RECENSIONE: Casa Valentina, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

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Southwark Playhouse

16 settembre 2015

5 stelle

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Il soffitto è punteggiato di paralumi, chiari, pastello e graziosi. Di quelli con cui tua nonna potrebbe essere morta. La sensazione del passaggio agli anni ’60 è palpabile, non solo per i paralumi, ma anche per il pavimento in parquet e per le tolette d’altri tempi disposte lungo le pareti del teatro. È uno spazio caldo e accogliente, senza dubbio, ma nell’aria si avverte chiaramente qualcosa di “altro”.

In sala risuonano i successi dell’epoca. “Walk Like A Man” è solo uno dei brani frizzanti che si ascoltano. Rami d’albero, privi di fogliame, sporgono nello spazio, suggerendo con naturalezza i Catskills dove si svolge l’azione. C’è una chiazza d’erba verde che richiama l’idea di un portico. Tutto è inequivocabilmente americano, eppure “altro”. Il perché è difficile da spiegare.

Poi diventa chiaro. I paralumi sono tutti diversi; possono essere graziosi, vaporosi o semplici. Offrono al mondo esterno un’immagine deliberata, una scelta consapevole. I paralumi esprimono la personalità e il carattere di chi li possiede. E nascondono tutti una lampadina.

Come metafora per uno spettacolo sul mondo speciale e fragile dell’uomo eterosessuale travestito, questa scenografia è ispirata quanto si possa immaginare. E il calore gentile emanato dai paralumi offre un sottile promemoria della forza di carattere che anima l’azione.

Questo è Casa Valentina, uno spettacolo insolito ma straordinariamente ben scritto, sulle tensioni attorno ai travestiti nei Catskills nel 1962, ora in scena per la prima londinese al Southwark Playhouse. Sembra quasi la settimana di Harvey Fierstein a Londra, con Kinky Boots e Casa Valentina che debuttano a 48 ore di distanza. Anzi, i più spiritosi potrebbero dire che è un caso di Kinky Boots e Kinky Boys, visto che Casa Valentina esamina un gruppo di uomini che ama vestirsi da donna. Due opere molto diverse, eppure con parecchio in comune. In particolare, le narrazioni mostrano perché sia meglio abbracciare la propria vera natura e perché il non farlo possa avere conseguenze devastanti.

Casa Valentina ha avuto una stagione modesta a New York nel 2014 e, con qualche riserva sul casting, è stata una serata a teatro interessante e ben ponderata (Leggi la nostra recensione). In quell’occasione dissi che poteva essere il miglior testo scritto da Fierstein e questa produzione non fa che rafforzare quell’opinione. Non è che ogni volta che si mette in scena un’opera essa possa avere un effetto diverso ma profondamente risonante: eppure con questo testo succede proprio così.

Sotto la regia di Luke Sheppard, Casa Valentina è uno spettacolo su un matrimonio. Tutto ruota attorno alla relazione centrale fra George (Edward Wolstenholme) e Rita (Tamsin Carroll). Il loro è un matrimonio non convenzionale. Lei lo ha sposato sapendo che gli piaceva indossare abiti femminili; anzi, ha incoraggiato e sostenuto questo desiderio perché lo ama. Per lei va bene che, nel loro matrimonio, il suo lato “in abito” sia la ragazza più carina. Accoglie, sostiene e “fa da mamma” agli altri uomini che vengono ad affittare camere nella loro pensione del weekend e liberano la donna che hanno dentro. Un “Weekend in campagna” con una differenza.

Per loro va tutto a meraviglia finché arriva il momento in cui George cerca di cambiare le regole del matrimonio, quando decide di volere qualcosa senza parlarne con Rita. Qualcosa che altera in modo fondamentale i termini della loro unione. In questo caso specifico, ciò che vuole riguarda il suo bisogno di travestirsi, ma la loro relazione è una metafora di tutte le relazioni, ovunque, qualunque sia la loro natura. Fierstein fa un’osservazione semplice: le relazioni di qualsiasi tipo possono fiorire dove ci sono fiducia, onestà e comunicazione. In mancanza di tutto questo, però, l’unica certezza è il dolore.

Inquadrata così, la varietà di vite, atteggiamenti e posizioni degli amici che compongono il loro circolo di cross-dressing è importante perché mostra le pressioni, le tensioni e i desideri che finiscono per far sentire George diversamente riguardo a ciò che vuole.

