리뷰: 바이올렛, 아메리칸 항공 극장 ✭✭✭✭✭

사진: 조앤 마커스 바이올렛

아메리칸 에어라인스 시어터

2014년 4월 10일

별 5개

뮤지컬이 진가를 발휘할 때, 할 수 있는 일은 참 많습니다. 특정 시대나 특정 인물을 비추기도 하고, 한 문화나 철학, 변화의 순간을 이해하도록 돕기도 하며, 삶을 긍정하게 만드는 폭소를 터뜨리게 하거나 그저 춤추고 싶게 만들기도 하죠. 그리고 때로는—드물지만 분명히 존재하는 경우로—인생의 근본적인 교훈 몇 가지에 대한 이해를 불러일으키는 작품도 있습니다. 최근 그 예로 넥스트 투 노멀이 있었고요.

그리고 지금 42번가 아메리칸 에어라인스 시어터에서 공연 중인 바이올렛 역시 그렇습니다. 브라이언 크롤리의 탄탄한 대본과 가사, 그리고 지닌 테소리가 들려주는 힘차고도 선명하며 스릴 넘치는 음악이 어우러진, 강렬하고도 꽤나 놀라운 작품입니다.

줄거리는 충분히 단순합니다. 어린 시절 바이올렛은 도끼날에 얼굴을 맞았고, 그 이후로 커다란 흉터와 함께 살아갑니다. 아니, 흉터는 두 개죠. 얼굴에 남은 도끼자국이라는 물리적 흔적과, 자신은 아름답지 않으며 사랑받을 수 없고 늘 원치 않는 존재로 남을 거라는 깊게 각인된 믿음이라는 감정의 흉터. 강단 있고 결단력 있으며 스스로를 단단히 지키는 바이올렛은 신앙에서 큰 위안을 얻고, 뮤지컬이 시작될 즈음에는 TV로 유명한 신앙 치유사를 찾아가 흉터를 고치기 위해 대륙을 가로지르는 버스 여행을 떠나려 합니다. 그리고 그 여정은 모든 면에서 예상 밖의 방향으로 흘러가죠. 마지막에 바이올렛은 자기 마음속에서 완전히 달라져 있습니다.

리 실버먼이 통찰력 있고 단호하게 연출한 이 훌륭한 프로덕션을 본 이성적인 관객이라면, 누구나 마음이 움직이고, 시야가 넓어지고, 스스로에게 질문을 던지게 될 겁니다. 도발적이면서도 동시에 마음을 따뜻하게 해주는 작품. 진정한 기쁨입니다.

대본은 군더더기 없이 날카롭고, 재치 있으며, 개인의 연약하면서도 까다로운 심리, 또래의 판단이 지닌 공포, 그리고 우리가 일상에서—의도적으로든 아니든—얼마나 쉽게 서로에게 잔인해질 수 있는지에 대한 이해로 가득합니다. 악보 역시 그에 발맞춰, 강렬한 열정의 멜로디와 앤섬들을 연이어 선보이며, 찬란한 사운드와 보컬의 통찰 속에서 바이올렛의 여정을 감싸고 또 그려냅니다.

정확한 캐스팅은 작품이 비상하도록 힘을 보탭니다.

서튼 포스터는 이번 작품에서 그 어느 때보다도 뛰어납니다. 물론 그동안 더 가볍고 밝은 작품들에서도 그녀는 눈부셨죠. 하지만 여기서 포스터는 바이올렛을 한 치도 비켜서지 않고 연기합니다. 거칠고, 사나우며, 절박하게요. 메이크업을 하지 않아 흉터는 전적으로 관객의 상상에 맡겨지지만, 포스터의 정교하고 세밀하며 유일무이하게 강렬한 연기는 그녀가 보는 흉터를 우리도 보게 만듭니다. 즉, 실제 물리적 형태보다도 훨씬 더 끔찍하게 느껴지게 하죠.

그 점은 바이올렛이 버스 정류장으로 돌아와 자신이 치유되었다고 확신하는 순간, 충격적일 만큼 아름다운 방식으로 드러납니다. 포스터의 온몸, 특히 얼굴과 눈빛은 자신감과 확신—아름다움—을 발산합니다. 그러다 콜린 도넬이 연기하는 몬티가 사실 치유되지 않았다고 말하며 그녀를 산산이 부수는 순간, 바이올렛의 영혼은 우리의 눈앞에서 붕괴합니다. 유령처럼 사라지고 왜소해진, 구겨진 듯 황폐한 모습이 다시 그녀를 지배하죠. 놀라운 연기의 순간입니다—진실하고, 참혹하며, 그 여파가 아찔할 정도로요.

