KRITIK: Blurred Lines, The Shed Theatre am Nationaltheater ✭✭✭✭✭

Die Besetzung von Blurred Lines. Foto: Simon Kane Blurred Lines

The Shed Theatre, National Theatre

22. Februar 2014

Manchmal kann das Theater Spaß machen. Manchmal kann es schockierend sein. Manchmal kann es wertvoll sein. Manchmal kann es fesselnd sein. Manchmal kann es beängstigend sein. Manchmal kann es roh sein. Manchmal kann es kraftvoll sein. Manchmal kann es lehrreich sein. Manchmal kann es elegant sein. Manchmal kann es überwältigend sein. Manchmal kann es inspirierend sein. Manchmal kann es die Welt verändern. Manchmal kann es albern sein. Manchmal kann es sanft sein. Manchmal kann es radikal sein. Manchmal kann es politisch sein. Manchmal kann es Sie daran erinnern, warum das Theater ein so wichtiger Bestandteil jeder Kultur ist.

Sehr selten kann das Theater all diese Dinge auf einmal sein.

Blurred Lines, das gestern im The Shed des National Theatre seine letzte Aufführung hatte, war eine dieser sehr seltenen Gelegenheiten. Siebzig Minuten voller Wut, eloquenter Argumente, glänzender Darbietungen, erschreckender Einsicht und einer klaren, präzisen Beleuchtung eines der grundlegenden Schrecken des modernen Lebens: die Art und Weise, wie Frauen missbraucht, marginalisiert und objektiviert werden, weil sie Frauen sind.

Geschaffen von Nick Payne (einem talentierten Schriftsteller) und Carrie Cracknell (die hier mit entschlossener Klarheit und spektakulärer Einsicht Regie führt) aus der improvisierten Arbeit des Ensembles von acht hervorragenden Schauspielerinnen, die alle lose auf Kat Barnyards Buch "The Equality Illusion" basieren oder davon inspiriert sind, ist Blurred Lines ein zeitgemäßes, kraftvolles und packend spannendes Werk, das auf unerschrockene und kompromisslose Weise wichtige und grundlegende Fragen über die schlechte Behandlung von Frauen in der Gesellschaft aufwirft.

In einer Reihe von Vignetten und kleinen Szenen untersucht das Ensemble fähiger Frauen kunstvoll Themen, die von Urteilen (etwa durch Besetzungsdirektoren) basieren auf dem Aussehen, inhärentem Sexismus in den Mainstream-Medien, Vergewaltigung in der Ehe, Geschlechterpolitik am Arbeitsplatz, dem Horror von High Heels und den düsteren Rechtfertigungen, die Männer verwenden, um ihren Gebrauch von Online-Pornografie und Prostituierten zu rechtfertigen, reichen. Es ist ein schwieriges Gebiet, aber wichtig, und obwohl die Themen ernst sind, gibt es viele Momente echten Humors und das ganze Geschehen ist in Wärme und Hoffnung gehüllt.

Die Schauspielerei ist endlos mutig, einsichtig und mit Komplexität und Verständnis durchdrungen. Jede der acht Schauspielerinnen ist hervorragend, und ihre Geschlossenheit als Ensemble ist bemerkenswert. Marion Bailey, Lorna Brown, Michaela Coel, Bryony Hannah, Sinéad Matthews, Ruth Sheen, Claire Skinner und Susannah Wise: jeder Einzelne glänzt - hier gibt es niemanden, der die schwierige und gekonnte Arbeit nicht leisten kann.

Besonders beeindruckend ist die Art und Weise, wie die acht zwischen verschiedenen Charakteren wechseln. Das Publikum verliert sich nie in einem Wirbel der Vielzahl von Rollen - alles ist spezifisch und perfekt beurteilt. Ein wahrhaft bemerkenswerter Erfolg ist, wenn verschiedene Schauspielerinnen Männer spielen - sie tun dies mit einer nahtlosen Einfachheit, die blendend ist. Susannah Wise als der Ehemann, der seinen Gebrauch von Prostituierten rechtfertigt, Ruth Sheen als der rückgratlose männliche Kollege, der nicht in der Lage oder willens ist, offensichtliche sexuelle Diskriminierung zu stoppen, Marion Bailey als der abscheuliche, prinzipienlose und ausbeuterische Direktor, der seine schamlose Ausbeutung seines glamourösen weiblichen Stars kaltblütig rechtfertigt: jedes Porträt männlicher Monstrosität ist hervorragend beurteilt.

