CRITIQUE : Violet, Théâtre American Airlines ✭✭✭✭✭

Photo : Joan Marcus Violet

Théâtre American Airlines

10 avril 2014

5 Étoiles

À leur meilleur, les comédies musicales peuvent accomplir de nombreuses choses. Elles peuvent éclairer une époque ou une personne particulière, vous aider à comprendre une culture, une philosophie ou une période de changement, provoquer une hilarité revigorante ou simplement vous donner envie de danser. Parfois, rarement il faut le dire, une comédie musicale peut inspirer une compréhension de certaines leçons fondamentales de la vie. Next to Normal était récemment un exemple d'une telle comédie musicale.

Il en va de même pour Violet, qui se joue actuellement au Théâtre American Airlines sur la 42e Rue, une œuvre puissante, assez remarquable avec un livret et des paroles de Brian Crawley et une partition entraînante, évocatrice et passionnante de Jeanine Tesori.

L'histoire est assez simple. En tant que petite fille, Violet a été frappée au visage avec une tête de hache et vit depuis lors avec une grande cicatrice. Enfin, deux cicatrices : le rappel physique de la hache frappant son visage et la cicatrice émotionnelle, la croyance profondément ancrée qu'elle n'est pas belle, qu'elle ne peut pas être aimée, qu'elle sera toujours indésirable. Volontaire, déterminée et autonome, Violet trouve un grand réconfort dans la foi et, au début de la comédie musicale, elle s'apprête à faire un voyage en bus à travers le pays pour rendre visite à un guérisseur télévisuel afin de se débarrasser de sa cicatrice physique. Le voyage s'avère inattendu à tous égards. À la fin, Violet est transformée dans son propre esprit.

Toute personne rationnelle qui voit cette production superbe, dirigée avec perspicacité et décision par Leigh Silverman, devrait être émue, éclairée et remise en question par l'expérience. C'est provocateur et réconfortant à parts égales. Un véritable délice.

Le livret est sobre, piquant, plein d'esprit et débordant de compréhension sur la fragilité et les exigences de la psyché humaine individuelle, sur l'horreur du jugement par les pairs et les nombreuses façons dont chacun de nous peut être cruel, intentionnellement ou non, dans ses interactions quotidiennes. La partition correspond au livret avec une série de mélodies merveilleuses, intensément passionnées et d'hymnes, enveloppant et retraçant le voyage de Violet dans une chaleureuse sonorité et une perspicacité vocale magnifique.

Un casting précis permet à l'œuvre de s'élever.

Sutton Foster n'a jamais été meilleure que dans ce rôle, bien qu'elle ait été magnifique dans d'autres œuvres plus légères. Elle joue Violet sans concession, brute, vicieuse et désespérée. Elle ne porte pas de maquillage, donc la cicatrice est entièrement imaginée, mais la performance précise, détaillée et singulièrement intense de Foster vous laisse voir la cicatrice telle qu'elle la voit : certainement plus horrible qu'elle ne l'aurait jamais été sous forme physique.

Cela est démontré de manière incroyablement belle dans les moments où Violet revient à l'arrêt de bus, convaincue qu'elle a été guérie. Tout le corps de Foster, mais surtout son visage et ses yeux, rayonnent de confiance, d'assurance - de beauté. Puis, lorsque Monty de Colin Donnell la brise en lui disant qu'elle n'a, en fait, pas été guérie, l'esprit de Violet s'effondre sous nos yeux, laissant resurgir la frêle silhouette désolée et détruite qui reprend le contrôle. C'est un moment phénoménal de jeu d'acteur superbe - véridique, dévastateur et alarmant dans son effet.

Mais toute sa performance est ainsi. N'ayant pas peur des coins les plus sombres du personnage, Foster montre toutes les nuances de Violet, du sombre au bonheur. La femme qui lui ravira le Tony Award cette saison devra être incroyablement douée.

Comme toutes les grandes performances, Foster reçoit un soutien et une énergie immaculés grâce à une série de performances intégrales et complémentaires du reste de la distribution.

Dans le rôle de Monty, le soldat incroyablement beau, incroyablement arrogant, incroyablement sexy, incroyablement superficiel et incroyablement égocentrique que Violet rencontre lors de son voyage en bus, Colin Donnell est exceptionnel. Il redéfinit la laideur. C'est une performance merveilleuse, pleine de nuances séduisantes et de dégoût de soi non exprimé. Et la scène finale entre lui et Foster est explosive.

Alexander Gemignani est merveilleux dans le rôle du père de Violet, un homme simple, hanté par la perte de sa femme et par sa réaction à la blessure de sa fille. Il vous laisse voir Violet telle qu'il la voit - un reflet brisé de l'image de sa femme décédée. C'est une performance délicate mais totalement crédible, agrémentée de tendresse et de détermination protectrice d'un père. Il est bouleversant dans "That's What I Could Do".

Annie Golden est fabuleuse d'abord en tant que vieille dame qui rencontre Violet dans le bus et qui est la première à expérimenter le côté moins désirable de Violet. Elle est parfaite dans son portrait de la simple "justesse" ordinaire. Puis elle apparaît en tant que prostituée d'hôtel dans les scènes à Memphis où elle est en lambeaux, au-delà du désespoir, droguée et étonnamment (à tous les sens) bonne. Magique à regarder.

Cependant, la performance de la soirée revient à Joshua Henry. Son personnage Flick, l'officier supérieur noir, ami de Monty, est impeccable. Et dans son solo extraordinaire, "Let It Sing", il est époustouflant. Les derniers moments de rédemption, pour Flick et Violet, fonctionnent extraordinairement bien. Il sous-joue une grande partie du côté émotionnel du personnage avec un grand effet. Il serait facile pour un acteur moins talentueux d'exagérer les parallèles entre la perception que Flick a de la beauté de sa peau et la perception que Violet a de la sienne, mais Henry trouve la bonne note à chaque fois. Il est possible de voir comment il a été l'ami de Monty tout en le détestant en même temps. Encore une fois, il sera quasiment impossible de le battre pour un Tony Award.

Un des grands atouts ici est qu'il est souvent impossible de différencier la musique du discours. Les chansons font partie intégrante du récit et il y a une musicalité dans chaque aspect des scènes. C'est la réalisation de l'harmonie entre texte et partition.

L'ensemble est petit mais exceptionnel. L'orchestre dirigé par Mark Rafter est dynamique et passionnant. L'éclairage astucieux de Mark Barton crée des ambiances qui transforment efficacement le décor minimaliste de David Zinn et ensemble ils évoquent parfaitement l'ambiance et le sens des années soixante.

Un véritable bijou de comédie musicale, taillé dans la vérité et la douleur et poli par des créatifs et artistes avec un talent magnifique. Inoubliable.

Faites tout pour le voir.