KRITIK: Casa Valentina, Samuel J Friedman Theatre ✭✭✭✭

Casa Valentina - Nick Westrate (von links), John Cullum, Gabriel Ebert und Tom McGowan. Foto: Matthew Murphy Casa Valentina

Samuel J Friedman Theatre

13. April 2014

4 Sterne

Es ist das Jahr 1962 und die Erinnerung an die McCarthy-Hexenjagd ist noch heiß und faul. In einem kleinen Gästehaus in den Catskill Mountains versammelt sich eine Gruppe von Männern für ein Wochenende voller eleganter Unterhaltung. Jeder Mann ist verheiratet, aber jeder hat eine Leidenschaft dafür, sich in Frauenkleidung zu kleiden, komplett mit Make-up, Perücken und Absätzen. Dies sind glückliche, elegante selbstgemachte „Frauen“. Einige von ihnen kennen sich seit Jahren und alle sind Freunde. Die Frau eines Mannes, der das Gästehaus besitzt, ist bei ihnen, sie muntert alle auf und ermutigt ihre besondere persönliche Freiheit.

In diese Gruppe kommen zwei Fremde. Einer ist ein Neuling, der seine ersten zaghaften Schritte in die Welt des Transvestismus macht. Der andere ist ein erfahrener Transvestit mit einer politischen Agenda, die das Profil und die allgemeine Akzeptanz in der Gesellschaft von Männern wie ihm erhöhen möchte.

So ist das Szenario von Casa Valentina, einem neuen Stück von Harvey Fierstein, das jetzt im Samuel J Friedman Theatre am Broadway unter der Regie von Joe Mantello Premiere feiert. Zwischen ihnen waren Mantello und Fierstein an fast jedem wichtigen schwulen Stück der letzten fünfzig Jahre des amerikanischen Theaters beteiligt oder verantwortlich.

Casa Valentina ist jedoch nicht ein solches Stück.

Weit davon entfernt.

Es ist ein Stück über eine völlig andere Welt und eine, die kurioserweise im Gegensatz zu dem Mantra der Akzeptanz zu stehen scheint, das die schwule Kultur durchdringt oder zu durchdringen scheint. Aber es ist wichtig zu bedenken, dass das Stück 1962 spielt und dass die Charaktere Ansichten äußern, die größtenteils die freizügigen 60er, Stonewall, die AIDS-Krise und die Kampagnen zur Akzeptanz der Homo-Ehe vorwegnehmen.

Es ist dieses seltene Theaterwesen: ein warmes und lustiges, manchmal urkomisches Stück, voller interessanter Charaktere, das sich einmal umdreht und in einen dunklen, drohenden Ort von Kummer, Verzweiflung und Verrat eintaucht.

Mantello inszeniert das Geschehen mit großer Liebe und Sorgfalt. Scott Pasks wunderschöne Kulisse zeigt mehrere Schminktische und Spiegel, und an diesen, in verschiedenen Zuständen der Entkleidung, machen die Männer sich zu ihren weiblichen Alter Egos, als das Stück beginnt. Es ist ein bewusst schöner Beginn und wickelt die Geschehnisse in ein Gefühl von altmodischer Anmut, das sowohl wegen der Erinnerungen, die es hervorruft (jeder hatte eine Mutter mit einem Schminktisch wie diesem), als auch der Distanz zwischen Gegenwart und Stück tröstlich ist.

Das Stück ist größtenteils wunderschön geschrieben, obwohl es ein bisschen lang erscheint. Es gibt viele ausgezeichnete Pointen, aber es gibt auch ein Gefühl von Kameradschaft, das das Schreiben durchdringt und das für den Erfolg des Stücks entscheidend ist.

Im ersten Akt schließen sich die etablierten „Mädchen“ zusammen, um dem Neuling, Miranda, ein mädchenhaftes Makeover zu geben, und diese Szene gehört zu den freudigsten und herzerwärmendsten Momenten im Theater auf der Broadway-Bühne derzeit. Es funkelt vor Großzügigkeit und einem gemeinsamen, geteilten Verlangen nach Weiblichkeit.