Tra i travestiti c’è molta gioia e complicità, ma anche un sottofondo di paura e sospetto. Tutti vogliono essere liberi di esprimersi come desiderano, ma sono anche dolorosamente consapevoli di quanto la società guarderebbe con disapprovazione le loro inclinazioni. Alcuni temono di essere giudicati omosessuali; alcuni nascondono la propria sessualità; alcuni conducono vite segrete, escludendo mogli e figli da ciò che li rende felici. Tutti vivono nella paura.

Fierstein crea qui un crogiolo di idee e pensieri. È tutto avvolto in un mare di umorismo e calore autentico, ma in quel mare ci sono scogli insidiosi e ingannevoli, onde che ti faranno rabbrividire così come altre ti faranno sorridere e ridere. È uno spettacolo intelligente e acuto su amore, amicizia e onestà: tre temi che toccano la vita di chiunque.

La scenografia di Justin Nardella è semplice ma assolutamente perfetta, incornicia con delicatezza ed eleganza il mondo di questi desideri nascosti. Andrew Riley offre costumi ingegnosi e piacevolmente adatti, realizzati con un budget ridottissimo, ma funzionano tutti, soprattutto gli ensemble che rendono Gloria (Ashley Robinson) e Charlotte (Gareth Snook) formidabili come “tipi”. La disposizione in tondo comporta molte sfide intrinseche per il lighting design, ma Howard Hudson fa un lavoro eccellente nel gestire le atmosfere attraverso la luce, mentre le scene guizzano e svolazzano lungo tutto lo spettro emotivo.

La scelta di Sheppard di usare la scena in tondo dà risultati alterni. Da un lato c’è un’intimità inevitabile, perfettamente adatta a questo mondo nascosto di desideri segreti e verità non dette. Dall’altro, inevitabilmente, qualche azione chiave si perde perché la pedana circolare fa sì che non tutti in platea possano vedere tutto ciò che accade. Nel complesso, però, ciò che si perde è compensato dalla connessione della vicinanza: è più difficile ignorare i personaggi come persone quando sei così vicino che chiffon e tulle ti sfiorano la spalla mentre ti sfilano accanto.

Sotto altri aspetti, però, la visione di Sheppard non è così nitida e pulita come potrebbe essere. Esiste una differenza tangibile fra drag e travestitismo e questa differenza, centrale in diversi scambi del testo, viene inspiegabilmente sfocata. Questi uomini possono essere “camp”, ma non in senso omosessuale – di nuovo, il testo insiste su questo punto; sono uomini che cercano di essere donne vere, che danno nomi graziosi al loro lato femminile e che (per lo più) non vogliono altro che essere accettati per ciò che sono. Questa mancanza di chiarezza confonde inutilmente i fili narrativi. Penalizza soprattutto Charlotte (Gareth Snook), Terry (Bruce Montague) e Amy (Robert Morgan).

Ma questi aspetti non riducono seriamente l’efficacia della scrittura di Fierstein, soprattutto grazie a un casting impeccabile nei ruoli chiave. Robinson è superbo, incanalando la sua Julianne Moore interiore, nei panni di Gloria, sirena imbronciata dalla figura a clessidra. Fin dall’inizio, Gloria è una massa ribollente di sensualità eccentrica, con una lingua capace di frustare o accarezzare e occhi che non smettono mai di valutare, soppesare e giudicare. Robinson interpreta il ruolo con un’assicurazione controllata e esuberante e, quando arriva il momento, la sua dissezione verbale della ringhiosa Charlotte di Snook è magnifica.

Wolstenholme è altrettanto straordinario come George/Valentina che, con la Rita di Carroll, gestisce la pensione. La coppia stabilisce un forte legame sessuale già nelle prime scene e non c’è dubbio sulla realtà della loro unione. È una scelta particolarmente astuta, e fondamentale perché le scene successive funzionino come dovrebbero. Wolstenholme rende George arrabbiato e frustrato, incerto e segreto; l’esatto opposto della sua Valentina. Questo crea un brivido nella realtà che George sopporta, che risuona per tutto lo spettacolo e illumina le sue relazioni chiave con Rita, Charlotte, Gloria e Amy. È un ritratto ispirato e totalmente convincente di un’anima in crisi.

Nei panni del giovane che visita per la prima volta la pensione, un cross-dresser quasi “vergine”, Ben Deery è fantastico. Combina alla perfezione esitazione ed entusiasmo da ragazzina: il momento in cui appare per la prima volta come Miranda, un po’ come uno scolaretto che mostra per la prima volta la propria divisa, titubante ma speranzoso, è magico. Così come la scena cordiale e splendidamente corale in cui Miranda viene trasformata con un makeover. Esilarante ma piena di cuore. (Lo styling improvvisato della parrucca di Miranda offre a Carroll l’occasione per la gag visiva della serata). Più tardi, quando la facciata si incrina, Deery non cede al melodramma. Traccia un percorso brillante fra un’onestà che si disfa e una paura crescente.

