KRITIK: Violet, American Airlines Theatre ✭✭✭✭✭

Foto: Joan Marcus Violet

American Airlines Theatre

10. April 2014

5 Sterne

Musicals können im besten Fall viele Dinge tun. Sie können ein Licht auf eine bestimmte Zeit oder eine bestimmte Person werfen, Ihnen helfen, eine Kultur, Philosophie oder Zeit des Wandels zu verstehen, lebensbejahende Heiterkeit hervorrufen oder Sie einfach zum Tanzen bringen wollen. Manchmal, es muss gesagt werden, selten kann ein Musical Verständnis für einige der grundlegenden Lektionen des Lebens inspirieren. Next to Normal war ein kürzliches Beispiel für ein solches Musical.

So auch Violet, das jetzt im American Airlines Theatre an der 42nd Street spielt, ein kraftvolles, bemerkenswertes Werk mit Buch und Texten von Brian Crawley und einem mitreißenden, eindrucksvollen und aufregenden Score von Jeanine Tesori.

Es ist eine einfache Geschichte. Als kleines Mädchen wurde Violet mit einem Axtkopf ins Gesicht getroffen und lebt seitdem mit einer großen Narbe. Nun, zwei Narben: das physische Andenken an den Axtschlag in ihr Gesicht und die emotionale Narbe, der tief verwurzelte Glaube, dass sie nicht schön ist, nicht geliebt werden kann, immer ungewollt bleiben wird. Willensstark, entschlossen und in sich gekehrt, findet Violet großen Trost im Glauben, und als das Musical beginnt, steht sie kurz davor, eine Busreise quer durchs Land zu unternehmen, um von einem Fernsehglaubensheiler von ihrer physischen Narbe geheilt zu werden. Die Reise erweist sich in jeder Hinsicht als unerwartet. Am Ende ist Violet in ihrem eigenen Geist verwandelt.

Jede vernünftige Person, die diese hervorragende Produktion sieht, einfühlsam und entschieden geleitet von Leigh Silverman, sollte bewegt, erleuchtet und herausgefordert von der Erfahrung sein. Sie ist provokant und herzerwärmend zugleich. Ein wahrer Genuss.

Das Buch ist spärlich, prägnant, witzig und voll von Verständnis über die Zerbrechlichkeit und die Anforderungen der individuellen menschlichen Psyche, über den Schrecken des Urteils der Gleichaltrigen und die vielen Arten, wie jeder von uns grausam sein kann, ob absichtlich oder anderweitig, in täglichen Interaktionen. Der Score passt zum Buch mit einer Reihe wunderbarer, intensiv leidenschaftlicher Melodien und Hymnen, die Violets Reise in einem Gewirr aus herrlichem Klang und stimmlicher Einsicht umhüllen und begleiten.

Passende Besetzung hilft dem Stück, zu glänzen.

Sutton Foster war nie besser als hier, und sie war schon in anderen, leichteren Arbeiten großartig. Sie spielt Violet unerschrocken, roh, bösartig und verzweifelt. Sie trägt kein Make-up, also ist die Narbe vollständig eingebildet, aber Fosters präzise, detaillierte und besonders intensive Darbietung lässt einen die Narbe so sehen, wie sie sie sieht: sicherlich entsetzlicher, als sie jemals in physischer Form gewesen wäre.

Dies wird auf schockierend schöne Weise in den Momenten demonstriert, als Violet zur Bushaltestelle zurückkehrt, überzeugt davon, dass sie geheilt wurde. Fosters ganzer Körper, aber besonders ihr Gesicht und ihre Augen, strahlen Selbstvertrauen, Sicherheit - Schönheit aus. Dann, als Monty, gespielt von Colin Donnell, sie zerstört, indem er ihr sagt, dass sie in Wahrheit nicht geheilt wurde, implodiert Violets Geist vor unseren Augen, der gequälte, geschrumpfte, zerdrückte, verzweifelte Waisenresumiert die Kontrolle. Es ist ein phänomenaler Moment großartiger Schauspielkunst - wahrhaftig, erschütternd und in seiner Wirkung alarmierend.

