CRITIQUE : Antigone, Barbican ✭✭✭✭

Antigone. Photo : Jan Verweyveld Antigone

Barbican

12 mars 2015

4 Étoiles

Dans le numéro d'ouverture de A Funny Thing Happened On The Way To The Forum, Pseudelous pointe malicieusement l'acteur jouant Domina et dit en souriant : "Elle joue Médée plus tard cette semaine". Quand, dans The Producers, Roger de Bris et Carmen Ghia expliquent à Max et Leo que la clé du théâtre réussi est simple, un exemple qu'ils citent est : "Oedipe ne fera pas un bide s'il finit avec maman". Les références au drame grec, qu'elles soient comiques ou tragiques, abondent dans le théâtre moderne.

Londres semble actuellement en proie à une sorte de résurgence de chefs-d'œuvre grecs, avec Orestia prévu au Globe cet été et l'Almeida annonçant une trilogie de pièces grecques antiques, incluant une autre version d'Orestia, dans le cadre de sa prochaine saison. Kristin Scott Thomas vient de terminer une saison réussie au Old Vic dans Electra. Le National a monté une production épique de Médée suffisamment récemment pour qu'elle soit snobée aux nominations de l'Olivier cette année. Et, actuellement au Barbican, la production d'Antigone par Ivo van Hove par Sophocle (orthographe grecque, pas latine, pour ceux qui s'intéressent à ce genre de chose) se joue à guichets fermés.

Que veulent les publics modernes du tragédie grecque ? Il est difficile de savoir si cette question est la plus présente dans l'esprit de van Hove, mais la production qu'il présente avec habileté suggère certainement une réponse à cette question : quelque chose de frais et pertinent qui résonne avec les publics modernes, sinon exactement de la même manière qu'il l'aurait fait avec le public original de Sophocle (vers 441 avant JC), du moins de manière similaire, personnelle et inconfortable.

Si vous pensez que le tragédie grecque doit être interminable, histrionique, lyrique, grandiose et incommensurablement dérangeant, alors cette Antigone n'est pas pour vous. Mais si vous êtes ouvert à la possibilité que le tragédie grecque puisse puiser dans les peurs et les troubles de toute génération, alors cette production est irrésistible, captivante et dérangeante.

De nos jours, tout le monde n'est pas conscient du contexte historique d'Antigone. Heureusement, il y a deux excellents essais dans le programme qui fournissent ce contexte pour tout spectateur qui souhaite être bien informé dès le commencement de la production de van Hove. Dans l'un de ceux-ci, van Hove lui-même dit : "Antigone évolue d'une pièce sur une guerre brutale vers une pièce sur la politique et les politiques publiques et se termine en une pièce sur l'impuissance des humains, perdus dans le cosmos. C'est une pièce sur la survie : non pas la survie d'un individu ou d'une famille, mais d'une société entière, peut-être même du monde. La pièce est ambivalente et sombre, moderne et mythique, laissant plus de questions que de réponses."

Comme clé pour déverrouiller la production de van Hove, cette déclaration relève du catégorie maître squelette : elle vous dit la plupart de ce dont vous avez besoin pour comprendre l'approche adoptée, les choix faits et la manière de présentation.

Travaillant avec son collaborateur habituel, Jan Versweyveld, van Hove présente au public un design quelque part/quelque temps, maintenant/alors qui est énorme, vide et constamment changeant. Il y a un calme hospitalier à l'endroit ; un sentiment de tranquillité, d'un moment dans le temps, suspendu et menaçant. Très à l'avant de la scène, un long doigt fin d'un espace qui pourrait faire partie des bureaux exclusifs de n'importe quelle entreprise ou gouvernement moderne ; il y a un sentiment de pouvoir et d'argent autour de lui - un espace où des décisions aux conséquences sont prises.

Un niveau plus haut et derrière, une longue plate-forme s'étend à travers la scène, vide et vide, en attente de quelque chose. Un grand plat blanc sert de toile de fond ; dans celui-ci, deux formes géométriques - un rectangle et un cercle. Le rectangle s'ouvre pour fournir une porte, un accès à un autre endroit. Le cercle a un rôle plus complexe : lorsque la dispute de Kreon et Antigone commence de manière sérieuse, la pièce circulaire du plat se déplace et commence un cercle dans le sens des aiguilles d'une montre, laissant un trou à travers lequel différentes sortes de lumière peuvent inonder ou ramper, en dépendant de l'humeur du moment.

À différents points, des images vidéo (conçues par Tal Yarden) sont projetées sur le fond - les plaines désertiques de Béotie ; la population non vue mais omniprésente de Thèbes, regardant et écoutant le jeu de pouvoir, prête peut-être à prendre les choses en main ; l'intérieur de la roche où Antigone et Haemon rencontrent leur destin. Ces images déstabilisent tout en offrant un sentiment d'envergure et d'échelle. Combiné avec la lumière et les couleurs qui inondent la scène ou traversent le cercle vide, l'imagerie visuelle désoriente et submerge : incroyablement efficace.

Tout à propos de la direction est méthodique et induit la tension. L'image d'ouverture est celle de la désolation, le lendemain du conflit. Une plaine stérile, chaude et vide. Les vents hurlent. Les détritus, jetés sans but dans le souffle chaud du monde, flottent. Puis, Antigone. Traversant la plaine de Béotie pour rencontrer sa sœur, son écharpe voletant derrière elle, un moment de domesticité. Les rouages de la tragédie commencent alors à tourner. En tant que spectateur, la sensation est plutôt comme marcher sur un sol ferme puis faire un faux pas dans des sables mouvants : la descente vers l'horreur est lente, implacable et étrangement hypnotique. Une méditation fascinante sur le désespoir.

