KRITIK: Casa Valentina, Southwark Playhouse ✭✭✭✭✭

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Southwark Playhouse

16. September 2015

5 Sterne

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Die Decke ist übersät mit Lampenschirmen – blass, pastellig und hübsch. Die Art, an der deine Grossmutter gestorben sein könnte. Das Gefühl des Übergangs in die 1960er ist greifbar – nicht nur wegen der Schirme, sondern auch wegen des Parkettbodens und der altmodischen Schminktische, die an den Wänden des Theaters aufgereiht sind. Es ist zweifellos ein warmer, gemütlicher Raum, aber etwas „Anderes“ liegt ganz eindeutig in der Luft.

Hits aus der Zeit dröhnen in den Zuschauerraum. „Walk Like A Man“ ist nur eine der munteren Nummern, die laufen. Baumäste, ohne Laub, ragen in den Raum hinein und evozieren mühelos die Catskills, wo die Handlung spielt. Da ist ein Stückchen grünes Gras, das das Gefühl einer Veranda heraufbeschwört. Alles ist sehr eindeutig amerikanisch – und doch „anders“. Warum, lässt sich kaum in Worte fassen.

Und dann wird es klar. Lampenschirme sind alle individuell; sie können hübsch, rüschig oder schlicht sein. Sie zeichnen bewusst ein Bild für die Aussenwelt – eine bewusste Entscheidung. Lampenschirme drücken Persönlichkeit und Charakter ihrer Besitzer aus. Und sie alle verbergen Glühbirnen.

Als Metapher für ein Stück über die besondere und fragile Welt des heterosexuellen, transvestitischen Mannes ist dieses Bühnenbild so inspiriert, wie man es sich nur wünschen kann. Und die sanfte Wärme, die die Lampenschirme verströmen, erinnert subtil an die Charakterstärke, die in der Handlung am Werk ist.

Das ist Casa Valentina – ein ungewöhnliches, aber unglaublich schön geschriebenes Stück über Spannungen rund um Transvestiten in den Catskills im Jahr 1962, das nun seine Londoner Premiere im Southwark Playhouse feiert. Es fühlt sich an wie Harvey-Fierstein-Woche in London, da sowohl Kinky Boots als auch Casa Valentina innerhalb von 48 Stunden eröffnen. Witzbolde könnten sogar sagen, es sei ein Fall von Kinky Boots und Kinky Boys – denn Casa Valentina betrachtet eine Gruppe von Männern, die sich gern in Frauenkleidung kleiden. Die beiden sehr unterschiedlichen Arbeiten haben einiges gemeinsam. Vor allem zeigen die Geschichten, warum es für Menschen am besten ist, ihr wahres Selbst anzunehmen – und warum es verheerende Folgen haben kann, wenn man das nicht tut.

Casa Valentina hatte 2014 in New York eine eher bescheidene Laufzeit und war – bei einigen Vorbehalten beim Casting – ein lohnender, nachdenklicher Theaterabend (Lesen Sie unsere Kritik). Damals sagte ich, dies könnte das beste Stück sein, das Fierstein geschrieben hat – und diese Produktion bekräftigt diese Ansicht nur. Es ist nicht so, dass ein Stück bei jeder Neuinszenierung zwangsläufig eine andere, aber tief nachhallende Wirkung entfaltet – doch bei diesem Stück ist es so.

Unter der Regie von Luke Sheppard ist Casa Valentina ein Stück über eine Ehe. Alles dreht sich um die zentrale Beziehung zwischen George (Edward Wolstenholme) und Rita (Tamsin Carroll). Sie führen eine unkonventionelle Ehe. Sie hat ihn geheiratet, obwohl sie wusste, dass er gern Frauenkleider trägt; ja, sie hat seinen Wunsch sogar gefördert und unterstützt, weil sie ihn liebt. Sie ist zufrieden damit, dass sein kleidertragendes Ich das hübscheste Mädchen in ihrer Ehe ist. Sie heisst die anderen Männer willkommen, unterstützt und bemuttert sie – Männer, die Zimmer in ihrem Wochenend-Gästehaus mieten, um ihre innere Frau herauszulassen. Ein Weekend In The Country – mit einem Unterschied.

