CRITIQUE : Blurred Lines, The Shed Theatre au National ✭✭✭✭✭

La distribution de Blurred Lines. Photo : Simon Kane Blurred Lines

The Shed Theatre, National Theatre

22 février 2014

Le théâtre peut parfois être amusant. Parfois, il peut être choquant. Parfois, il peut être digne. Parfois, il peut être captivant. Parfois, il peut être effrayant. Parfois, il peut être brut. Parfois, il peut être puissant. Parfois, il peut être éducatif. Parfois, il peut être élégant. Parfois, il peut être accablant. Parfois, il peut être inspirant. Parfois, il peut changer le monde. Parfois, il peut être absurde. Parfois, il peut être doux. Parfois, il peut être radical. Parfois, il peut être politique. Parfois, il peut vous rappeler pourquoi le théâtre est une partie si profondément importante de toute culture.

Il est très rare que le théâtre soit tout cela à la fois.

Blurred Lines, qui a terminé ses représentations au Shed du National hier, était l'une de ces occasions très rares. Soixante-dix minutes de fureur, d'arguments éloquents, de performances éclatantes, un aperçu glaçant et une illumination nette et précise de l'une des horreurs fondamentales de la vie moderne : la façon dont les femmes sont maltraitées, marginalisées et objectifiées parce qu'elles sont des femmes.

Créé par Nick Payne (un écrivain talentueux) et Carrie Cracknell (qui dirige ici avec une détermination sans faille et une perspicacité et une clarté spectaculaires) à partir d'un travail improvisé par une troupe de huit excellentes actrices, toutes vaguement inspirées ou évoquées par le livre de Kat Barnyard, The Equality Illusion, Blurred Lines est une œuvre opportune, puissante et viscéralement palpitante qui soulève, de manière audacieuse et sans compromis, des questions importantes et fondamentales sur la maltraitance des femmes par la société.

Dans une série de vignettes et de petites scènes, la troupe de femmes talentueuses examine avec art des questions qui vont des jugements (parmi d'autres par des directeurs de casting) fondés sur l'apparence, à la misogynie inhérente dans les médias traditionnels, le viol conjugal, la politique de genre sur le lieu de travail, l'horreur des talons hauts et les justifications troubles que les hommes adoptent pour justifier leur utilisation de la pornographie en ligne et des prostituées. C'est un territoire difficile, mais important, et bien que les sujets soient sérieux, il y a de nombreux moments d'humour authentique et l'ensemble est enveloppé de chaleur et d'espoir.

Le jeu des actrices est infiniment courageux, perspicace et imprégné de complexité et de compréhension. Chacune des huit actrices est superbe et leur cohésion en tant qu'ensemble est remarquable. Marion Bailey, Lorna Brown, Michaela Coel, Bryony Hannah, Sinéad Matthews, Ruth Sheen, Claire Skinner et Susannah Wise : chacune excelle - aucun ne faillit à accomplir le travail difficile et habile requis.

Particulièrement impressionnant est la façon dont les huit passent d'un personnage à l'autre. Le public ne se perd jamais dans un tourbillon de multiplicité des rôles - tout est spécifique et parfaitement ciselé. L'une des réalisations les plus étonnantes est lorsque diverses actrices jouent des hommes - elles le font avec une simplicité sans faille qui est éblouissante. Susannah Wise en tant que mari justifiant son recours aux prostituées, Ruth Sheen en tant que collègue masculin veule incapable ou refusant d'arrêter une discrimination sexuelle flagrante, Marion Bailey en tant que réalisateur odieux, sans scrupule et exploiteur justifiant calmement son exploitation éhontée de sa star féminine glamour : chaque portrait de la monstruosité masculine est superbement jugé.

Particulièrement intéressants sont les moments où la complicité des femmes dans la maltraitance d'autres femmes est examinée. Bryony Hannah (mieux qu'elle ne l'a jamais été sur scène auparavant) est vraiment effrayante en tant que manager féminine admonestant son employée à temps partiel uniquement pour son engagement envers ses enfants et le moment où Michaela Coel, l'employée attaquée, l'accuse de se transformer en homme est à la fois électrique et juste.

Coel est également magnifique dans la scène où elle tombe sur la mère du petit ami de sa fille, jouée par Ruth Sheen, dans le supermarché et tente d'éviter une conversation difficile centrée autour de la tentative de la fille de faire condamner son petit ami pour viol dans une relation. Coel est brillante ici ; mais Ruth Sheen l'est aussi, dépeignant un récit de son fils et refusant fermement de croire qu'il ait pu mal agir. Les deux mères sont déterminées à obtenir justice pour leur enfant - mais une seule part de l'hypothèse que la fille avait consenti parce qu'"ils l'avaient déjà fait avant". C'est un échange incroyablement puissant qui hantera le public longtemps après qu'il soit rentré confortablement chez lui.

Mais, dans la grande tradition, la meilleure scène est réservée pour la fin lorsque Bailey, Coel et la lumineuse Sinéad Matthews exécutent une séance de questions-réponses devant un public après la projection d'une œuvre que le vieux directeur d'école répugnant de Bailey a « créée avec » la star glamour de Matthews. Hannah, en tant que membre du public, pose une question sur la raison pour laquelle le réalisateur de Bailey pense qu'il est acceptable d'objectiver le personnage de Matthews dans une scène de chambre cruciale où il y avait beaucoup de focus sur le corps et les sous-vêtements de Matthews. Bailey rejette les questions de Hannah, mais elle persiste et les réponses de Bailey deviennent de plus en plus superficielles, supérieures, condescendantes et faciles. Dans le processus, le personnage de Matthews réalise qu'elle a été dupée, trahie, humiliée, et peu après Hannah laisse tomber son microphone et quitte la session, suivie par d'autres membres du public, Matthews part également, ébranlée jusqu'au fond de son être.

Alors que le personnage de Matthews tremblait, chaque spectateur aussi. La scène ne faisait pas de prisonniers et laissait une impression indélébile de douleur, de misogynie et de l'obtuse autosatisfaction des hommes puissants. C'était, dans tous les sens du terme, magnifique.

L'espace du Shed a été aménagé pour convenir à la pièce. C'est intime et épique à la fois. Le scénographe Bunny Christie propose un escalier blanc éclatant qui évoque immédiatement la vie nocturne en boîte de nuit ainsi que la difficulté pour les femmes de gravir les échelons de la société. Sa présence met en évidence, de manière très simple, la difficulté inhérente que les femmes ont avec les talons hauts, une difficulté à laquelle elles sont confrontées sans cesse. L'éclairage (Lucy Carter) est efficace et sombre, souvent aussi brutal que le sujet abordé.

Blurred Lines est l'un des meilleurs spectacles à jouer au National Theatre au cours des six dernières années. C'est une œuvre significative et provocante d'une grande envergure et ampleur.

Sérieusement, chaque homme dans le monde devrait le voir ; les adolescents devraient être contraints de le voir avant de pouvoir obtenir leur diplôme ou quitter l'école. Il devrait être joué longtemps et partout où il y a des théâtres. C'est vraiment aussi important que cela.