RESEÑA: Líneas Borrosas, The Shed Theatre en el National ✭✭✭✭✭

El elenco de Blurred Lines. Foto: Simon Kane Blurred Lines

The Shed Theatre, Teatro Nacional

22 de febrero de 2014

A veces el teatro puede ser divertido. A veces puede ser impactante. A veces puede ser de mérito. A veces puede ser cautivador. A veces puede dar miedo. A veces puede ser crudo. A veces puede ser poderoso. A veces puede ser educativo. A veces puede ser elegante. A veces puede ser abrumador. A veces puede ser inspirador. A veces puede cambiar el mundo. A veces puede ser tonto. A veces puede ser amable. A veces puede ser radical. A veces puede ser político. A veces puede recordarte por qué el teatro es una parte tan profundamente importante de cualquier cultura.

Muy rara vez, el teatro puede ser todas esas cosas a la vez.

Blurred Lines, que terminó su presentación en The Shed del Nacional ayer, fue una de esas raras ocasiones. Setenta minutos de furia, argumentos elocuentes, actuaciones de bravura, percepción escalofriante y una nítida y limpia iluminación de uno de los horrores fundamentales de la vida moderna: la manera en que las mujeres son abusadas, marginalizadas y objetificadas por el hecho de ser mujeres.

Creada por Nick Payne (un escritor talentoso) y Carrie Cracknell (quien dirige aquí con una determinación firme y con un espectacular sentido e claridad) a partir de trabajos improvisados del grupo de ocho actrices excelentes, todas basadas en o evocadas por el libro de Kat Barnyard "La ilusión de la igualdad", Blurred Lines es una obra oportuna, poderosa y visceralmente emocionante que plantea, de manera franca e incansable, importantes y fundamentales preguntas sobre el maltrato de las mujeres por parte de la sociedad.

En una serie de viñetas y pequeñas escenas, el grupo de mujeres capaces examinan artísticamente cuestiones que van desde los juicios (por parte de directores de casting entre otros) realizados en función de la apariencia, el machismo inherente en los medios de comunicación, la violación en el matrimonio, la política de género en el lugar de trabajo, el horror de los tacones altos y las turbias justificaciones que adoptan los hombres al justificar su uso de la pornografía en línea y las prostitutas. Es un territorio difícil, pero importante, y aunque los temas son serios, hay muchos momentos de genuino humor y todo el proceso está envuelto en calidez y esperanza.

La actuación es continuamente valiente, perspicaz y cargada de complejidad y comprensión. Cada una de las ocho actrices es magnífica, y su cohesión como conjunto es notable. Marion Bailey, Lorna Brown, Michaela Coel, Bryony Hannah, Sinéad Matthews, Ruth Sheen, Claire Skinner y Susannah Wise: cada una sobresale - nadie aquí no puede hacer el difícil y capacitado trabajo requerido.

Particularmente impresionante es la forma en que las ocho saltan entre varios personajes. La audiencia nunca se pierde en un torbellino de multiplicidad de roles - todo es específico y perfectamente juzgado. Uno de los logros más sorprendentes llega cuando varias actrices interpretan hombres - lo hacen con una simplicidad perfecta que es deslumbrante. Susannah Wise como el esposo justificando su uso de prostitutas, Ruth Sheen como el cobarde compañero de trabajo masculino incapaz o reacio a detener la discriminación sexual flagrante, Marion Bailey como el horrible, no principled y explotador director justificando tranquilamente su explotación descarada de su estrella femenina glamorosa: cada retrato de monstruosidad masculina está increíblemente bien juzgado.

Particularmente interesantes son los momentos en los que se examina la complicidad de las mujeres en el maltrato de otras mujeres. Bryony Hannah (mejor que nunca ha estado en el escenario antes) es realmente aterradora como la gerente femenina que reprende a su empleada de medio tiempo puramente por su compromiso con sus hijos y el momento en que la empleada bajo ataque de Michaela Coel la acusa de convertirse en un hombre es tanto eléctrico como preciso.

Coel también es magnífica en la escena donde se encuentra con la madre del novio de su hija interpretada por Ruth Sheen en el supermercado e intenta evitar una conversación difícil centrada en los intentos de la hija de conseguir que su novio sea condenado por violación en el contexto de la relación. Coel es brillante aquí; pero también lo es Sheen, girando diligentemente y con determinación el lado de la historia de su hijo e implacablemente negándose a creer que podría haber actuado incorrectamente. Ambas madres están decididas a hacer justicia para su hijo - pero solo una asume que la hija consintió porque "lo habían hecho antes". Es un intercambio increíblemente poderoso y uno que persigue a los espectadores mucho después de que estén cómodamente en casa.

Pero, en la gran tradición, la mejor escena se guarda para el final cuando Bailey, Coel y la luminosa Sinéad Matthews representan una sesión de preguntas y respuestas frente a una audiencia en vivo tras la vista de una obra que el vil director de colegio antiguo de Bailey ha "creado con" Matthews como estrella glamorosa. Hannah, como miembro del público, hace una pregunta sobre por qué el director de Bailey pensó que estaba bien objetivar al personaje de Matthews en una escena crucial de dormitorio donde hubo mucho foco en el cuerpo y la ropa interior de Matthews. Bailey desestima las preguntas de Hannah pero ella persiste y las respuestas de Bailey se vuelven cada vez más simples, superiores, condescendientes y fáciles. En el proceso, el personaje de Matthews se da cuenta de que ha sido engañada, traicionada, humillada, y poco después Hannah deja caer su micrófono y abandona la sesión, seguida por otros miembros del público, Matthews también se va, sacudida hasta el núcleo.

Mientras el personaje de Matthews temblaba, también cada miembro del público. La escena no perdonó a nadie y dejó una impresión imborrable de dolor, misoginia y la obtusa autosuficiencia de los hombres poderosos. Fue, en todo sentido de la palabra, magnífica.

El espacio de The Shed ha sido configurado para adaptarse a la obra. Es íntimo y épico al mismo tiempo. La diseñadora Bunny Christie proporciona una brillante escalera blanca que evoca inmediatamente la vida nocturna de un club además de la dificultad que tienen las mujeres en ascender la escalera de la sociedad. Su presencia destaca, de una manera muy simple, la dificultad inherente que tienen las mujeres con los tacones altos, una dificultad con la que lidian constantemente. La iluminación (Lucy Carter) es efectiva y ambiental, a menudo tan dura como el tema.

Blurred Lines es una de las mejores cosas que ha jugado en el Teatro Nacional en los últimos seis años. Es una obra significativa y provocativa de gran alcance y amplitud.

Seriamente, todo hombre en el mundo debería verlo; los adolescentes deberían ser obligados a verlo antes de poder graduarse o dejar la escuela. Debería jugarse durante mucho tiempo y ser visto en todos los lugares donde haya teatros. Es realmente así de importante.