Alles ist prächtig zwischen ihnen – bis zu dem Moment, in dem George versucht, die Regeln ihrer Ehe zu ändern, als er beschliesst, etwas zu wollen, ohne es mit Rita zu besprechen. Etwas, das die Bedingungen ihrer Verbindung grundlegend verändert. In diesem konkreten Fall hängt sein Wunsch mit seinem Bedürfnis zusammen, sich in Frauenkleidung zu kleiden; doch ihre Beziehung ist eine Metapher für alle Beziehungen überall, ganz gleich welcher Art. Fierstein macht den einfachen Punkt, dass Beziehungen jeder Art dort aufblühen können, wo Vertrauen, Ehrlichkeit und Kommunikation herrschen. Fehlt das, ist jedoch nur eines sicher: Schmerz.

So gerahmt, sind die unterschiedlichen Leben, Haltungen und Positionen der Freunde, die ihren Cross-Dressing-Kreis bilden, wichtig – weil sie die Drucksituationen, Belastungen und Sehnsüchte zeigen, die dazu führen, dass George anders darüber denkt, was er will.

Es gibt viel Freude und Kameradschaft unter den Cross-Dressern – aber auch ein unterschwelliges Gefühl von Angst und Misstrauen. Sie alle wollen frei sein, sich so auszudrücken, wie sie möchten, sind sich jedoch schmerzlich bewusst, wie wenig wohlwollend die Gesellschaft auf ihre Neigungen blickte. Manche fürchten, als homosexuell abgestempelt zu werden; manche verbergen ihre eigene Sexualität; manche führen Doppelleben und schliessen Ehefrauen und Kinder aus dem aus, was sie glücklich macht. Alle leben in Angst.

Fierstein schafft hier einen Schmelztiegel vieler Ideen und Gedanken. Alles ist eingehüllt in ein Meer aus Humor und ehrlicher Wärme, doch in diesem Meer liegen tückische, doppelbödige Felsen – Wellen, die dich erschauern lassen, so wie andere dich zum Lächeln und Lachen bringen. Es ist ein kluges, scharfsinniges Stück über Liebe, Freundschaft und Ehrlichkeit – drei Themen, die in jedes Leben hineinspielen.

Justin Nardellas Bühnenbild ist schlicht, aber vollkommen – es rahmt die Welt dieser verborgenen Sehnsüchte sanft und elegant. Andrew Riley liefert clevere, passend charmante Kostüme mit sehr kleinem Budget, aber sie funktionieren alle, besonders die Ensembles, die Gloria (Ashley Robinson) und Charlotte (Gareth Snook) als Typen so eindrucksvoll machen. Rundbühne bringt für Lichtdesigner viele Herausforderungen mit sich, doch Howard Hudson leistet hervorragende Arbeit, indem er die Stimmung über das Licht steuert, während die Szenen durch das emotionale Spektrum flackern und flattern.

Sheppards Entscheidung für die Rundbühne zahlt sich mit gemischten Ergebnissen aus. Einerseits entsteht eine unvermeidliche Intimität, die perfekt zu dieser verborgenen Welt geheimer Begierden und unausgesprochener Wahrheiten passt. Andererseits geht zwangsläufig manches zentrale Geschehen verloren, weil die kreisförmige Spielfläche bedeutet, dass nicht alle im Publikum alles sehen können. Unterm Strich wird das, was verloren geht, jedoch durch die Nähe mehr als aufgewogen: Es ist schwerer, die Figuren als Menschen zu ignorieren, wenn man nah genug sitzt, dass ihr Chiffon und Tüll dir über die Schulter streifen, während sie an dir vorbeischreiten.

