CRITIQUE : Casa Valentina, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

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Southwark Playhouse

16 septembre 2015

5 Étoiles

RÉSERVEZ DES BILLETS

Le plafond est parsemé d'abat-jours, pâles, pastel et jolis. Ceux par lesquels votre grand-mère pourrait être morte. La transition vers les années 1960 est palpable, non seulement en raison des abat-jours, mais aussi du parquet et des coiffeuses anciennes disposées le long des murs du théâtre. C'est un espace chaleureux et confortable, indubitablement, mais quelque chose de « différent » flotte clairement dans l'air.

Des succès de l'époque résonnent dans l'auditorium. « Walk Like A Man » est l'un des numéros percutants joués. Des branches d'arbres, dépourvues de feuillage, s'avancent dans l'espace, suggérant sans effort les Catskills où se déroule l'action. Il y a une parcelle d'herbe verte qui évoque l'idée d'une véranda. Tout est très clairement américain, mais « autre ». Pourquoi semble ineffable.

Et puis cela devient clair. Les abat-jours sont tous individuels ; ils peuvent être jolis, à volants ou simples. Ils présentent une image délibérée au monde extérieur, un choix délibéré. Les abat-jours expriment la personnalité et le caractère de leurs propriétaires. Et ils cachent tous des ampoules.

En tant que métaphore d'une pièce sur le monde spécial et fragile du transvesti hétérosexuel, ce décor est aussi inspiré qu'on pourrait l'imaginer. Et la chaleur douce émise par les abat-jours rappelle subtilement la force de caractère en jeu dans l'action.

Ceci est Casa Valentina, une pièce inhabituelle, mais incroyablement bien écrite, sur les tensions avec les transvestis dans les Catskills en 1962, jouant maintenant sa première saison à Londres au Southwark Playhouse. On a l'impression que c'est la semaine Harvey Fierstein à Londres, avec l'ouverture de Kinky Boots et Casa Valentina en l'espace de 48 heures. En effet, des esprits diront que c'est une affaire de Kinky Boots et de Kinky Boys, car Casa Valentina examine un groupe d'hommes qui aiment se travestir. Les deux œuvres très différentes ont beaucoup en commun. En particulier, les récits démontrent pourquoi il est préférable pour les gens d'embrasser leur véritable soi et pourquoi ne pas le faire peut avoir des répercussions dévastatrices.

Casa Valentina a eu une série modeste à New York en 2014 et, avec quelques réserves concernant le casting, a été une soirée valable et réfléchie au théâtre (Lisez notre critique). J'avais dit à cette occasion que cela pourrait être la meilleure pièce écrite par Fierstein et cette production ne fait que renforcer ce point de vue. Ce n'est pas toujours le cas qu'une pièce puisse avoir un effet différent, mais profondément résonnant, chaque fois qu'elle est produite – mais c'est ainsi avec cette pièce.

Sous la direction de Luke Sheppard, Casa Valentina est une pièce sur un mariage. Tout repose sur la relation centrale entre George (Edward Wolstenholme) et Rita (Tamsin Carroll). Ils ont un mariage non conventionnel. Elle l'a épousé en sachant qu'il aimait s'habiller en vêtements féminins ; en effet, elle a encouragé et soutenu son désir parce qu'elle l'aime. Elle est contente que son soi habillé soit la fille la plus jolie de leur mariage. Elle accueille, soutient et materne les autres hommes qui viennent louer des chambres dans leur maison d'hôtes le week-end et libèrent leur femme intérieure. Un Week-End A La Campagne avec une différence.

Tout est splendide entre eux jusqu'au moment où George essaie de changer les règles de leur mariage, lorsqu'il décide qu'il veut quelque chose sans en parler avec Rita. Quelque chose qui change fondamentalement les termes de leur union. Dans ce cas particulier, ce qu'il veut tourne autour de son besoin de se travestir, mais leur relation est une métaphore pour toutes les relations partout, quelle que soit leur nature. Fierstein fait le point simple que les relations de tout type peuvent prospérer là où il y a confiance, honnêteté et communication. En l'absence de cela, cependant, seule la douleur est certaine.

