RESENHA: Casa Valentina, Teatro Samuel J Friedman ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (da esquerda), John Cullum, Gabriel Ebert e Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13 de Abril de 2014

4 Estrelas

Estamos em 1962 e a memória das caças às bruxas de McCarthy ainda está quente e fétida. Em uma pequena pensão nas Montanhas Catskill, um grupo de homens se reúne para um final de semana de diversão elegante. Cada homem é casado, mas cada um abriga uma paixão por se vestir com roupas femininas, completas com maquiagem, perucas e saltos. Estas são "mulheres" felizes e elegantes, feitas por si mesmas. Alguns deles se conhecem há anos e todos são amigos. A esposa de um dos homens, o homem que possui a pensão, está lá com eles, animando-os, encorajando sua liberação pessoal particular.

Para este grupo chegam dois estranhos. Um é um novato, dando seus primeiros passos hesitantes no mundo do travestismo. O outro é um veterano, um travesti de carreira que tem uma agenda política para aumentar o perfil e a aceitação geral na sociedade de homens como ele.

Essa é a trama de Casa Valentina, uma nova peça de Harvey Fierstein, agora estreando no Samuel J Friedman Theatre na Broadway em uma produção dirigida por Joe Mantello. Entre eles, Mantello e Fierstein estiveram envolvidos ou foram responsáveis por praticamente todas as peças gay importantes nos últimos cinquenta anos de teatro americano.

No entanto, Casa Valentina não é tal peça.

Longe disso.

É uma peça sobre um mundo completamente diferente e, curiosamente, que parece em desacordo com o mantra de aceitação que permeia, ou parece permear, a cultura gay. Mas é importante lembrar que a peça se passa em 1962 e que os personagens expressam pontos de vista que antecedem, principalmente, os anos 60 de amor livre, Stonewall, as crises de AIDS e as campanhas pela aceitação do casamento gay.

É aquela rara fera teatral: uma peça calorosa e engraçada, às vezes hilária, cheia de personagens interessantes, que muda de tom rapidamente e mergulha em um lugar escuro, ameaçador e de traição.

Mantello dirige as cenas com grande amor e cuidado. O belo cenário de Scott Pask apresenta várias penteadeiras e espelhos e, diante deles, em vários estados de desmonto, os homens transformam-se em seus alter egos femininos assim que a peça começa. É um início deliberadamente belo e envolve os acontecimentos em um sentido de gentileza do velho mundo que é confortante tanto pelas memórias que evoca (todos tinham uma mãe com uma penteadeira como aquela) quanto pela distância que cria entre o presente e a peça.

A peça é belamente escrita na maior parte, embora pareça um pouco longa. Há muitas frases de efeito excelentes, mas também há uma sensação de bonomia que permeia a escrita e que é crucial para o sucesso da peça.

No primeiro ato, as "meninas" estabelecidas se unem para dar uma transformação feminina à novata recruta, Miranda, e essa cena é um dos momentos mais alegres e comoventes no teatro atualmente em um palco da Broadway. Brilha com generosidade e um desejo comum e compartilhado por feminilidade.

Mas não é apenas na felicidade que a escrita de Fierstein se destaca. Ele também entende a dor e isso é claramente retratado. E ele escreve argumentações difíceis bem, com clareza e detalhes cruéis. Assim, as surpresas do roteiro têm uma ameaça e efeito real.

O elenco, na sua maioria acertado, ajuda consideravelmente.

John Cullum, um veterano da Broadway (tendo aparecido originalmente na produção original de Camelot), é simplesmente maravilhoso como a matrona mais velha Terry. Ele acerta todas as linhas engraçadas que recebe, mas também brilha quando o foco dramático está sobre ele. Seu discurso sobre por que ele nunca se voltaria contra a comunidade homossexual que lhe proporcionou amizade e conforto em tempos de desespero solitário é uma aula magistral em entrega dramática sutil e excelente.

O versátil Nick Westrate é magnífico como a ruiva ardente, Gloria, toda saia rodada, cintura esguia e saltos altos. Firme e implacável, Westrate faz de Gloria uma verdadeira força da natureza. Sua altercação com seu anfitrião é um dos destaques da noite e me lembrarei por muito tempo do arrepio que percorreu minha espinha enquanto falava sobre "saquear os corpos" das meninas que teve na Universidade. É uma performance verdadeira, vigorosa e completamente completa. Maravilhosa em todos os sentidos.

Tom McGowan, como a amigável e gorda Bessie, aquela com coração de ouro e uma queda por citar Oscar Wilde, a que é soldado de carreira em sua vida masculina, é um turbilhão de chiffon, batom e alegria de coração na manga. Mas ele pode mudar como uma saia envolvente, e ele faz isso, tanto para efeito cômico quanto dramático. Outra performance deliciosa que nunca cai em paródia.

