CRÍTICA: Casa Valentina, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

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Southwark Playhouse

16 de setembro de 2015

5 Estrelas

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O teto está salpicado de abat-jours, claros, em tons pastel e delicados. Do tipo com que a sua avó talvez pudesse morrer. A sensação de transição para os anos 60 é palpável — não só por causa dos abat-jours, mas também do soalho em parquet e das toucadoras à moda antiga dispostas junto às paredes do teatro. É um espaço quente e acolhedor, sem dúvida, mas há claramente algo “diferente” no ar.

Sucessos da época fazem-se ouvir na sala. “Walk Like A Man” é apenas um dos temas animados que tocam. Ramos de árvores, sem folhagem, avançam pelo espaço, sugerindo sem esforço os Catskills onde decorre a ação. Há um retalho de relva verde que evoca a sensação de um alpendre. Tudo é muito claramente americano e, ainda assim, “outro”. O porquê parece inefável.

E então fica claro. Os abat-jours são todos individuais; podem ser bonitos, com folhos, ou simples. Apresentam ao mundo exterior uma imagem deliberada — uma escolha consciente. Os abat-jours exprimem a personalidade e o carácter dos seus donos. E todos escondem lâmpadas.

Como metáfora para uma peça sobre o mundo especial e frágil do homem heterossexual travestido, este cenário é tão inspirado quanto se poderia imaginar. E o calor suave que os abat-jours emanam oferece um lembrete subtil da força de carácter em jogo na ação.

Isto é Casa Valentina, uma peça invulgar, mas incrivelmente bem escrita, sobre tensões em torno de travestis nos Catskills em 1962, agora em temporada de estreia em Londres no Southwark Playhouse. Parece que é a semana de Harvey Fierstein em Londres, com Kinky Boots e Casa Valentina a estrearem com apenas 48 horas de diferença. De facto, os mais espirituosos poderão dizer que é um caso de Kinky Boots e Kinky Boys, já que Casa Valentina examina um grupo de homens que gosta de vestir roupa feminina. As duas obras, muito diferentes, têm bastante em comum. Em particular, as narrativas mostram porque é melhor as pessoas abraçarem o seu verdadeiro eu — e porque não o fazer pode ter repercussões devastadoras.

Casa Valentina teve uma temporada modesta em Nova Iorque em 2014 e, com algumas reservas quanto ao elenco, foi uma noite de teatro valiosa e ponderada (Leia a nossa crítica). Disse nessa ocasião que esta poderia ser a melhor peça que Fierstein escreveu e esta produção apenas reforça essa opinião. Não é verdade que, sempre que uma peça é montada, possa ter um efeito diferente e profundamente ressonante — mas é isso que acontece com esta peça.

Com encenação de Luke Sheppard, Casa Valentina é uma peça sobre um casamento. Tudo gira em torno da relação central entre George (Edward Wolstenholme) e Rita (Tamsin Carroll). Têm um casamento pouco convencional. Ela casou com ele sabendo que ele gostava de vestir roupa de mulher; aliás, fomentou e apoiou esse desejo porque o ama. Está satisfeita por o seu eu de vestido ser a rapariga mais bonita do casamento. Ela acolhe, apoia e “materniza” os outros homens que vêm alugar quartos na casa de hóspedes de fim de semana e libertar a mulher que têm dentro de si. Um fim de semana no campo — mas com uma diferença.

Tudo é esplêndido entre eles até ao momento em que George tenta mudar as regras do casamento, quando decide que quer algo sem o discutir com Rita. Algo que altera fundamentalmente os termos da união. Neste caso em particular, o que ele quer prende-se com a sua necessidade de se travestir, mas a relação deles é uma metáfora para todas as relações, de qualquer natureza. Fierstein faz o ponto simples de que relações de qualquer tipo podem florescer onde há confiança, honestidade e comunicação. Na ausência disso, porém, só a dor é certa.

Enquadradas assim, as diferentes vidas, atitudes e posições dos amigos que compõem o círculo de travestis são importantes porque mostram as pressões, as tensões e os anseios que levam George a sentir-se de forma diferente em relação ao que quer.

Há muita alegria e camaradagem entre os travestis, mas também uma sensação subjacente de medo e suspeita. Todos querem ser livres para se expressarem como desejam, mas todos estão agudamente conscientes da visão negativa que a sociedade teria das suas inclinações. Alguns têm medo de serem julgados como homossexuais; alguns escondem a sua própria sexualidade; alguns levam vidas ocultas, excluindo as mulheres e os filhos daquilo que os faz felizes. Todos vivem com medo.

