KRITIK: Antigone, Barbican ✭✭✭✭

Antigone. Foto: Jan Verweyveld Antigone

Barbican

12. März 2015

4 Sterne

In der Eröffnungsnummer von A Funny Thing Happened On The Way To The Forum deutet Pseudolus schelmisch auf die Darstellerin der Domina und sagt verschmitzt: „Sie spielt später diese Woche Medea.“ Wenn in The Producers Roger de Bris und Carmen Ghia Max und Leo erklären, dass der Schlüssel zu erfolgreichem Theater ganz einfach sei, nennen sie als Beispiel: „Ödipus fliegt nicht durch, wenn er am Ende bei Mama landet.“ Anspielungen auf das griechische Drama – ob komisch oder tragisch – sind im modernen Theater allgegenwärtig.

London scheint derzeit im Griff einer Art Wiederaufleben griechischer Meisterwerke zu sein: Die Orestie ist für diesen Sommer im Globe angesetzt, und das Almeida kündigt für die kommende Spielzeit eine Trilogie antiker griechischer Stücke an – darunter eine weitere Fassung der Orestie. Kristin Scott Thomas hat gerade eine erfolgreiche Serie im Old Vic mit Elektra beendet. Das National Theatre brachte vor nicht allzu langer Zeit eine epische Medea-Produktion heraus – kürzlich genug, um bei den diesjährigen Olivier-Nominierungen übergangen zu werden. Und aktuell spielt am Barbican Ivo van Hoves Inszenierung von Sophokles’ Antigone (griechische Schreibweise, nicht die lateinische, für alle, die auf so etwas achten) vor ausverkauften Rängen.

Was erwarten heutige Zuschauerinnen und Zuschauer von der griechischen Tragödie? Schwer zu sagen, ob diese Frage in van Hoves Kopf an erster Stelle steht – aber die Inszenierung, die er so souverän vorlegt, deutet eine Antwort an: etwas Frisches und Relevantes, das mit einem modernen Publikum in Resonanz tritt – wenn auch nicht genau so, wie es bei Sophokles’ ursprünglichem Publikum (um 441 v. Chr.) der Fall gewesen sein dürfte, dann doch auf ähnliche, persönliche und unangenehme Weise.

Wenn Ihre Vorstellung von griechischer Tragödie lautet, sie müsse endlos, theatralisch, lyrisch, groß und unbegreiflich verstörend sein, dann ist diese Antigone nichts für Sie. Wenn Sie jedoch offen dafür sind, dass griechische Tragödie die Ängste und Nöte jeder Generation anzapfen kann, dann ist dies eine unwiderstehliche Produktion – zwingend und erschütternd.

Nicht alle kennen heute den historischen Hintergrund von Antigone. Zum Glück gibt es im Programmheft zwei ausgezeichnete Essays, die den Kontext liefern – für alle, die gut informiert sein möchten, wenn van Hoves Inszenierung beginnt. In einem davon sagt van Hove selbst: „Antigone entwickelt sich von einem Stück über einen brutalen Krieg zu einem Stück über Politik und öffentliche Maßnahmen und endet als Stück über die Hilflosigkeit des Menschen, verloren im Kosmos. Es ist ein Stück über das Überleben: nicht das Überleben eines Individuums oder einer Familie, sondern einer ganzen Gesellschaft, vielleicht sogar der Welt. Das Stück ist ambivalent und dunkel, modern und mythisch – und lässt einen mit mehr Fragen als Antworten zurück.“

Als Schlüssel, um van Hoves Inszenierung aufzuschließen, gehört dieses Statement in die Kategorie „Masterplan“: Es sagt Ihnen so ziemlich alles, was Sie brauchen, um den Ansatz, die getroffenen Entscheidungen und die Art der Präsentation zu verstehen.

Zusammen mit seinem langjährigen Weggefährten Jan Versweyveld präsentiert van Hove dem Publikum ein Irgendwo/Irgendwann, Jetzt/Damals-Design: riesig, leer und in ständiger Veränderung. Der Ort hat etwas Krankenhausruhiges; ein Gefühl von Stillstand, von einem Moment, der in der Zeit hängt – schwebend und unheilvoll. Ganz vorn auf der Bühne liegt ein langer, schmaler Streifen Raum, der zu den exklusiven Büros eines modernen Unternehmens oder einer Regierung gehören könnte; er atmet Macht und Geld – ein Raum, in dem Entscheidungen mit Konsequenzen getroffen werden.