Ognuno fra Morgan, Montague e Matthew Rixon (la Bessie che cita spesso Oscar Wilde, molto divertente) fa un ottimo lavoro, anche se a tratti il desiderio di piacere al pubblico e di far ridere prende il sopravvento sulla linea portante del personaggio. Ma, allo stesso tempo, ciascuno ha momenti di brutale lucidità e osservazioni gratificanti. Il discorso di Montague sul perché non potrebbe mai respingere l’amicizia di un omosessuale è un vero momento clou della serata. Charlie Hayes appare tardi ma in modo dirompente nei panni della figlia di Amy, Eleanor e, in una breve scena pungente, espone con cura la percezione pubblica del travestitismo. Hayes è deliziosamente a disagio.

Snook interpreta Charlotte con un errore di misura. Ne mostra gli eccessi, seppur in modo discontinuo, ma non si avvicina minimamente al tumulto interiore sfilacciato e furioso di questa bruta politica, difensiva e ambiziosa. Un disgusto silenzioso, ribollente e superiore servirebbe meglio il personaggio, soprattutto nello splendido confronto scritto con il giudice Amy (che regala a Morgan il suo momento migliore). La scelta di Snook per una gorgone altezzosa in stile Alexis Colby Carrington ha certamente i suoi vantaggi, ma la scrittura di Fierstein punta a una creazione più particolare. Un caso evidente in cui il “meno” sarebbe “di più”.

Considerando il suo percorso e i successi passati, come Torch Song Trilogy, Hairspray e La Cage Aux Folles, ci si aspetterebbe che il miglior lavoro di Fierstein in Casa Valentina riguardi i personaggi maschili. Questa era senz’altro l’impressione lasciata dalla prima newyorkese: sono i ricordi di Charlotte, Amy, Terry, Gloria e Miranda a prevalere. Ma qui la luminosa Tamsin Carroll mostra chiaramente perché il personaggio più complesso e affascinante sia l’unica vera ragazza della pensione: Rita.

Vestita in modo sensato ma dimesso (il cardigan è un colpo di genio), la Rita di Carroll resta ai margini delle “cose da ragazze”, offrendo al marito sostegno pratico oltre che morale. Aggiusta parrucche, spazzola e stira i vestiti, aiuta con il trucco, cucina e pulisce. Rende questa singolare “casa di sorelle” sicura e speciale. Carroll infonde in Rita una feroce lealtà verso George e le sue “fidanzate”; è vigile, ma complice del divertimento e capace di far sentire a proprio agio le ragazze, di farle andare d’accordo. Stempera i litigi e corregge i malintesi; fa da mamma a tutti. Ostinatamente la ragazza più semplice del gruppo, la Rita di Carroll mostra fino a che punto, e con quanta profondità, il vero amore possa pretendere da chi ne è avvolto.

Carroll e Wolstenholme sono perfetti insieme e tutto nella loro relazione funziona. Allo stesso modo, Carroll stabilisce un legame chiaro con ogni altro personaggio, persino con Charlotte e Miranda, le due persone che Rita incontra per la prima volta mentre la storia si sviluppa. Si capisce sempre da che parte sta Rita, con chi e su che cosa. Quando Rita arriva a dare voce alla sua paura segreta, Carroll è mozzafiato, una sinfonia di disperazione e allarme. Anche se non è Rita a finire in ospedale, così come Carroll la anima, è lei il personaggio che emerge come il più sofferente, il più tragico. L’immagine finale di Rita, piegata in due e scossa da singhiozzi brucianti, è incredibilmente potente. Recitazione nella sua forma più compiuta, più magnetica, più toccante.

È uno spettacolo molto importante e attualissimo. Mette sotto la lente nozioni di uguaglianza in modi raramente discussi o presi in considerazione. È divertente, frivolo, serio e importante tutto insieme. Splendidamente scritto, splendidamente ideato e per lo più splendidamente interpretato, questo è, come direbbe Osric, “un successo palpabile”, molto più efficace, grazie soprattutto a Carroll e Wolstenholme, della produzione originale di New York. Se esiste un minimo di giustizia, verrà trasferito e andrà in scena nel West End o al Dorfman. È uno spettacolo che va visto.

Casa Valentina è in scena al Southwark Playhouse fino al 10 ottobre 2015. Prenota ora