Encadrée de cette façon, les vies, les attitudes et les positions différentes des amis qui composent leur cercle de travestis sont importantes car elles montrent les pressions, les tensions et les aspirations qui poussent George à se sentir différemment à propos de ce qu'il veut.

Il y a beaucoup de joie et de camaraderie avec les travestis, mais aussi un sentiment sous-jacent de peur et de suspicion. Ils veulent tous être libres de s'exprimer comme ils le souhaitent, mais tous sont profondément conscients de la vue sévère que la société aurait de leurs penchants. Certains ont peur d'être jugés comme homosexuels ; certains cachent leur propre sexualité ; certains mènent des vies cachées, excluant femmes et enfants de ce qui les rend heureux. Tous vivent dans la peur.

Fierstein crée ici un melting-pot pour de nombreuses idées et pensées. Tout est enveloppé dans une mer d'humour et de chaleur honnête, mais il y a des rochers traîtres et duplicitous dans cette mer, des vagues qui vous feront frissonner tout autant que d'autres vous feront sourire et rire. C'est une pièce intelligente et perspicace sur l'amour, l'amitié et l'honnêteté - trois sujets qui touchent n'importe quelle vie.

Le décor de Justin Nardella est simple mais absolument parfait, cadrant le monde de ces désirs cachés avec douceur mais élégance. Andrew Riley fournit des costumes astucieux et charmants avec un budget serré, mais ils fonctionnent tous, surtout les ensembles qui font de Gloria (Ashley Robinson) et Charlotte (Gareth Snook) des types formidables. Mettre en scène en rond présente de nombreux défis inhérents pour les concepteurs d'éclairage, mais Howard Hudson fait un excellent travail en gérant l'humeur à travers la lumière, alors que les scènes passent et flottent à travers le spectre émotionnel.

La décision de Sheppard d'utiliser le mode en rond donne des dividendes mitigés. D'une part, il y a une intimité inévitable qui convient parfaitement à ce monde caché de désirs secrets et de vérités non dites. D'autre part, inévitablement, certaines actions clés sont manquées car la plateforme circulaire signifie que tout le monde dans le public ne peut pas tout voir se produire. En équilibre, cependant, ce qui est perdu est compensé par la connectivité de la proximité : il est plus difficile d'ignorer les personnages en tant que personnes lorsque vous êtes assez près pour que chiffon et tulle caressent votre épaule alors qu'ils défilent près de vous.

À d'autres égards, cependant, la vision de Sheppard ici n'est pas aussi nette et propre qu'elle pourrait l'être. Il y a une différence tangible entre le drag et le travestisme et cette différence, clé de plusieurs échanges dans la pièce, est inexplicablement brouillée. Ces hommes pourraient être efféminés, mais pas dans le sens homosexuel - encore une fois, le texte insiste sur ce point ; ce sont des hommes qui s'efforcent d'être de vraies femmes, qui donnent de jolis noms à leur côté féminin, et qui (principalement) ne veulent rien de plus que d'être acceptés pour ce qu'ils sont. Ce manque de clarté brouille inutilement les fils narratifs. Cela nuit particulièrement à Charlotte (Gareth Snook), Terry (Bruce Montague) et Amy (Robert Morgan).

Mais ces problèmes ne diminuent pas sérieusement l'efficacité de l'écriture de Fierstein, surtout grâce au casting impeccable dans les rôles clés. Robinson est superbe, canalisant son Julianne Moore intérieur, en tant que sirène avec la figure en sablier, Gloria. Dès le début, Gloria est une masse bouillonnante d'excentricité sensuelle, avec une langue qui peut fouetter ou caresser et des yeux qui ne cessent jamais d'évaluer, d'apprécier et de juger. Robinson joue le rôle avec une assurance juvénile contrôlée et, quand cela vient, sa dissection verbale de la grinçante Charlotte de Snook est magnifique.

