CRITIQUE : Violet, Théâtre American Airlines ✭✭✭✭✭

Photo : Joan Marcus Violet

American Airlines Theatre

10 avril 2014

5 étoiles

Les comédies musicales, à leur meilleur, peuvent accomplir de nombreuses choses. Elles peuvent mettre en lumière une époque particulière ou une personne particulière, vous aider à comprendre une culture, une philosophie ou une période de changement, induire une hilarité pleine de vie ou simplement vous donner envie de danser. Parfois, il faut le dire, rarement, une comédie musicale peut inspirer une compréhension de certaines des leçons fondamentales de la vie. Next to Normal était un exemple récent d'une telle comédie musicale.

Violet l'est également, actuellement à l'affiche au American Airlines Theatre sur la 42e rue, une œuvre puissante et tout à fait remarquable avec livre et paroles de Brian Crawley et une partition entraînante, évocatrice et passionnante de Jeanine Tesori.

C'est une histoire assez simple. Petite fille, Violet a été frappée au visage par une tête de hache et depuis, elle vit avec une énorme cicatrice. Eh bien, deux cicatrices : le rappel physique de la hache frappant son visage et la cicatrice émotionnelle, la croyance profondément ancrée qu'elle n'est pas belle, qu'elle ne peut pas être aimée, qu'elle sera toujours indésirable. De nature forte, déterminée et indépendante, Violet trouve grand réconfort dans la foi et, au début de la comédie musicale, est sur le point de prendre un bus à travers le pays pour rendre visite à un guérisseur télévisuel afin de guérir sa cicatrice physique. Le voyage s'avère inattendu à tous points de vue. À la fin, Violet a été transformée dans son esprit.

Toute personne rationnelle qui assiste à cette superbe production, dirigée de manière perspicace et décisive par Leigh Silverman, devrait être émue, éclairée et remise en question par l'expérience. Elle est provocatrice et réchauffante pour le cœur à parts égales. Un vrai régal.

Le livre est détaché, piquant, spirituel et rempli de compréhension de la fragilité et des exigences du psychisme humain individuel, de l'horreur du jugement des pairs et des nombreuses façons dont chacun peut être cruel, volontairement ou non, dans les interactions quotidiennes. La partition accompagne le livre avec une série de mélodies merveilleuses, intensément passionnées et d'hymnes, enveloppant et traçant le voyage de Violet dans un écrin de sonorité glorieuse et d'une perspicacité vocale.

Un casting impeccable aide la pièce à s'élever.

Sutton Foster n'a jamais été meilleure qu'ici, et elle a été magnifique dans d'autres œuvres plus légères. Elle joue Violet sans compromis, brute, vicieuse et désespérée. Elle ne porte pas de maquillage pour que la cicatrice soit entièrement imaginée, mais la performance précise, détaillée et singulièrement intense de Foster vous permet de voir la cicatrice comme elle la voit : qui est certainement plus horrifique qu'elle ne l'aurait jamais été sous forme physique.

Cela est montré de manière choquante et belle lorsque Violet revient à l'arrêt de bus, persuadée qu'elle a été guérie. Tout le corps de Foster, mais surtout son visage et ses yeux, rayonnent de confiance, d'assurance - de beauté. Puis, quand Monty de Colin Donnell lui dit qu'elle n'a pas été guérie, l'esprit de Violet s'effondre sous nos yeux, le spectre hanté, diminué et désolé reprenant le contrôle. C'est un moment phénoménal de jeu d'acteur superbe - véridique, dévastateur et alarmant dans son effet.

Et il en va ainsi pour toute sa performance. N'ayant pas peur des coins les plus sombres du personnage, Foster montre toutes les nuances de Violet, du sombre au bonheur. La femme qui la battra pour le Tony Award cette saison devra être exceptionnellement talentueuse.

Comme toutes les grandes performances, Foster est soutenue de manière impeccable et énergique par une série de prestations intégrales et complémentaires des autres membres de la distribution.

Dans le rôle de Monty, le soldat incroyablement beau, incroyablement arrogant, incroyablement sexy, incroyablement superficiel et incroyablement égoïste que Violet rencontre lors de son voyage en bus, Colin Donnell est exceptionnellement bon. Il redéfinit l'antipathie. C'est une merveilleuse performance, pleine de nuances séductrices et de haine de soi inavouée. Et la scène finale entre lui et Foster est explosive.

Alexander Gemignani est merveilleux en tant que père simple et de campagne de Violet, un homme simple hanté par la perte de sa femme et par sa réaction à la blessure de sa fille. Il vous laisse voir Violet comme il la voit - un reflet brisé de l'image de sa défunte épouse. C'est une performance délicate mais totalement crédible, épicée de tendresse et de la détermination d'un père à protéger et à abriter. Il est déchirant dans "That's What I Could Do".

Annie Golden est fabuleuse en (premier) la vieille dame qui rencontre Violet dans le bus et qui est la première à vivre le côté moins désirable de Violet. Elle est parfaite dans son portrait d'un "droit" ordinaire et simple. Puis elle apparaît comme la prostituée de l'hôtel dans les scènes de Memphis où elle est minable, désespérée au-delà de toute mesure, droguée et étonnamment (dans tous les sens) bonne. Magique à regarder.

Cependant, la performance de la soirée vient de Joshua Henry. Son Flick, l'ami supérieur travailleur et noir de Monty, est impeccable. Et dans son extraordinaire solo, Let It Sing, il est éblouissant. Les moments de rédemption finaux pour Flick et Violet fonctionnent extraordinairement bien. Il sous-joue beaucoup du côté émotionnel du personnage à grand effet. Il serait facile pour un acteur moins doué d'exagérer sur les parallèles entre la perception de Flick de la beauté de sa peau et celle de Violet de la sienne, mais Henry trouve toujours la bonne note. On voit comment il a pu être l'ami de Monty tout en le méprisant. Là encore, il sera presque impossible à battre pour un Tony Award.

L'un des grands cadeaux ici est qu'il est souvent impossible de différencier entre la musique et le discours. Les chansons font partie intégrante du récit et il y a de la musicalité dans tous les aspects des scènes. C'est la réalisation de l'harmonie entre texte et partition.

L'ensemble est petit mais exceptionnel. L'orchestre dirigé par Mark Rafter est dynamique et palpitant. L'éclairage astucieux de Mark Barton, créateur d'humeur, transforme efficacement le décor minimaliste de David Zinn et ensemble ils évoquent parfaitement l'ambiance et le sens des années 1960.

Un bijou parfait de comédie musicale, taillé dans la vérité et la douleur et poli par des créatifs et des artistes avec une habilité magnifique. Inoubliable.

Faites n'importe quoi pour le voir.