Le cœur de la pièce est à propos du devoir, personnel et public. Antigone veut enterrer son frère mort même s'il a porté les armes contre Thèbes parce qu'il ne voulait pas partager son règne avec leur autre frère. Avec les deux frères et son père morts, la couronne revient à l'oncle d'Antigone, Kreon, qui n'est pas préparé pour régner mais qui arrive avec une vision claire que le bien de l'État est plus important que les souhaits d'un individu. Kreon ordonne que les corps des ennemis de Thèbes ne soient pas accordés les rites funéraires traditionnels et respectueux ; au lieu de cela, il veut que les cadavres pourrissent sous le soleil brûlant et nourrissent les prédateurs. Antigone veut que des rites appropriés soient accordés à son frère. Les lignes de collision sont établies. Le compte à rebours commence. Inexorablement.

La traduction épurée d'Anne Carson de l'œuvre de Sophocle est très efficace ; évocatrice et poétique. La prose concise convient au style de la production et il n'y a pas de barrière entre la langue et la compréhension. Certains des passages sonnent durement, mais cela fonctionne parfaitement bien. Lucide et absorbant, l'adaptation de Carson est exceptionnellement accessible.

Daniel Frietag utilise le son très efficacement, pour déséquilibrer, pour heurter, pour créer, maintenir et libérer la tension et pour renforcer la marche lente et inexorable de l'horreur. La scène où Antigone lave le corps de son frère mort et le sanctifie avant de l'enterrer a été accompagnée d'un son et d'une musique remarquablement envoûtants. C'est un moment saisissant et d'un véritable impact.

Bien que les matériaux de presse se concentrent sur la présence de Juliette Binoche dans la distribution, en vérité, elle n'est qu'une partie d'un ensemble très doué travaillant ensemble de façon phénoménale pour insuffler la vie à la vision de van Hove. Comme avec son époustouflant A View From The Bridge, van Hove utilise l'ensemble de différentes manières ingénieuses, obtenant le meilleur de chacun d'eux dans l'ensemble et permettant aux individus de briller dans leurs moments clés.

Binoche n'a aucun mal à communiquer la passion qu'Antigone ressent pour assurer que son frère reçoit des droits traditionnels. La fragilité et la sincérité sont des éléments sans effort de la caractérisation profondément ressentie (et transmise) de Binoche. Elle prend à cœur le dialogue : "rage égocentrique" éclate d'elle comme un feu de mitraille, de manière erratique, incontrôlée, brisant le silence. Il y a une intention claire dans ses débordements féroces : à ces moments, elle représente la désobéissance civile dans sa forme la plus personnelle.

D'un autre côté, Patrick O'Kane en Kreon incarne la notion de suprématie de l'État ; il croit que les besoins du plus grand bien doivent primer sur les besoins ou les préoccupations individuels. Impérieux, souriant, immobile, prenant des décisions mais sans écouter, O'Kane est l'épitome de la notion de l'homme politique idéal moderne. Il offre une performance retenue d'une autorité mal jugée - le Ying parfait au Yang de Binoche.

Il n'y a pas de maillon faible dans la distribution de huit. Obi Abili trouve un humour surprenant dans ses échanges en tant que garde dont le message pourrait le faire tuer ; Kirsty Bushell n'a jamais été aussi bonne qu'elle l'est ici en tant que sœur désenchantée d'Antigone, Ismène, où chaque mot, chaque pause et chaque regard est soigneusement, superbement mesuré ; Finbar Lynch est particulièrement impressionnant en voyant aveugle, Teiresias, qui peut voir clairement ce que Kreon ne peut pas contempler, et il fait un usage exceptionnel de ses tons stentoriens ; et Kathryn Pogson est toute stupéfaction aux yeux écarquillés en Eurydice. Chacun contribue habilement aux devoirs partagés en tant que Chœur, avec Lynch et Pogson particulièrement impressionnants. Toby Gordon ne parle jamais mais sa contribution, néanmoins, est significative.

Pour moi, cependant, la performance qui s'est démarquée légèrement des autres est celle de Samuel Edward-Cook en Haemon, fils de Kreon et fiancé à Antigone. En raison de sa situation, de ses allégeances, Haemon doit voir les deux côtés du débat central et il essaie très fort de réconcilier les parties. Il échoue, et les conséquences sont dévastatrices pour tous. La passion qu'Edward-Cook tisse dans sa performance est remarquable ; de ses câlins de petit garçon avec son père à son baiser désespéré avec Antigone, il affiche une gamme extraordinaire d'émotions, de motivations et de faiblesses. Le discours à son père sur le compromis est le point fort de la soirée.

C'est une vision vibrante et complètement absorbante d'un classique du répertoire grec ancien. La distribution excelle sous la vision centrée et ferme de van Hove et tous les aspects de la production se fondent pour des résultats triomphants. Cela vous laissera réfléchir à la relation entre pouvoir et individu, l'État et la tradition. Et vous considérerez à quel point Sophocle était clairvoyant à propos de l'état actuel de la politique il y a tous ces siècles.

Antigone se joue au Barbican jusqu'au 28 mars 2015