하지만 그녀의 연기는 그 장면만이 아닙니다. 인물의 가장 어두운 구석을 피하지 않고, 포스터는 절망에서 환희까지 바이올렛의 모든 결을 보여줍니다. 이번 시즌 토니상을 그녀에게서 빼앗을 배우는 인간의 한계를 넘어설 만큼 압도적으로 뛰어나야 할 겁니다.

모든 위대한 연기가 그렇듯, 포스터는 나머지 배우들의 필수적이고 조화로운 연기들로부터 흠잡을 데 없는 지원과 에너지를 받습니다.

버스 여행에서 바이올렛이 만나게 되는 군인 몬티—말도 안 되게 잘생기고, 말도 안 되게 거만하며, 말도 안 되게 섹시하고, 말도 안 되게 피상적이며, 말도 안 되게 자기중심적인—를 연기한 콜린 도넬은 유난히 훌륭합니다. 그는 ‘추함’의 의미를 새로 씁니다. 유혹적인 뉘앙스와 말 없는 자기혐오로 가득한, 멋진 연기죠. 그리고 마지막에 그와 포스터가 함께하는 장면은 폭발적입니다.

바이올렛의 수수하고 외딴 시골의 아버지 역의 알렉산더 제미냐니도 훌륭합니다. 아내를 잃은 상실감과, 딸의 상처에 자신이 보였던 반응에 사로잡힌 단순한 남자. 그는 바이올렛을 바라보는 자신의 시선을 우리에게도 보이게 합니다—죽은 아내의 이미지가 부서져 비친 잔상으로서의 바이올렛을요. 섬세하면서도 완전히 설득력 있는 연기이며, 다정함과 딸을 지키고 감싸려는 아버지의 결의가 더해져 있습니다. 그는 “That’s What I Could Do”에서 가슴을 찢어놓습니다.

애니 골든은 (처음에는) 버스에서 바이올렛을 만나, 바이올렛의 그다지 사랑스럽지 않은 면을 가장 먼저 겪는 노부인 역으로 아주 근사합니다. 평범하고 일상적인 ‘옳음’을 그려내는 방식이 완벽하죠. 그리고 멤피스 장면에서는 호텔의 매춘부로 등장하는데, 지쳐 너덜너덜하고, 절망의 끝에 있으며, 약에 취한 채 비틀거리는 모습이 믿기지 않을 만큼(모든 의미에서) 탁월합니다. 보는 것만으로도 마법 같습니다.

하지만 이날 밤 최고의 공연은 조슈아 헨리에게 돌아갑니다. 몬티의 흑인 상관이자 친구인 플릭—성실하고 부지런한 인물—을 그는 흠잡을 데 없이 구현합니다. 그리고 그의 놀라운 솔로 넘버 “Let It Sing”은 관객을 완전히 압도하죠. 플릭과 바이올렛에게 찾아오는 마지막의 구원적 순간들은 특별히 잘 작동합니다. 그는 인물의 감정적인 면을 과장하지 않고 절제해, 오히려 더 큰 효과를 냅니다. 피부색의 아름다움에 대한 플릭의 인식과 자신의 외모에 대한 바이올렛의 인식 사이의 평행을 덜 재능 있는 배우라면 과하게 강조했을 법하지만, 헨리는 매번 정확한 톤을 짚습니다. 그가 몬티의 친구였으면서도 동시에 그를 경멸해 왔다는 점이 충분히 설득력 있게 보이죠. 다시 말하지만, 토니상에서 그를 이기기는 거의 불가능해 보입니다.

이 작품의 큰 미덕 중 하나는 음악과 대사가 종종 구분되지 않을 정도로 자연스럽다는 점입니다. 노래는 서사의 매끈한 일부이며, 장면의 모든 측면에 음악성이 흐릅니다. 텍스트와 스코어가 조화를 이루는 순간을 제대로 구현해낸 셈이죠.

앙상블은 규모는 작지만 탁월합니다. 마크 래프터가 이끄는 오케스트라는 역동적이고 짜릿하죠. 마크 바턴의 영리하게 분위기를 만드는 조명은 데이비드 진의 미니멀한 무대를 효과적으로 변모시키고, 둘은 함께 60년대 중반의 공기와 감각을 완벽하게 불러옵니다.

진실과 고통에서 깎아 만든, 그리고 놀라운 실력의 크리에이티브 팀과 아티스트들이 윤을 내어 완성한 완벽한 보석 같은 뮤지컬. 잊을 수 없습니다.

어떻게든 꼭 보세요.