RECENSIONE: Violet, Teatro American Airlines ✭✭✭✭✭

Foto: Joan Marcus Violet

American Airlines Theatre

10 aprile 2014

5 stelle

Quando sono davvero al massimo, i musical possono fare moltissime cose. Possono far luce su un’epoca o su una persona, aiutarti a comprendere una cultura, una filosofia o un periodo di cambiamento, scatenare una risata liberatoria o semplicemente farti venir voglia di ballare. A volte — raramente, va detto — un musical riesce persino a far nascere una comprensione profonda di alcune lezioni fondamentali della vita. Next to Normal è stato un recente esempio di questo tipo di musical.

Lo stesso vale per Violet, ora in scena all’American Airlines Theatre sulla 42ª Strada: un lavoro potente e davvero notevole, con libretto e testi di Brian Crawley e una partitura di Jeanine Tesori trascinante, evocativa ed elettrizzante.

La storia è piuttosto semplice. Da bambina, Violet è stata colpita al volto dalla testa di un’ascia e da allora vive con una cicatrice enorme. Anzi, due cicatrici: quella fisica, promemoria dell’ascia che le ha segnato il viso, e quella emotiva — la convinzione radicata e ostinata di non essere bella, di non poter essere amata, di essere destinata a restare indesiderata. Volitiva, determinata e chiusa in se stessa, Violet trova grande conforto nella fede e, quando il musical inizia, sta per intraprendere un viaggio in autobus attraverso il Paese per andare da un guaritore televisivo e farsi curare la cicatrice. Il viaggio si rivela sorprendente in ogni senso. Alla fine, Violet si ritrova trasformata, almeno nella propria mente.

Chiunque abbia un briciolo di razionalità, davanti a questa produzione splendida — diretta con intelligenza e decisione da Leigh Silverman — dovrebbe uscirne commosso, illuminato e anche un po’ messo alla prova. È provocatorio e insieme scaldacuore. Una gioia autentica.

Il libretto è essenziale, pungente, spiritoso e ricchissimo di comprensione della fragilità e delle richieste della psiche umana; dell’orrore del giudizio altrui; e dei tanti modi in cui ognuno di noi può essere crudele, intenzionalmente o meno, nelle interazioni quotidiane. La partitura è all’altezza: una sequenza di melodie e inni splendidi e intensamente appassionati, che avvolgono e tracciano il percorso di Violet in una colata di suono glorioso e di intuizione vocale.

Un casting perfetto aiuta lo spettacolo a spiccare il volo.

Sutton Foster non è mai stata migliore di così, e in passato è stata magnifica anche in lavori più leggeri. Interpreta Violet senza alcuna esitazione: cruda, feroce e disperata. Non indossa trucco, quindi la cicatrice è del tutto immaginata, ma la performance di Foster — precisa, minuziosa e di un’intensità assolutamente unica — ti fa vedere la cicatrice come la vede lei: di certo molto più orribile di quanto sarebbe mai stata nella realtà fisica.

Lo si capisce in modo sconvolgentemente bello nei momenti in cui Violet torna alla fermata dell’autobus, convinta di essere guarita. Tutto il corpo di Foster, ma soprattutto il volto e gli occhi, irradiano sicurezza, certezza — bellezza. Poi, quando il Monty di Colin Donnell la frantuma dicendole che, in realtà, non è stata affatto guarita, lo spirito di Violet implode davanti ai nostri occhi e riprende il controllo quella figura perseguitata, ridotta, accartocciata e desolata. È un momento fenomenale di recitazione superba: vero, devastante e, per il suo effetto, inquietante.

Ma lo è anche l’intera interpretazione. Senza temere gli angoli più bui del personaggio, Foster mostra tutte le sfumature di Violet, dal più cupo al più beato. Chi la batterà ai Tony Award in questa stagione dovrà essere disumano, tanto sarà bravo.

Come tutte le grandi interpretazioni, Foster riceve un supporto impeccabile e un’energia costante da una serie di performance fondamentali e complementari del resto del cast.

Nei panni di Monty — il soldato impossibilmente bello, impossibilmente arrogante, impossibilmente sexy, impossibilmente superficiale e impossibilmente egocentrico che Violet incontra nel viaggio in autobus — Colin Donnell è eccezionalmente bravo. Ridefinisce l’“antiestetico”. È un’interpretazione splendida, piena di sfumature seducenti e di un’autodisistima non detta. E la scena finale tra lui e Foster è dinamite.

Alexander Gemignani è straordinario nel ruolo del padre di Violet: un uomo semplice, di campagna, tormentato dalla perdita della moglie e da come ha reagito alla ferita della figlia. Ti fa vedere Violet come la vede lui — un riflesso in frantumi dell’immagine della moglie morta. È un’interpretazione delicata ma del tutto credibile, punteggiata di tenerezza e della determinazione di un padre a proteggere e fare scudo. In "That's What I Could Do" spezza il cuore.

Annie Golden è favolosa nel ruolo (prima) dell’anziana signora che incontra Violet sull’autobus e che è la prima a sperimentare il lato meno amabile di Violet. È perfetta nel suo ritratto di una semplice, ordinaria “normalità” che suona giusta. Poi appare come la prostituta dell’hotel nelle scene di Memphis, dove è spettinata, oltre la disperazione, drogata e sconcertantemente (in ogni senso) bravissima. Magica da guardare.

Eppure, la performance della serata è quella di Joshua Henry. Il suo Flick — sottufficiale nero, amico di Monty, gran lavoratore — è impeccabile. E nel suo straordinario assolo, Let It Sing, ruba letteralmente la scena. I momenti finali di redenzione, per Flick e Violet, funzionano in modo eccezionale. Henry sceglie di trattenere molto della componente emotiva del personaggio, con un effetto formidabile. Sarebbe facile per un attore meno dotato calcare troppo i parallelismi tra la percezione che Flick ha della bellezza della propria pelle e quella che Violet ha della sua; ma Henry trova sempre la nota giusta. Si capisce perfettamente come possa essere stato amico di Monty e, al tempo stesso, disprezzarlo. Anche lui sarà quasi impossibile da battere ai Tony Award.

Uno dei grandi doni qui è che spesso è impossibile distinguere tra musica e parola. Le canzoni sono parte integrante del racconto e c’è musicalità in ogni aspetto della costruzione scenica. È la realizzazione di un’armonia tra testo e partitura.

L’ensemble è piccolo ma eccezionale. L’orchestra guidata da Mark Rafter è dinamica ed emozionante. Le luci di Mark Barton, intelligentemente pensate per creare atmosfera, trasformano con efficacia la scenografia minimalista di David Zinn e, insieme, evocano alla perfezione l’ambiente e il sapore della metà degli anni Sessanta.

Un piccolo gioiello di musical, scolpito nella verità e nel dolore e lucidato da creativi e artisti di straordinaria abilità. Indimenticabile.

Fate di tutto per vederlo.