In anderer Hinsicht ist Sheppards Blick hier jedoch nicht so präzise und klar, wie er sein könnte. Es gibt einen spürbaren Unterschied zwischen Drag und Transvestismus, und dieser Unterschied – entscheidend für mehrere Wortwechsel im Stück – wird unerklärlicherweise verwischt. Diese Männer mögen extravagant sein, aber nicht im homosexuellen Sinn – auch das betont der Text; es sind Männer, die danach streben, echte Frauen zu sein, die ihrer femininen Seite hübsche Namen geben und die (meist) nichts sehnlicher wollen, als für das akzeptiert zu werden, was sie sind. Diese Unschärfe verwirrt die Erzählfäden unnötig. Sie arbeitet besonders gegen Charlotte (Gareth Snook), Terry (Bruce Montague) und Amy (Robert Morgan).

Doch diese Punkte mindern die Wirksamkeit von Fiersteins Text nicht ernsthaft – vor allem wegen der makellosen Besetzung der Schlüsselrollen. Robinson ist grossartig und zapft seine innere Julianne Moore an als die schmollende Sirene mit Sanduhrfigur: Gloria. Von Beginn an ist Gloria eine brodelnde Masse sinnlicher Exzentrik – mit einer Zunge, die peitschen oder streicheln kann, und Augen, die nie aufhören, zu mustern, abzuwägen und zu urteilen. Robinson spielt die Rolle mit kontrollierter, übersprudelnder Sicherheit, und wenn es soweit ist, ist seine verbale Zerlegung von Snooks knurriger Charlotte grandios.

Wolstenholme ist ebenso hervorragend als George/Valentina, der gemeinsam mit Carrolls Rita das Gästehaus führt. Das Paar etabliert früh im Stück eine starke, sexuelle Bindung, und an der Realität ihrer Verbindung gibt es keinen Zweifel. Das ist besonders klug – und sehr wichtig, damit die späteren Szenen so funktionieren können, wie sie sollen. Wolstenholme macht George wütend und frustriert, unsicher und verschlossen – das genaue Gegenteil seiner Valentina. Das erzeugt einen elektrischen Reiz für die Realität, die George erträgt, die im ganzen Stück nachhallt und seine Schlüsselbeziehungen zu Rita, Charlotte, Gloria und Amy beleuchtet. Ein inspiriertes und vollkommen überzeugendes Porträt einer Seele in der Krise.

Als junger Mann, der zum ersten Mal das Gästehaus besucht – ein fast jungfräulicher Cross-Dresser – ist Ben Deery grossartig. Er verbindet Zögern und mädchenhafte Begeisterung perfekt: der Moment, in dem er erstmals als Miranda erscheint, fast wie ein Schuljunge, der zum ersten Mal seine Uniform vorführt – zögerlich, aber hoffnungsvoll –, ist magisch. Ebenso die freundliche, herrlich gemeinschaftliche Szene, in der Miranda ein Make-over bekommt. Zum Brüllen komisch und doch voller Herz. (Mirandas ungeübtes Perückenstyling gibt Carroll die Gelegenheit für den visuellen Gag des Abends.) Später, wenn die Fassade Risse bekommt, verfällt Deery nicht ins Melodram. Er navigiert brillant durch entblösste Ehrlichkeit und wachsende Angst.

Morgan, Montague und Matthew Rixon (als oft sehr witzige, Oscar Wilde zitierende Bessie) leisten jeweils gute Arbeit, auch wenn gelegentlich der Wunsch, beim Publikum gut anzukommen und witzig zu sein, die klare Linie der Figur überlagert. Doch ebenso hat jeder Momente brutaler Einsicht und lohnender Beobachtung. Montagues Rede darüber, warum er die Freundschaft eines Homosexuellen nie zurückweisen könnte, ist ein echtes Highlight des Abends. Charlie Hayes hat einen späten, aber konfrontativen Auftritt als Amys Tochter Eleanor und legt in einer kurzen, pointierten Szene sorgfältig die öffentliche Wahrnehmung von Transvestismus dar. Hayes ist köstlich unangenehm.

