レビュー: バイオレット、アメリカンエアラインズシアター ✭✭✭✭✭

写真：ジョーン・マーカス　『ヴァイオレット』

アメリカン・エアラインズ・シアター

2014年4月10日

星5つ

ミュージカルは、最高のかたちで観客にさまざまなことをもたらします。特定の時代や人物に光を当て、文化や思想、変化の只中にある時間を理解させてくれることもあれば、人生を肯定したくなるほどの可笑しさで包んだり、ただ踊り出したくなる気分にさせたりもする。そして時に――そう頻繁ではないけれど――人生の根本的な教訓のいくつかを、深く腑に落ちるかたちで教えてくれる作品があります。近年で言えば『Next to Normal』が、その好例でした。

そして同じく『ヴァイオレット』も、まさにそうしたミュージカルです。現在、42丁目のアメリカン・エアラインズ・シアターで上演中。ブライアン・クロウリーによる脚本・歌詞、ジャニーン・テソリの高揚感に満ち、情景を鮮やかに立ち上げるスリリングなスコアが結びついた、力強く、実に印象深い一本です。

物語は驚くほどシンプル。幼い頃、ヴァイオレットは斧の刃先が顔に当たり、それ以来大きな傷痕とともに生きてきました。もっとも、傷は二つあります。斧が顔を切り裂いたという身体の痕跡と、「自分は美しくない、愛されない、いつだって望まれない存在だ」という、深く刻み込まれた心の傷。意志が強く、頑固で、自分の殻に閉じこもりがちなヴァイオレットは、信仰に大きな拠り所を見出しています。ミュージカルが始まる時、彼女はテレビの信仰治療師に会い、顔の傷を治してもらうため、国を横断するバスの旅に出ようとしているところ。けれど、その旅はあらゆる意味で予想外のものとなります。そして最後に、ヴァイオレットは自分自身の内側で変容を遂げるのです。

リー・シルヴァーマンが洞察に富んだ確かな手つきで演出したこの卓越したプロダクションを観れば、理性ある観客なら誰もが心を動かされ、何かに気づき、そして挑まれるはず。挑発的でありながら、同じくらい温かい。まさしく至福の一本です。

脚本は簡潔で切れ味がよく、機知に富み、人間の心の脆さと過酷さ、同調圧力の恐ろしさ、そして日々のやり取りの中で私たちが意図的に、あるいは無自覚に残酷になり得る数々のかたちについて、深い理解に満ちています。スコアもそれに呼応し、濃密な情熱を湛えた旋律やアンセムが次々と現れ、豊かな響きと歌の洞察でヴァイオレットの旅路を包み込み、描き出していきます。

的確なキャスティングが、この作品をさらに高く飛翔させています。

サットン・フォスターは、これまでにも軽やかな作品で見事な仕事をしてきましたが、本作での彼女は過去最高と言っていい。ヴァイオレットを、容赦なく、むき出しで、凶暴で、必死に演じ切ります。メイクはしておらず、傷痕はあくまで想像上のものなのに、フォスターの緻密で細部まで行き届いた、唯一無二の強度を持つ演技によって、観客は彼女自身と同じように傷を見ることになる――それは実際の傷痕よりも、はるかに恐ろしいものとして。

それが衝撃的に美しいかたちで示されるのが、治ったと信じてバス停へ戻ってくる場面です。フォスターの全身、とりわけ顔と目が、自信と確信――美しさ――を放つ。ところがコリン・ドネル演じるモンティが「実際には治っていない」と告げて彼女を打ち砕く瞬間、ヴァイオレットの魂は目の前で崩壊し、憑かれたように萎み、くしゃりと折れた荒涼とした小さな影が再び彼女を支配します。真実で、破壊的で、その効果において不穏ですらある、驚異的な名演の瞬間。

しかし圧巻なのは、その一場面だけではありません。キャラクターの最も暗い部分から逃げず、荒涼から至福まで、ヴァイオレットのあらゆる陰影をフォスターは見せてくれます。今季、彼女をトニー賞から引きずり下ろす人がいるとしたら、人間離れした出来でなければ無理でしょう。

偉大な演技がそうであるように、フォスターは共演陣からも完璧な支えとエネルギーを受け取っています。キャスト全員が欠かせない存在であり、互いを引き立て合っている。

バスの旅でヴァイオレットが出会う兵士モンティ――あり得ないほどハンサムで、あり得ないほど傲慢で、あり得ないほどセクシーで、あり得ないほど浅薄で、あり得ないほど自己中心的――を演じるコリン・ドネルは、抜群に巧い。「醜さ」の定義を塗り替えるような演技で、誘惑的なニュアンスと、言葉にされない自己嫌悪に満ちています。そして彼とフォスターのラストシーンは、まさに爆発力抜群。

ヴァイオレットの飾り気のない田舎者の父を演じるアレクサンダー・ジェミニャーニも素晴らしい。妻を失った痛みと、娘の負傷に対して自分がどう反応してしまったか、その記憶に取り憑かれた素朴な男。彼は、ヴァイオレットを自分が見る通りに観客に見せます――亡き妻の面影が砕け散った反射として。繊細でありながら完全に説得力があり、優しさと、守り抜こうとする父の決意がピリッと効いている。"That's What I Could Do"では胸が張り裂ける思いにさせられます。

アニー・ゴールデンは見事に二役。（最初に）バスでヴァイオレットに会い、彼女の「感じの良くない」一面を最初に味わう老婦人として、平凡で普通の「正しさ」を完璧に描き出します。続いてメンフィスの場面では、ホテルの娼婦として登場。ぼろぼろで、追い詰められ、薬で朦朧としながら、それでも驚くほど（あらゆる意味で）抜群に良い。観ていて魔法のようです。

とはいえ、この夜の最高のパフォーマンスを挙げるならジョシュア・ヘンリーでしょう。モンティの相棒で、黒人の上官でもあるフリックは、勤勉で誇り高い人物。ヘンリーの演技は非の打ち所がありません。そして圧巻のソロ曲"Let It Sing"は、完全に場をさらいます。終盤の、フリックとヴァイオレットそれぞれの贖いの瞬間も見事に機能する。彼はキャラクターの感情面の多くをあえて抑え、抜群の効果を生み出しています。肌の色に対するフリックの美の感覚と、ヴァイオレットのそれを安易に並行させて大げさにしてしまうこともできたはずですが、ヘンリーは常に正しい音を鳴らす。彼がモンティの友人でありながら同時に彼を軽蔑してきたことも、はっきりと見えてくる。こちらもまた、トニー賞で倒すのはほとんど不可能に思えます。

この作品の大きな美点の一つは、音楽と言葉の境目がしばしば判別できないこと。歌は物語の流れに溶け込み、場面のあらゆる部分に音楽性が宿っています。テキストとスコアが真に調和した到達点です。

アンサンブルは小編成ながら格別。マーク・ラフター率いるオーケストラは躍動感に満ち、スリリングです。マーク・バートンの巧みな照明は、デヴィッド・ジンのミニマルな舞台美術を効果的に変容させ、両者が相まって60年代半ばの空気感と手触りを見事に立ち上げています。

真実と痛みから削り出され、卓越したクリエイターとアーティストの技で磨き上げられた、完璧な宝石のようなミュージカル。忘れがたい。

何があっても観てください。