RECENSIONE: Antigone, Barbican ✭✭✭✭

Antigone. Foto: Jan Verweyveld Antigone

Barbican

12 marzo 2015

4 stelle

Nel numero d’apertura di A Funny Thing Happened On The Way To The Forum, Pseudolous indica maliziosamente l’attore che interpreta Domina e dice con aria furba: «Questa settimana fa Medea». Quando, in The Producers, Roger de Bris e Carmen Ghia spiegano a Max e Leo che la chiave del successo a teatro è semplice, uno degli esempi che citano è: «Edipo non farà un flop se alla fine finisce con la mamma». I riferimenti al dramma greco, comico o tragico che sia, abbondano nel teatro contemporaneo.

In questo periodo Londra sembra presa da una sorta di rinascita dei capolavori greci, con l’Orestea in programma al Globe quest’estate e l’Almeida che annuncia una trilogia di testi dell’Antica Grecia, inclusa un’altra versione dell’Orestea, per la prossima stagione. Kristin Scott Thomas ha appena concluso una stagione di successo all’Old Vic con Elettra. Il National Theatre ha messo in scena non molto tempo fa una produzione epica di Medea, tanto recente da essere stata snobbata alle nomination degli Olivier di quest’anno. E ora, al Barbican, l’Antigone di Sofocle (grafia greca, non latina, per chi ama questi dettagli) diretta da Ivo van Hove va in scena davanti a sale gremite.

Che cosa cerca il pubblico di oggi nella tragedia greca? È difficile dire se sia questa la domanda che van Hove ha più in mente, ma la produzione che presenta con grande perizia sembra offrire una risposta: qualcosa di nuovo e pertinente, capace di risuonare nel presente—se non esattamente nello stesso modo in cui avrebbe colpito il pubblico originario di Sofocle (circa 441 a.C.), quantomeno in maniera analoga, personale e scomoda.

Se per voi la tragedia greca deve essere interminabile, istrionica, lirica, solenne e insondabilmente perturbante, allora questa Antigone non fa per voi. Ma se siete aperti all’idea che la tragedia greca possa attingere alle paure e alle inquietudini di qualunque generazione, questa è una produzione irresistibile: avvincente e sconvolgente.

Non tutti oggi conoscono il contesto storico di Antigone. Per fortuna, nel programma ci sono due ottimi saggi che offrono quel quadro di riferimento a chi desidera arrivare informato all’inizio dello spettacolo di van Hove. In uno di questi, van Hove stesso afferma: «Antigone si sviluppa da un testo su una guerra brutale a un testo sulla politica e sulle politiche pubbliche, e finisce come un testo sull’impotenza degli esseri umani, persi nel cosmo. È un testo sulla sopravvivenza: non la sopravvivenza di un individuo o di una famiglia, ma di un’intera società, forse persino del mondo. Il testo è ambivalente e cupo, moderno e mitico, e lascia più domande che risposte».

Come chiave per decifrare la produzione di van Hove, questa dichiarazione è una sorta di scheletro portante: vi dice quasi tutto ciò che serve per dare senso all’impostazione scelta, alle decisioni prese e al modo in cui il tutto viene presentato.

Lavorando con il suo consueto collaboratore, Jan Versweyveld, van Hove offre al pubblico un impianto scenico da qualche luogo/qualche tempo, ora/allora: enorme, vuoto e in costante trasformazione. C’è un silenzio ospedaliero; un senso di immobilità, di un attimo sospeso e carico di presagi. Proprio davanti al palcoscenico c’è una lunga e sottile lingua di spazio che potrebbe appartenere agli uffici esclusivi di qualunque azienda o governo contemporaneo; si avverte un’aria di potere e denaro—un luogo in cui si prendono decisioni dalle conseguenze reali.

Più in alto e sul fondo, una lunga piattaforma attraversa la scena, nuda e vuota, in attesa di qualcosa. Un enorme pannello bianco fa da sfondo; vi sono due forme geometriche—un rettangolo e un cerchio. Il rettangolo si apre diventando una porta, accesso a un altrove. Il cerchio ha un ruolo più complesso: quando lo scontro tra Creonte e Antigone entra nel vivo, la parte circolare del pannello si sposta e inizia una rotazione in senso orario, lasciando un vuoto attraverso il quale la luce può irrompere o insinuarsi, a seconda dell’atmosfera del momento.

In diversi punti, immagini video (ideate da TalYarden) vengono proiettate sul fondale: le pianure beotiche, aride come un deserto; il popolo di Tebe, invisibile ma onnipresente, che osserva e ascolta il gioco di potere, pronto forse a farsi giustizia da sé; l’interno della roccia dove Antigone e Emone incontrano il loro destino. Queste immagini inquietano e al tempo stesso ampliano prospettiva e scala. Unite alle luci e ai colori che invadono la scena o si riversano attraverso il cerchio vuoto, le visioni disorientano e travolgono: con un’efficacia straordinaria.

Ogni scelta registica è metodica e generatrice di tensione. L’immagine iniziale è di desolazione, un dopo-conflitto. Una pianura spoglia, calda e vuota. Il vento ulula. Detriti, trascinati senza meta nel respiro rovente del mondo, passano fluttuando. Poi, Antigone. Attraversa la Beozia per incontrare la sorella, la sciarpa che sventola alle sue spalle: un attimo di quotidianità. Da lì, gli ingranaggi della tragedia iniziano a macinare. Per chi guarda, la sensazione è come camminare su terreno solido e poi mettere un piede in una sabbia mobile: la discesa nell’orrore è lenta, inesorabile e stranamente ipnotica. Un’affascinante meditazione sulla disperazione.