Eine Ebene höher und dahinter zieht sich eine lange Plattform über die Bühne, blank und leer, als warte sie auf etwas. Eine enorme weiße Fläche bildet den Hintergrund; darin zwei geometrische Formen – ein Rechteck und ein Kreis. Das Rechteck öffnet sich zu einer Tür, einem Zugang in einen anderen Ort. Der Kreis übernimmt eine komplexere Rolle: Wenn Kreon und Antigone ihren Streit ernsthaft aufnehmen, fährt das kreisförmige Element aus der Fläche heraus und beginnt, sich im Uhrzeigersinn zu drehen – zurück bleibt ein Loch, durch das je nach Stimmung des Moments unterschiedliche Arten von Licht fluten oder einsickern können.

An verschiedenen Stellen werden Videobilder (entwickelt von TalYarden) auf den Hintergrund projiziert – die wüstenartige böotische Ebene; die unsichtbare, aber allgegenwärtige Bevölkerung Thebens, die das Machtspiel beobachtet und belauscht, vielleicht bereit, die Dinge selbst in die Hand zu nehmen; das Innere des Felsens, in dem Antigone und Haimon ihrem Schicksal begegnen. Diese Bilder beunruhigen und geben zugleich ein Gefühl von Weite und Dimension. Zusammen mit dem Licht und den Farben, die die Bühne fluten oder durch den leeren Kreis drängen, wirkt die Bildsprache desorientierend und überwältigend – ungeheuer wirkungsvoll.

Alles an der Regie ist methodisch und spannungserzeugend. Das Eröffnungsbild ist Verwüstung, das Nachspiel eines Konflikts. Eine karge Ebene, heiß und leer. Heulender Wind. Unrat, ziellos vom heißen Atem der Welt getragen, treibt vorbei. Dann Antigone. Sie durchquert die böotische Ebene, um ihre Schwester zu treffen, der Schal flattert hinter ihr her – ein Moment des Alltäglichen. Dann beginnen die Räder der Tragödie zu mahlen. Als Zuschauer fühlt es sich an, als ginge man auf festem Boden und tritt dann fehl in Treibsand: Der Abstieg in den Horror ist langsam, unerbittlich und seltsam hypnotisch. Eine faszinierende Meditation über Verzweiflung.

Im Kern geht es um Pflicht – private wie öffentliche. Antigone will ihren toten Bruder begraben, obwohl er gegen Theben zu den Waffen griff, weil er die Herrschaft nicht mit dem anderen Bruder teilen wollte. Da beide Brüder und ihr Vater tot sind, fällt die Krone Antigones Onkel Kreon zu, der für die Herrschaft nicht gerüstet ist, aber eine klare Überzeugung mitbringt: Das Wohl des Staates sei wichtiger als die Wünsche des Einzelnen. Kreon ordnet an, dass die Leichen der Feinde Thebens keine traditionellen, ehrerbietigen Bestattungsriten erhalten sollen; vielmehr sollen die Körper in der harten Sonne verwesen und den Raubtieren zum Fraß werden. Antigone will, dass ihrem Bruder die gebührenden Riten zuteilwerden. Die Fronten sind gezogen. Die Uhr beginnt zu ticken. Unerbittlich.

Anne Carsons karge Übersetzung von Sophokles’ Werk ist äußerst wirkungsvoll; eindringlich und poetisch. Die knappe Prosa passt zum Stil der Inszenierung, und zwischen Sprache und Verständnis steht nichts im Weg. Manche Passagen klingen hart – was hier bestens funktioniert. Klar und fesselnd ist Carsons Bearbeitung außerordentlich zugänglich.

Daniel Frietag setzt Klang sehr effektiv ein: um aus dem Gleichgewicht zu bringen, zu irritieren, Spannung zu erzeugen, zu halten und wieder zu lösen – und um den unaufhaltsamen, langsamen Marsch des Horrors zu unterstreichen. Die Szene, in der Antigone den Körper ihres toten Bruders wäscht und ihn vor der Bestattung heiligt, wird von bemerkenswert gespenstischem Sound und Musik begleitet. Ein erstaunlicher Moment von großer Wucht.