Wolstenholme est tout aussi superbe comme George/Valentina qui, avec la Rita de Carroll, dirige la maison d'hôtes. Le couple établit un lien fort et sexuel dès le début de la pièce et il n'y a aucun doute sur la réalité de leur union. C'est particulièrement intelligent, et très important si les scènes ultérieures doivent fonctionner comme elles le pourraient. Wolstenholme rend George en colère et frustré, incertain et secret ; le complet opposé de sa Valentina. Cela fournit une frisson pour la réalité que George endure qui résonne tout au long de la pièce et éclaire ses relations clés avec Rita, Charlotte, Gloria et Amy. C'est un portrait inspiré et entièrement convaincant d'une âme en crise.

En tant que jeune homme qui visite la maison d'hôtes pour la première fois, un travesti presque virgin, Ben Deery est formidable. Il associe hésitation et enthousiasme de jeune fille à la perfection : le moment où il apparaît pour la première fois en tant que Miranda, un peu comme un écolier exhibant son uniforme pour la première fois, hésitant mais plein d'espoir, est magique. Tout comme la scène conviviale et splendide où Miranda se fait relooker. Hilarant mais plein de cœur. (La coiffure non pratiquée de la perruque de Miranda offre à Carroll l'occasion du gag visuel de la soirée).

Chacun de Morgan, Montague et Matthew Rixon (le très drôle récitant souvent Oscar Wilde, Bessie) fait un bon travail, bien qu'occasionnellement les discours de Montague sur pourquoi il ne pourrait jamais repousser l'amitié d'un homosexuel soient un véritable moment fort de la soirée. Charlie Hayes fait une apparition tardive mais remarquable en tant que fille d'Amy, Eleanor, et dans une scène courte mais percutante, elle expose avec soin la perception publique du travestisme. Hayes est délicieusement inconfortable.

Snook juge mal Charlotte en tant que personnage. Les extrémités sont montrées, quoique de manière incohérente, mais il ne va nulle part, surtout dans la confrontation merveilleusement écrite avec le juge Amy (qui offre à Morgan son moment de gloire). L'option de Snook d'une gorgone privilégiée à la Alexis Colby Carrington a certainement ses avantages, mais l'écriture de Fierstein concerne une création plus spéciale. Définitivement un cas où Moins serait Plus.

Compte tenu de ses antécédents et de ses succès passés, tels que Torch Song Trilogy, Hairspray et La Cage Aux Folles, on pourrait s'attendre au meilleur travail de Fierstein. Mais ici, la rayonnante Tamsin Carroll montre clairement pourquoi le personnage le plus complexe et fascinant est la seule vraie fille du pavillon de chasse : Rita.

Carroll, habillée sobrement mais modestement (le cardigan est un coup de maître), son personnage, Rita, plane en marge des préparatifs de fête des filles, fournissant à son mari un soutien à la fois pratique et moral. Elle répare des perruques, aère et repasse des robes, aide au maquillage, aide les filles à se sentir à l'aise, à bien s'entendre. Elle désamorce les disputes et corrige les malentendus ; elle materne chacun. Déterminée à être la fille la plus simple de la bande, la Rita de Carroll montre les longueurs et les profondeurs que le véritable amour exige de celle prise dans son étreinte.

Carroll et Wolstenholme sont parfaits ensemble et tout dans leur relation fonctionne. Également, Carroll établit un lien clair avec chaque personnage et sur tout. Quand Rita vient à articuler sa peur secrète, Carroll est à couper le souffle, une symphonie de désespoir et d'effroi. Bien que ce ne soit pas Rita qui finisse à l'hôpital, comme animée par Carroll, elle est le personnage qui s'avère être le plus souffrant, le plus tragique. La dernière image de Rita, pliée en deux et secouée de sanglots piquants, est incroyablement puissante. Une performance à son apogée, la plus captivante, la plus touchante.

Écrit magnifiquement, magnifiquement conçu et principalement magnifiquement joué, c'est, comme le dirait Osric, "un succès palpable", bien plus efficace, grâce à Carroll et Wolstenholme en particulier, que la production originale de New York. S'il y a une justice, elle sera transférée et jouée dans le West End ou au Dorfman. C’est une pièce qui doit être vue.

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