Aber so ist ihre gesamte Darbietung. Nicht ängstlich vor den dunkelsten Ecken des Charakters, zeigt Foster all die Schattierungen von Violet, vom Düsteren bis zur Glückseligkeit. Die Frau, die sie diese Saison für den Tony Award schlagen wird, muss unmenschlich gut sein.

Wie alle großen Darbietungen erhält Foster tadellose Unterstützung und Energie aus einer Reihe integraler und komplementärer Darbietungen des restlichen Casts.

Als Monty, der unglaublich gutaussehende, unglaublich arrogante, unglaublich sexy, unglaublich oberflächliche und unglaublich selbstzentrierte Soldat, den Violet auf ihrer Busreise trifft, ist Colin Donnell außergewöhnlich gut. Er redefiniert Hässlichkeit. Dies ist eine wunderbare Darbietung, voller verführerischer Nuancen und unausgesprochene Selbstverachtung. Und die letzte Szene zwischen ihm und Foster ist dynamitartig.

Alexander Gemignani ist hervorragend als Violets schlichter Vater aus der Provinz, ein einfacher Mann, gequält vom Verlust seiner Frau und davon, wie er auf die Verletzung seiner Tochter reagierte. Er lässt einen Violet so sehen, wie er es tut - ein zerschmettertes Spiegelbild des Abbildes seiner toten Frau. Es ist eine feinfühlige, aber völlig glaubwürdige Darbietung, gewürzt mit Zärtlichkeit und dem Entschluss eines Vaters zu schützen und abzuschirmen. Er ist herzzerreißend in "That's What I Could Do".

Annie Golden ist fabelhaft als (zuerst) die alte Dame, die Violet im Bus trifft und die als erste Violets weniger gewünschte Seite erlebt. Sie ist perfekt in ihrem Porträt des einfachen gewöhnlichen "Richtigseins". Dann erscheint sie als das Hotelmädchen in den Szenen in Memphis, wo sie heruntergekommen, überaus verzweifelt, drogenabhängig und erstaunlich (in jeder Hinsicht) gut ist. Magisch anzusehen.

Doch die Darbietung des Abends kommt von Joshua Henry. Sein Flick, der hart arbeitende schwarze übergeordnete Offiziersfreund von Monty, ist fehlerlos. Und in seinem außergewöhnlichen Solo, "Let It Sing", ist er atemberaubend. Die letzten erlösenden Momente, für Flick und Violet, funktionieren außergewöhnlich gut. Er unterspielt viel von der emotionalen Seite des Charakters mit großer Wirkung. Es wäre einfach, für einen weniger begabten Schauspieler die Parallelen zwischen Flicks Wahrnehmung der Schönheit seiner Haut und Violets Wahrnehmung ihrer hervorzuheben, aber Henry trifft jedes Mal den richtigen Ton. Es ist möglich, zu sehen, wie er Montys Freund gewesen, aber ihn gleichzeitig verachtet hat. Er wird wieder schwer zu schlagen sein für einen Tony Award.

Eines der großen Geschenke hier ist, dass es oft unmöglich ist, zwischen Musik und Sprache zu unterscheiden. Die Lieder sind ein nahtloser Teil der Erzählung und es gibt Musikalität in jedem Aspekt der Szenenarbeit. Es ist die Verwirklichung der Harmonie zwischen Text und Score.

Das Ensemble ist klein, aber außergewöhnlich. Das Orchester unter der Leitung von Mark Rafter ist dynamisch und aufregend. Mark Bartons clever stimmungsvolle Lichtgestaltung verwandelt effektiv David Zinns minimalistisches Set, und zusammen beschwören sie die Atmosphäre und das Gefühl der Mitte der Sechzigerjahre perfekt herauf.

Ein perfektes Juwel eines Musicals, das aus Wahrheit und Schmerz gehauen und von Kreativen und Künstlern mit großartigem Können poliert wurde. Unvergesslich.

Tu alles, um es zu sehen.