Snook verfehlt Charlotte als Figur. Die Extreme werden gezeigt, wenn auch uneinheitlich, doch er kommt dem ausgefransten, wütenden inneren Aufruhr dieses politischen, defensiven und ehrgeizigen Grobians nicht einmal nahe. Eine brodelnde, leise, überlegene Abscheu würde dieser Figur besser dienen – besonders in der wunderbar geschriebenen Konfrontation mit Richterin Amy (die Morgan seinen besten Moment beschert). Snooks Entscheidung für eine Alexis-Colby-Carringtoneske, anspruchsvolle Gorgone hat durchaus ihre Vorteile, aber Fiersteins Text zielt auf eine speziellere Schöpfung. Definitiv ein Fall, in dem Weniger mehr wäre.

Angesichts seines Hintergrunds und früherer Erfolge wie Torch Song Trilogy, Hairspray und La Cage Aux Folles würde man erwarten, dass Fiersteins beste Arbeit in Casa Valentina seine Männerfiguren betrifft. Genau diesen Eindruck vermittelte die New Yorker Premiere: Es sind die Erinnerungen an Charlotte, Amy, Terry, Gloria und Miranda, die überwiegen. Doch hier zeigt die strahlende Tamsin Carroll ganz deutlich, warum die komplexeste und faszinierendste Figur das einzig echte Mädchen in der Gästeunterkunft ist: Rita.

Praktisch, aber mausenartig gekleidet (der Cardigan ist ein genialer Schachzug), schwebt Carrolls Rita am Rand des mädchenhaften Treibens und unterstützt ihren Mann ebenso praktisch wie moralisch. Sie richtet Perücken, lüftet und bügelt Kleider, hilft beim Make-up, kocht und putzt. Sie macht dieses einzigartige Schwesternhaus sicher und besonders. Carroll verleiht Rita eine wilde Loyalität gegenüber George und seinen Freundinnen; sie ist wachsam, aber mitwissend beim Spass und geübt darin, den Mädchen zu helfen, sich wohlzufühlen und miteinander auszukommen. Sie entschärft Streit und korrigiert Missverständnisse; sie bemuttert alle. Entschlossen das schlichteste Mädchen in der Schar, zeigt Carrolls Rita, welche Längen und Tiefen wahre Liebe von jemandem verlangt, der in ihrem Griff gefangen ist.

Carroll und Wolstenholme sind zusammen perfekt, und alles an ihrer Beziehung funktioniert. Ebenso baut Carroll zu jeder anderen Figur eine klare Verbindung auf – sogar zu Charlotte und Miranda, den beiden Menschen, denen Rita im Verlauf des Stücks zum ersten Mal begegnet. Man weiss, wo Rita bei jedem und in jeder Frage steht. Wenn Rita ihre geheime Angst in Worte fasst, ist Carroll atemberaubend – eine Symphonie aus Verzweiflung und Alarm. Obwohl nicht Rita im Krankenhaus landet, ist sie – in Carrolls belebender Darstellung – die Figur, die am stärksten hervorgeht als diejenige, die am meisten gelitten hat, die tragischste. Das Schlussbild von Rita, zusammengekrümmt und von stechendem Schluchzen geschüttelt, ist ungeheuer kraftvoll. Schauspiel in seiner vollständigsten, fesselndsten, berührendsten Form.

Das ist ein sehr wichtiges und zeitgemässes Stück. Es nimmt Vorstellungen von Gleichberechtigung auf eine Weise unter die Lupe, die selten diskutiert oder überhaupt erwogen wird. Es ist lustig, frivol, ernst und wichtig – alles zugleich. Wunderschön geschrieben, wunderschön gestaltet und überwiegend wunderschön gespielt: Das ist – wie Osric sagen würde – „ein handfester Hit“, und dank Carroll und Wolstenholme insbesondere weit wirkungsvoller als die ursprüngliche New Yorker Produktion. Wenn es gerecht zugeht, wird es transferieren und im West End oder im Dorfman laufen. Ein Stück, das man gesehen haben muss.

Casa Valentina läuft im Southwark Playhouse bis zum 10. Oktober 2015. Jetzt buchen