Fierstein cria aqui um caldeirão de muitas ideias e pensamentos. Está tudo embrulhado num mar de humor e calor humano sincero, mas há rochedos traiçoeiros e dúbios nesse mar — vagas que o farão estremecer, tal como outras o farão sorrir e rir. É uma peça inteligente e perspicaz sobre amor, amizade e honestidade — três temas que tocam qualquer vida.

O cenário de Justin Nardella é simples mas absolutamente perfeito, enquadrando com delicadeza e elegância o mundo destes desejos escondidos. Andrew Riley oferece figurinos inteligentes e devidamente encantadores com um orçamento apertado, mas tudo funciona, sobretudo os conjuntos que tornam Gloria (Ashley Robinson) e Charlotte (Gareth Snook) imponentes enquanto “tipos”. A encenação em arena traz muitos desafios inerentes para os designers de luz, mas Howard Hudson faz um excelente trabalho a gerir o ambiente através da luz, enquanto as cenas cintilam e tremulam pelo espectro emocional.

A decisão de Sheppard de usar o formato em arena dá resultados mistos. Por um lado, há uma intimidade inevitável que se adequa na perfeição a este mundo escondido de desejos secretos e verdades não ditas. Por outro, inevitavelmente perde-se alguma ação-chave porque a plataforma circular significa que nem todos na plateia conseguem ver tudo o que acontece. Ainda assim, no balanço geral, o que se perde é compensado pela ligação da proximidade: é mais difícil ignorar as personagens como pessoas quando se está perto o suficiente para que o seu chiffon e tule lhe rocem no ombro enquanto desfilam ao seu lado.

Noutros aspetos, porém, a visão de Sheppard aqui não é tão nítida e limpa quanto poderia ser. Há uma diferença tangível entre drag e travestismo e essa diferença — central em várias trocas de falas na peça — é inexplicavelmente esbatida. Estes homens podem ser extravagantes, mas não no sentido homossexual — novamente, o texto insiste nesse ponto; são homens que se esforçam por ser mulheres reais, que dão nomes bonitos ao seu lado feminino e que (na maioria) não querem nada mais do que ser aceites pelo que são. Esta falta de clareza confunde desnecessariamente os fios narrativos. Prejudica, em particular, Charlotte (Gareth Snook), Terry (Bruce Montague) e Amy (Robert Morgan).

Mas estes problemas não diminuem seriamente a eficácia da escrita de Fierstein, sobretudo por causa de um elenco irrepreensível nos papéis-chave. Robinson é soberbo, canalizando a sua Julianne Moore interior, como a sereia de figura ampulheta e beicinho, Gloria. Desde o início, Gloria é uma massa fervilhante de excentricidade sensual, com uma língua que tanto pode chicotear como acariciar e olhos que nunca deixam de avaliar, apreciar e julgar. Robinson interpreta o papel com uma segurança controlada e exuberante e, quando chega o momento, a sua dissecação verbal da Charlotte rosnante de Snook é magnífica.

Wolstenholme é igualmente soberbo como George/Valentina que, com a Rita de Carroll, gere a casa de hóspedes. O par estabelece cedo na peça uma forte ligação sexual e não há como duvidar da realidade da sua união. Isto é especialmente inteligente — e muito importante para que as cenas posteriores funcionem como devem. Wolstenholme faz de George alguém zangado e frustrado, inseguro e reservado; o completo oposto da sua Valentina. Isto cria um arrepio na realidade que George suporta, que ressoa ao longo da peça e lança luz sobre as suas relações-chave com Rita, Charlotte, Gloria e Amy. É um retrato inspirado e totalmente convincente de uma alma em crise.

No papel do jovem que visita a casa de hóspedes pela primeira vez, um travesti quase virgem, Ben Deery é fantástico. Combina hesitação com entusiasmo de rapariga na perfeição: o momento em que surge pela primeira vez como Miranda, um pouco como um miúdo a exibir o uniforme pela primeira vez, hesitante mas esperançoso, é mágico. Assim como a cena afável e maravilhosamente comunitária em que Miranda recebe uma transformação. Hilariantemente divertida, mas cheia de coração. (O penteado de peruca pouco treinado de Miranda dá a Carroll uma oportunidade para a gag visual da noite.) Mais tarde, quando a fachada racha, Deery não cai no melodrama. Conduz brilhantemente o percurso entre uma honestidade a desfazer-se e um medo crescente.

