excelente apoyo del ensemble, tanto femenino como masculino. De hecho, el canto del conjunto es un auténtico punto álgido durante toda la función.

Naomi Frederick está soberbia como Lisa, la afligida e inteligente esposa del meticuloso e inútil Hopkins (Julius D'Silva, en espléndida forma). Su frase sobre el caballo que le ha regalado su marido es la frase de la noche. Dibuja un contorno nítido de dolor y pasión, y el momento en que le entrega a Rita el vestido antes de que pronuncie su discurso es uno de esos instantes teatrales perfectamente sencillos que se te quedan grabados.

David Cardy hizo lo que pudo con Monty, y su discurso en la cama del hospital fue especialmente conmovedor. Su material no es ni de lejos tan potente como el que se da a las mujeres, pero sacó el máximo partido de lo que tenía. René Zagger se lo pasa en grande en una serie de papeles, abordando cada uno con brío y cuidado. Scott Garnham lo da todo como Buddy Cortina.

Dado que la historia del profesor sádico, Macer, no conduce a nada, y que el uso que se hace de Harold Wilson y del jefe estadounidense Tooley es absurdamente erróneo, los esfuerzos de Steve Furst (Tooley), Mark Hadfield (Wilson) y Gareth Snook (Macer) aportan poco, si es que aportan algo, al éxito global del musical. No es culpa suya: todos hacen lo que se les pide. Y quizá precisamente porque lo hacen bien, el daño que esas escenas causan al conjunto queda algo mitigado. Quizá. Dudo que los estadounidenses —o, en realidad, cualquiera— encuentren algo gracioso en el insoportable arranque del segundo acto de Tooley, This Is America. Debería cortarse y sustituirse ya.

La coreógrafa Aletta Collins no aprovecha al máximo las oportunidades de baile y movimiento que ofrecen la obra y la partitura. El número de Buddy Cortina, por muy bien cantado que esté, no sobrevive a la puesta en escena. Hay un momento, cuando una escena se transforma en un pub, en el que una bailarina solista (parecía Rachel Spurrell) encarnó la alegría y el espíritu de los sesenta en una danza de felicidad; ojalá Collins hubiera mantenido ese nivel de compromiso e intensidad durante toda la función. Con una coreografía mejor y más imaginativa, esto sería una pieza de entretenimiento mucho mayor.

Bunny Christie aporta una escenografía excelente. Hay una cadena de producción permanente de fábrica que enmarca la mayor parte de la acción, con asientos de coche circulando por una cinta transportadora elevada, recordando constantemente a todos la necesidad de que la planta siga en marcha, y a la vez dejando claro que las mujeres y su costura aportan color a los logros grises de los hombres. El decorado a dos niveles de la casa de los O'Grady es dulce, pero no novedoso.

Lo menos convincente es el diseño de sonido de Richard Brookner. No hace nada por aportar claridad a la dicción de los cantantes y a menudo enturbia lo que, de otro modo, sería cristalino. El equilibrio entre orquesta y cantante está con frecuencia mal —de forma incomprensible—. Esto debería corregirse con rapidez.

Hay mucho que amar aquí, bastante que gustar y unas cuantas cosas que sencillamente están mal. Pero la impresión general es buena. Si el equipo creativo dejara de intentar ser listo con la sátira política y se ceñera al impulso de la historia y a los hermosos personajes centrales, esto sería un gran musical británico. Tal y como está, el encanto genuino y la destreza del amplio reparto, encabezado por Arterton y Der Gregorian, garantizan un montón de risas, algunas lágrimas y una sensación de triunfo resonante en el número final. Sería de mala leche no querer levantarse —Stand Up— por este reparto al final de la noche.