Aber nicht nur in der Freude glänzt Fiersteins Schreiben. Er versteht auch den Schmerz und das wird klar dargestellt. Und er schreibt schwierige Argumente gut, mit Klarheit und bösartiger Detailgenauigkeit. So haben die Überraschungen des Skripts echte Bedrohung und Wirkung.

Die überwiegend treffende Besetzung trägt erheblich dazu bei.

John Cullum, ein alter Broadway-Veteran (ursprünglich in der Originalproduktion von Camelot aufgetreten), ist einfach wunderbar als die ältere Matronen Terry. Er vollbringt jeden humorvollen Satz, den man ihm gibt, aber er glänzt auch, wenn der dramatische Scheinwerfer auf ihn gerichtet ist. Seine Rede darüber, warum er sich niemals gegen die homosexuelle Gemeinschaft wenden würde, die ihm in Zeiten verzweifelter Einsamkeit Freundschaft und Trost bot, ist eine Meisterklasse in der souverän, zurückhaltenden dramatischen Darbietung.

Der vielseitige Nick Westrate ist großartig als die feurige Rothaarige Gloria, voller Röcke, schmaler Taille und hoher Absätze. Stählern und unerschütterlich macht Westrate Gloria zu einer wahren Naturgewalt. Ihr Streit mit ihrem Gastgeber gehört zu den Höhepunkten des Abends und ich werde mich lange an den Schauer erinnern, der über meinen Rücken lief, als er über das „Plündern der Körper“ der Mädchen sprach, die er an der Universität hatte. Es ist eine wahre, energische und vollkommen vollständige Darbietung. Wunderbar in jeder Hinsicht.

Tom McGowan, als die freundliche, fette Bessie, die mit einem Herzen aus Gold und einer Vorliebe für Oscar Wilde-Zitate, die als Berufssoldat in seinem männlichen Leben tätig ist, ist ein Strudel aus Chiffon, Lippenstift und Herz-auf-der-Manschette-Fröhlichkeit. Aber er kann sich wie ein Wickelrock drehen, und tut es, sowohl mit komischem als auch dramatischem Effekt. Eine weitere köstliche Darbietung, die niemals ins Parodistische abdriftet.

Die schwierigste Rolle, die des respektierten Richters bei Tag, Amy am Wochenende, der Mann mit einer Frau und Tochter, die seine weibliche Seite verabscheuen, der Mann, der durch einen Moment der Schwäche gebrochen werden kann, geht an Larry Pine, der als Richter/Amy ganz wunderbar ist. Sein scharfer juristischer Verstand ist klar, wenn seine lockige brünette Perücke nicht auf ist, aber sobald sie sitzt, hat Amy das Sagen und lässt es nicht los. Er liefert eine leuchtende Studie über gefangene Sensibilität, eingekapseltes Verlangen, törichte Vertrauensseligkeit in andere.

Aber die Bravourleistung des Abends wird von Reed Birney erbracht, der Charlotte spielt, die Politikerin in Kleidern; diejenige, die einen orangefarbenen Businessanzug trägt, Ketten raucht, Gin-Martinis trinkt - diejenige, die Ihre Klavierlehrerin oder Geschichtslehrerin oder die Krankenschwester in der Praxis Ihres lokalen Arztes hätte sein können. Die vollständige Verkörperung weiblicher Effizienz, Charlotte ist so abscheulich und doppelzüngig - und vollkommen selbstgerecht empört - wie sie kommen, und Birney kitzelt all dies mühelos heraus. Er ist besonders erschreckend und außerordentlich in einer langen, makellos vorgetragenen Rede, in der er das Leben einer der anderen „Mädchen“ dort zerstört. Es ist eine subtile unsichere Leistung, die wie ein Widerspruch in sich klingt, aber wirklich der Schlüssel zu der erstaunlichen Arbeit ist, die er hier leistet. Schauspielkunst vom Feinsten.