Auch wenn die Pressematerialien die Präsenz von Juliette Binoche im Ensemble betonen, ist sie in Wahrheit nur eine von vielen hochbegabten Darstellerinnen und Darstellern, die gemeinsam van Hoves Vision mit phänomenaler Präzision zum Leben erwecken. Wie schon bei seinem erstaunlichen A View FromThe Bridge nutzt van Hove das Ensemble auf unterschiedliche, einfallsreiche Weise: Er holt als Kollektiv das Beste aus allen heraus und lässt zugleich Einzelne in ihren Schlüsselmomenten glänzen.

Binoche hat keine Mühe, die Leidenschaft zu vermitteln, mit der Antigone darauf besteht, dass ihrem Bruder die traditionellen Rechte zuteilwerden. Zerbrechlichkeit und Ernsthaftigkeit sind mühelose Bestandteile von Binoches intensiv empfundener (und vermittelter) Charakterzeichnung. Sie nimmt den Text beim Wort: „selbstbezogene Wut“ bricht aus ihr hervor wie Schrapnellfeuer – sprunghaft, unkontrolliert, die Stille zerschneidend. Und doch haben ihre wilden Ausbrüche ein klares Ziel: In diesen Momenten steht sie für zivilen Ungehorsam in seiner persönlichsten Form.

Patrick O’Kanes Kreon hingegen verkörpert die Idee staatlicher Vorrangstellung; er glaubt, dass die Bedürfnisse des Gemeinwohls Vorrang vor individuellen Bedürfnissen oder Sorgen haben müssen. Herrisch, lächelnd, reglos, entscheidend, aber nicht zuhörend – O’Kane ist das Paradebeispiel der Vorstellung vom idealen modernen Politiker. Er spielt eine zurückgenommene Fehlform von Autorität – das perfekte Yin zu Binoches Yang.

In dieser achtköpfigen Besetzung gibt es kein schwaches Glied. Obi Abili findet überraschenden Humor in seinen Wortwechseln als Wächter, dessen Botschaft ihn das Leben kosten könnte; Kirsty Bushell war selten so gut wie hier als Antigones ungerührte Schwester Ismene, bei der jedes Wort, jede Pause und jeder Blick sorgfältig und glänzend austariert ist; Finbar Lynch beeindruckt besonders als blinder Seher Teiresias, der klar erkennt, was Kreon nicht einmal in Betracht ziehen kann, und er nutzt seine stentorische Stimme außergewöhnlich; und Kathryn Pogson ist als Eurydike ganz großäugiges, elendes Staunen. Alle tragen die geteilten Aufgaben als Chor mit großer Sicherheit, wobei Lynch und Pogson besonders hervorstechen. Toby Gordon spricht kein Wort, doch sein Beitrag ist dennoch bedeutend.

Für mich jedoch ragte eine Leistung leicht heraus: Samuel Edward-Cook als Haimon, Kreons Sohn und Antigones Verlobter. Aufgrund seiner Lage, seiner Loyalitäten, muss Haimon beide Seiten der zentralen Debatte sehen, und er versucht mit aller Kraft, die Parteien zu versöhnen. Er scheitert – und die Folgen sind für alle verheerend. Die Leidenschaft, die Edward-Cook in seine Darstellung webt, ist bemerkenswert; von den kleinen Jungen-Umarmungen mit seinem Vater bis zum verzweifelten Kuss mit Antigone zeigt er eine außergewöhnliche Bandbreite an Emotionen, Motiven und Schwächen. Seine Rede an den Vater über Kompromiss ist der Höhepunkt des Abends.

Dies ist eine lebendige und vollkommen fesselnde Sicht auf einen Klassiker des antiken griechischen Repertoires. Unter van Hoves konzentrierter, entschiedener Führung glänzt das Ensemble, und alle Aspekte der Produktion fügen sich zu einem triumphalen Ergebnis. Man verlässt den Abend, nachdenklich über das Verhältnis von Macht und Individuum, Staat und Tradition. Und darüber, wie hellsichtig Sophokles schon vor so vielen Jahrhunderten den Zustand der Politik in der Gegenwart vorweggenommen hat.

Antigone läuft am Barbican bis zum 28. März 2015