Cada um de Morgan, Montague e Matthew Rixon (a Bessie, muitas vezes muito engraçada, que cita Oscar Wilde) faz um bom trabalho, embora ocasionalmente o desejo de ser querido pelo público e de ser engraçado se sobreponha ao fio condutor da personagem. Mas, ainda assim, cada um tem momentos de brutal perspicácia e observação gratificante. O discurso de Montague sobre por que razão nunca poderia rejeitar a amizade de um homossexual é um verdadeiro ponto alto da noite. Charlie Hayes faz uma aparição tardia mas confrontante como a filha de Amy, Eleanor, e numa curta cena mordaz expõe cuidadosamente a perceção pública sobre o travestismo. Hayes é deliciosamente desconfortável.

Snook avalia mal Charlotte como personagem. As extremidades são mostradas, embora de forma inconsistente, mas ele não se aproxima sequer do tumulto interior esfarrapado e furioso desta bruta política, defensiva e ambiciosa. Uma repulsa superior, silenciosa e a ferver serviria melhor esta personagem, especialmente no confronto maravilhosamente escrito com o Juiz Amy (que dá a Morgan o seu melhor momento). A opção de Snook por uma górgona pretensiosa à Alexis Colby Carrington tem certamente as suas vantagens, mas a escrita de Fierstein trata de uma criação mais especial. Definitivamente, um caso em que Menos seria Mais.

Tendo em conta o seu percurso e sucessos anteriores, como Torch Song Trilogy, Hairspray e La Cage Aux Folles, esperar-se-ia que o melhor trabalho de Fierstein em Casa Valentina estivesse nos personagens masculinos. Essa foi certamente a impressão deixada pela estreia em Nova Iorque: são as memórias de Charlotte, Amy, Terry, Gloria e Miranda que prevalecem. Mas aqui, a radiante Tamsin Carroll mostra claramente por que razão a personagem mais complexa e fascinante é a única rapariga genuína da pensão: Rita.

Vestida com sensatez, mas de forma apagada (o casaco de malha é um golpe de mestre), a Rita de Carroll paira nas margens das atividades femininas, dando ao marido apoio prático e moral. Ela arranja perucas, areja e passa vestidos, ajuda com a maquilhagem, cozinha e limpa. Faz desta irmandade singular um lugar seguro e especial. Carroll infunde em Rita uma lealdade feroz a George e às suas “namoradas”; está vigilante, mas cúmplice na diversão e exímia a fazer com que as raparigas se sintam à vontade e se entendam. Ela apazigua discussões e corrige mal-entendidos; trata todos como uma mãe. Determinadamente a rapariga mais simples do grupo, a Rita de Carroll mostra até que ponto o verdadeiro amor exige de quem fica preso no seu abraço.

Carroll e Wolstenholme são perfeitos juntos e tudo na sua relação funciona. Da mesma forma, Carroll estabelece uma ligação clara com todas as outras personagens, até com Charlotte e Miranda, as duas pessoas que Rita conhece pela primeira vez à medida que a peça avança. Sabe-se onde Rita está com toda a gente e em relação a tudo. Quando Rita passa a articular o seu medo secreto, Carroll é de cortar a respiração, uma sinfonia de desespero e alarme. Embora não seja Rita quem acaba no hospital, tal como ganha vida por Carroll, é ela a personagem que surge como a que mais sofreu, a mais trágica. A imagem final de Rita, dobrada e convulsionada por soluços ardentes, é incrivelmente poderosa. Interpretação no seu nível mais completo, mais cativante, mais comovente.

Esta é uma peça muito importante e oportuna. Coloca a lupa sobre noções de igualdade de formas raramente discutidas ou sequer contempladas. É engraçada, frívola, séria e importante — tudo ao mesmo tempo. Lindamente escrita, lindamente concebida e, na sua maioria, lindamente interpretada, esta é, como diria Osric, “um êxito palpável”, muito mais eficaz — graças sobretudo a Carroll e Wolstenholme — do que a produção original de Nova Iorque. Se houver alguma justiça, fará transferência e será apresentada no West End ou no Dorfman. É uma peça que precisa de ser vista.

Casa Valentina está em cena no Southwark Playhouse até 10 de outubro de 2015. Reserve já