Birneys Charakter ist derjenige, der einige der zentralen Themen des Stücks herauskitzelt: den Unterschied zwischen Homosexualität und Kleidertragen; die Unfähigkeit der Öffentlichkeit, Nuancen in geschlechtlichen Aktivitäten zu erkennen, zwischen Mann, Frau und Männern zu unterscheiden, die sich als Frauen kleiden wollen, um das zu tolerieren, was anders ist. Er hält eine wunderbare Rede, in der sein Charakter meint, dass in 40 Jahren (also ungefähr jetzt) Homosexuelle immer noch im Schatten herumkriechen, während Männer, die sich als Frauen kleiden, genauso allgegenwärtig und akzeptiert sein werden wie Rauchen. Es ist interessant darüber nachzudenken, wie die Welt anders hätte sein können, wenn sein Charakter sich durchgesetzt hätte (in den wahren Lebenserlebnissen, auf die dieses Stück anspielt).

Als der Neuling, Miranda, ist Gabriel Ebert ebenfalls hervorragend. Sein Gefühl der Unsicherheit und outright Angst ist greifbar, sich in echte Aufregung und grenzenlose Freude nach seinem Makeover verwandelt. Der Übergang ist wirklich berührend zu erfahren und das, was in Akt Zwei geschieht, wird durch das Glück, das er Act One bringt, noch kraftvoller gemacht. Seine letzte, unglaublich traurige und bewegende Szene ist brutal, herzzerreißend und absolut richtig.

Aber es ist nicht alles rosig. Die Besitzer des Gästehauses, in dem alles passiert, die Ehepartner Rita und George, Mare Winningham und Patrick Page beziehungsweise, funktionieren weder einzeln noch als Paar. Winningham ist viel zu oberflächlich, zu ungenau, um als Rita, eine Frau, die aus jeder Sicht heraus bewusste Entscheidungen und klare Wege gewählt hat, effektiv zu sein. Lauwarm ist sie nicht.

Page wirkt nicht echt, besonders im Vergleich zu den anderen Mitglieder der Schwesternschaft. Er scheint mit seiner weiblichen Identität nicht vertraut zu sein, was ein erhebliches Problem ist, da der gesamte Höhepunkt des Stücks von seinem Bedürfnis abhängig ist, an seiner weiblichen Rolle festzuhalten.

Das Stück wäre eine viel größere dramatische Pulverkiste der Möglichkeit, wenn diese beiden Charaktere von Schauspielern gespielt würden, die sich mehr bereit wären, sich in die besonderen Menschen, die diese Teile sind, einzufühlen - genau wie der Rest der Besetzung es tut.

Es war bemerkenswert, dass Page immer unbehaglich und männlich als Valentina, Georges Alter Ego, aussah. Er muss genauso unaufhaltsam mädchenhaft sein wie die anderen und ebenso, so muss Winninghams Rita sein. Sie spielt eine von nur zwei Frauen, und ihr Charakter ist lebendig, nachdenklich und sensibel, ein vollständiger Gegensatz zu der anderen (Lisa Emery als kaltes, aufrührerisches, im Inneren tote Kind des Richters) - Winningham jedoch entscheidet sich für blande gleichgültige Leere, obwohl sie wirklich diejenige spielt, die Entscheidungen getroffen und ständig daran festgehalten hat, nicht nur am Wochenende, sondern ihr ganzes Leben.

Rita Ryack bietet wunderbare Kostüme, und das Haar-, Perücken- und Make-up-Design von Jason P Hayes ist großartig. Die Epoche ist klar, die Farben lebendig und das Gefühl von integrativer Weiblichkeit ganz köstlich. Justin Townsend beleuchtet alles ganz zart, schön - induziert nachdenkliche Reflexion oder kluge Freude mit einem Dreh des Schalters. Es ist vorsichtiges, tiefgründiges Lichtdesign, das die Stärke der Produktion erheblich stärkt.

Dies könnte das beste Stück sein, das Fierstein je geschrieben hat.

Es ist sicherlich zum Nachdenken anregend und wirft ein Licht auf eine Subkultur, die selten im Rampenlicht steht. Es ist durchdacht und clever, witzig und schneidend. Es braucht eine gleichmäßig ausgezeichnete Besetzung und in diesem einen Punkt tut Mantellos Produktion ihm nicht gerecht.