O papel mais difícil, o do respeitado Juiz durante o dia, Amy nos finais de semana, o homem com uma esposa e filha que detestam seu lado feminino, o homem que pode ser quebrado por um momento de fraqueza, vai para Larry Pine que é bastante maravilhoso como Juiz/Amy. Sua mente legal afiada é clara quando sua peruca cacheada marrom não está colocada, mas assim que está, Amy tem o controle e não o deixa ir. Ele oferece um estudo luminoso de sensibilidade presa, desejo encerrado, confiança tola nos outros.

Mas a performance de bravura da noite é entregue por Reed Birney, que interpreta Charlotte, a política de carreira em um vestido; aquela que veste um terno de negócios laranja, fuma em cadeia, bebe martinis de gim - aquela que poderia ter sido sua professora de piano ou de história ou a enfermeira do consultório médico local. A completa personificação da eficiência feminina, Charlotte é tão vil e dissimulada - e totalmente, autojustificadamente indignada - quanto se poderia esperar e Birney explora tudo isso sem esforço. Ele é especialmente arrepiante e extraordinário em um longo discurso impecavelmente entoado onde destrói a vida de uma das outras "meninas" ali presentes. É uma performance sutil e não sutil ao mesmo tempo, o que pode soar como uma contradição em termos, mas na verdade é a chave para o trabalho espantoso que ele faz aqui. Atuação tão boa quanto se pode ser.

O personagem de Birney é quem aponta algumas das questões centrais da peça: a diferença entre homossexualidade e se vestir; a incapacidade do público de ver nuances na atividade de gênero, de diferenciar entre homem, mulher e homens que querem se vestir como mulheres, de tolerar aquilo que é diferente. Ele tem um discurso maravilhoso onde seu personagem opina que em 40 anos (mais ou menos agora) os homossexuais ainda estarão se esgueirando nas sombras, enquanto os homens vestidos como mulheres serão tão onipresentes e aceitos quanto fumar. É interessante contemplar como o mundo poderia ter sido diferente se seu personagem tivesse conseguido o que queria (nos eventos da vida real com que esta peça brinca).

Como a novata, Miranda, Gabriel Ebert também é excelente. Seu senso de apreensão e medo absoluto é palpável, transformando-se em genuína empolgação e felicidade desenfreada após sua transformação. A transição é genuinamente comovente de se vivenciar e o que acontece no Ato Dois é ainda mais poderoso pelo prazer que ele traz para o Ato Um. Sua cena final, incrivelmente triste e comovente, é brutal, de partir o coração e absolutamente correta.

Mas nem tudo são rosas. Os proprietários da pousada onde tudo acontece, esposos Rita e George, Mare Winningham e Patrick Page respectivamente, não funcionam nem individualmente nem como casal. Winningham é muito sútil, muito imprecisa para ser eficaz como Rita, uma mulher que, em qualquer ponto de vista, fez escolhas deliberadas e escolheu caminhos claros. Insossa ela não é.

Page não parece real, especialmente quando contrastado com as outras irmãs da Irmandade. Ele não parece estar em casa com seu Id feminino, o que é uma dificuldade considerável, já que todo o clímax da peça gira em torno de sua necessidade de se apegar à sua persona feminina.

A peça seria muito mais uma pólvora de possibilidades dramáticas se esses dois personagens fossem interpretados por atores com mais disposição para se perderem nas pessoas particulares que esses papéis são - exatamente da mesma maneira que o restante do elenco o faz.

Foi singularmente revelador que Page sempre parecia desconfortável e masculino como Valentina, o alter ego de George. Ele precisa ser tão incansavelmente feminino quanto os outros e, igualmente, o mesmo deve ser feito com Rita de Winningham. Ela está interpretando uma das únicas duas mulheres, e seu personagem é vivo, pensativo e sensível, um contraste completo com a outra (Lisa Emery como uma fria, incendiária e morta por dentro filha do Juiz) - Winningham, no entanto, opta por um vazio indiferente quando realmente, ela está interpretando o único personagem que fez escolhas e se apegou a elas constantemente, não apenas aos fins de semana, sua vida inteira.

Rita Ryack fornece figurinos maravilhosos, e o design de cabelo, peruca e maquiagem de Jason P Hayes é ótimo. A época é clara, as cores vibrantes e a sensação de feminilidade inclusiva é bastante deliciosa. Justin Townsend ilumina tudo de forma bastante delicada, lindamente - induzindo reflexão tocante ou felicidade sábia com um toque do interruptor. É uma iluminação cuidadosa e profundamente perspicaz que adiciona imensamente à força da produção.

Esta pode ser a melhor peça que Fierstein já escreveu.

Certamente é instigante e lança um foco sobre uma subcultura que raramente ganha os holofotes. É pensativa e inteligente, espirituosa e abrasadora. Precisa de um elenco uniformemente exemplar e, nesse único aspecto, a produção de Mantello não faz justiça.