Besonders interessant sind die Momente, in denen die Mittäterschaft von Frauen bei der schlechten Behandlung anderer Frauen untersucht wird. Bryony Hannah (besser als je zuvor auf der Bühne) ist wahrhaft erschreckend als die weibliche Managerin, die ihre Teilzeitangestellte allein wegen ihres Engagements für ihre Kinder rügt, und der Moment, in dem Michaela Coels angegriffene Angestellte sie beschuldigt, sich in einen Mann zu verwandeln, ist sowohl elektrisierend als auch genau auf den Punkt.

Coel ist auch in der Szene großartig, in der sie zufällig Ruth Sheens Mutter des Freundes ihrer Tochter im Supermarkt trifft und versucht, ein schwieriges Gespräch zu vermeiden, das sich um den Versuch der Tochter dreht, ihren Freund wegen Vergewaltigung in der Beziehung zu verurteilen. Coel ist hier brillant; aber auch Sheen, die beharrlich und entschlossen die Seite ihres Sohnes der Geschichte spinnt und unversöhnlich weigert zu glauben, dass er sich falsch verhalten haben könnte. Beide Mütter sind entschlossen, Gerechtigkeit für ihr Kind zu suchen - aber nur eine geht davon aus, dass die Tochter zugestimmt hat, weil "sie es schon einmal getan haben". Es ist ein unglaublich kraftvoller Austausch, der das Publikum lange nachdem es sich zu Hause eingelebt hat, verfolgen wird.

Aber in bester Tradition ist die beste Szene für den Schluss aufgehoben, wenn Bailey, Coel und die leuchtende Sinéad Matthews eine Q&A vor einem Live-Publikum nach der Vorführung eines Werkes durchführen, das Baileys alter, widerlicher Regisseur "zusammen mit" Matthews' glamouröser Star geschaffen hat. Hannah, als Mitglied des Publikums, stellt eine Frage, warum Baileys Regisseur dachte, es sei in Ordnung, Matthews' Charakter in einer entscheidenden Schlafzimmerszene zu objektivieren, in der Matthews' Körper und Unterwäsche im Mittelpunkt standen. Bailey weist Hannahs Fragen zurück, aber sie beharrt darauf, und Baileys Antworten werden zunehmend oberflächlich, überlegen, herablassend und banal. Dabei stellt Matthews' Charakter fest, dass sie betrogen, verraten, gedemütigt wurde, und kurz nachdem Hannah ihr Mikrofon fallen lässt und die Sitzung verlässt, gefolgt von anderen Publikumsmitgliedern, verlässt auch Matthews, zutiefst erschüttert.

Als Matthews' Charakter erbebte, erbebte auch jedes Publikumsglied. Die Szene nahm keine Gefangenen und hinterließ einen unauslöschlichen Eindruck von Schmerz, Sexismus und der stumpfsinnigen Selbstgerechtigkeit des mächtigen Mannes. Sie war in jeder Hinsicht des Wortes grandios.

Der Raum in The Shed wurde angepasst, um den Anforderungen des Stücks gerecht zu werden. Er ist intim und episch zugleich. Designer Bunny Christie liefert eine strahlend weiße Treppe, die sofort das Gefühl des Nachtlebens heraufbeschwört sowie die Schwierigkeiten, die Frauen haben, die gesellschaftliche Leiter zu erklimmen. Ihre Präsenz verdeutlicht auf sehr direkte Weise die inhärenten Schwierigkeiten, die Frauen mit hohen Absätzen haben, mit denen sie endlos umgehen müssen. Die Beleuchtung (Lucy Carter) ist effektiv und stimmungsvoll, oft so hart wie das Thema.

Blurred Lines ist eines der besten Stücke, das in den letzten sechs Jahren im National Theatre gespielt wurde. Es ist ein bedeutendes und provokatives Werk von großer Breite und Umfang.

Ernsthaft, jeder Mann auf der Welt sollte es sehen; Teenager sollten es sehen müssen, bevor sie ihren Abschluss machen oder die Schule verlassen. Es sollte lange gespielt und überall gezeigt werden, wo es Theater gibt. Es ist wirklich so wichtig.