Il cuore del testo riguarda il dovere, personale e pubblico. Antigone vuole seppellire il fratello morto anche se aveva imbracciato le armi contro Tebe, perché non voleva condividere il potere con l’altro fratello. Con i due fratelli e il padre morti, la corona passa allo zio di Antigone, Creonte, impreparato a governare ma convinto che il bene dello Stato sia più importante dei desideri del singolo. Creonte ordina che i corpi dei nemici di Tebe non ricevano i riti funebri tradizionali e rispettosi; vuole invece che marciscano sotto il sole feroce e nutrano i predatori. Antigone pretende che al fratello siano riservati i riti dovuti. Le linee di collisione sono tracciate. L’orologio comincia a ticchettare. Inesorabilmente.

La traduzione essenziale di Anne Carson del testo di Sofocle è molto efficace: evocativa e poetica. La prosa asciutta si adatta allo stile della messa in scena e non c’è alcuna barriera tra lingua e comprensione. Alcuni passaggi suonano duri, ma funziona perfettamente. Limpida e coinvolgente, l’adattamento di Carson è di immediata accessibilità.

Daniel Frietag usa il suono con grande efficacia, per destabilizzare, scuotere, creare, mantenere e sciogliere la tensione e per rafforzare l’ineluttabile, lento avanzare dell’orrore. La scena in cui Antigone lava il corpo del fratello e lo consacra prima della sepoltura è accompagnata da un suono e da una musica di una suggestione quasi spettrale. È un momento sorprendente, di autentico impatto.

Sebbene i materiali stampa insistano sulla presenza di Juliette Binoche nel cast, in realtà è solo una componente di un ensemble molto talentuoso che lavora insieme in modo straordinario per dare vita alla visione di van Hove. Come nel suo folgorante A View From The Bridge, van Hove utilizza il gruppo in modi diversi e ingegnosi, ottenendo il meglio dall’insieme e permettendo ai singoli di brillare nei momenti chiave.

Binoche non ha alcuna difficoltà a comunicare la passione di Antigone nel pretendere che al fratello siano riservati i riti tradizionali. Fragilità e sincerità sono elementi naturali della sua caratterizzazione, intensamente sentita (e trasmessa). Prende il testo di petto: la «rabbia autoreferenziale» le esplode addosso come una scarica di schegge, a scatti, senza controllo, frantumando il silenzio. C’è uno scopo chiaro nelle sue invettive feroci: in quei momenti, incarna la disobbedienza civile nella sua dimensione più intima.

Al contrario, il Creonte di Patrick O’Kane incarna l’idea della supremazia dello Stato; crede che le esigenze del bene collettivo debbano prevalere su bisogni o scrupoli individuali. Imperioso, sorridente, immobile, decide ma non ascolta: O’Kane è l’emblema del politico moderno ideale. Offre un’interpretazione trattenuta di un’autorità mal riposta—lo Yin perfetto rispetto allo Yang di Binoche.

Nel cast di otto non c’è un anello debole. Obi Abili trova un umorismo sorprendente negli scambi del soldato di guardia il cui messaggio potrebbe costargli la vita; Kirsty Bushell non è mai stata così brava come qui, nei panni di Ismene, la sorella distaccata di Antigone, dove ogni parola, pausa e sguardo è misurato con cura impeccabile; Finbar Lynch è particolarmente impressionante nel ruolo dell’indovino cieco Tiresia, che vede con chiarezza ciò che Creonte non riesce nemmeno a contemplare, e sfrutta in modo eccezionale i suoi toni stentorei; e Kathryn Pogson è tutta stupore miserabile, a occhi spalancati, nel ruolo di Euridice. Ognuno contribuisce con solidità ai compiti condivisi del Coro, con Lynch e Pogson particolarmente notevoli. Toby Gordon non pronuncia una parola ma, ciononostante, il suo apporto è significativo.

Per me, però, l’interpretazione che spicca leggermente sulle altre è quella di Samuel Edward-Cook nei panni di Emone, figlio di Creonte e promesso sposo di Antigone. Per la sua posizione, per le sue lealtà, Emone deve vedere entrambi i lati del dibattito centrale e si sforza di riconciliare le parti. Fallisce, e le conseguenze sono devastanti per tutti. La passione che Edward-Cook intreccia nella sua prova è notevole; dagli abbracci da bambino con il padre al bacio disperato con Antigone, mostra una gamma straordinaria di emozioni, motivazioni e fragilità. Il discorso al padre sul compromesso è il momento più alto della serata.

È una lettura vibrante e completamente assorbente di un classico del repertorio greco antico. Il cast eccelle sotto la visione centrata e salda di van Hove e tutti gli aspetti della produzione si fondono in un risultato trionfale. Vi lascerà a riflettere sul rapporto tra potere e individuo, tra Stato e tradizione. E a pensare a quanto Sofocle fosse profetico, già allora, sulla condizione della politica di oggi.

Antigone è in scena al Barbican fino al 28 marzo 2015