CRÍTICA: Blurred Lines, The Shed Theatre no The National ✭✭✭✭✭

Elenco de Blurred Lines. Foto: Simon Kane Blurred Lines

The Shed Theatre, National Theatre

22 de Fevereiro de 2014

Às vezes, o teatro pode ser divertido. Às vezes, pode ser chocante. Às vezes, pode ser relevante. Às vezes, pode ser hipnotizante. Às vezes, pode ser assustador. Às vezes, pode ser cru. Às vezes, pode ser poderoso. Às vezes, pode ser educativo. Às vezes, pode ser elegante. Às vezes, pode ser avassalador. Às vezes, pode ser inspirador. Às vezes, pode mudar o mundo. Às vezes, pode ser bobo. Às vezes, pode ser gentil. Às vezes, pode ser radical. Às vezes, pode ser político. Às vezes, pode te fazer lembrar por que o teatro é uma parte tão profundamente importante de qualquer cultura.

Raramente, o teatro pode ser todas essas coisas ao mesmo tempo.

Blurred Lines, que encerrou sua temporada no The Shed do National ontem, foi uma dessas ocasiões muito raras. Setenta minutos de fúria, argumento eloquente, performances de bravura, insight perturbador e uma iluminação nítida e clara de um dos horrores fundamentais da vida moderna: a forma como as mulheres são abusadas, marginalizadas e objetificadas por serem mulheres.

Criado por Nick Payne (um escritor talentoso) e Carrie Cracknell (que dirige aqui com uma determinação ágil e um insight e clareza espetaculares) a partir do trabalho improvisado da companhia de oito excelentes atrizes, todos vagamente baseados ou evocados pelo livro de Kat Barnard The Equality Illusion, Blurred Lines é uma obra oportuna, poderosa e visceralmente emocionante que levanta, de uma maneira inflexível e intransigente, perguntas importantes e fundamentais sobre o mau tratamento das mulheres pela sociedade.

Em uma série de vinhetas e pequenas cenas, o grupo de mulheres habilidosas examina artisticamente questões que variam de julgamentos (por diretores de elenco, entre outros) feitos com base na aparência, misoginia inerente na mídia mainstream, estupro no casamento, política de gênero no local de trabalho, o horror dos saltos altos e as justificações obscuras que os homens adotam ao justificar seu uso de pornografia online e prostitutas. É um território difícil, mas importante, e embora os temas sejam sérios, há muitos momentos de verdadeiro humor e todo o processo é envolto em calor e esperança.

A atuação é infinitamente corajosa, perspicaz e rica em complexidade e compreensão. Cada uma das oito atrizes é soberba, e sua coesão como grupo é notável. Marion Bailey, Lorna Brown, Michaela Coel, Bryony Hannah, Sinéad Matthews, Ruth Sheen, Claire Skinner e Susannah Wise: todas se destacam - ninguém aqui deixa de cumprir o trabalho difícil e habilidoso exigido.

Particularmente impressionante é a maneira como as oito alternam entre vários personagens. O público nunca se perde em uma confusão de multiplicidade de papéis - tudo é específico e perfeitamente julgado. Um dos feitos mais surpreendentes ocorre quando várias atrizes interpretam homens - elas fazem isso com uma simplicidade fluida que é deslumbrante. Susannah Wise como o marido justificando seu uso de prostitutas, Ruth Sheen como o colega de trabalho masculino sem espinha dorsal incapaz ou relutante em parar a discriminação sexual flagrante, Marion Bailey como o diretor horrível, sem princípios e explorador justificando calmamente sua exploração descarada de sua glamorosa estrela feminina: cada retrato da monstruosidade masculina é soberbamente julgado.

São especialmente interessantes os momentos em que a cumplicidade das mulheres no mau tratamento de outras mulheres é examinada. Bryony Hannah (melhor do que ela já esteve no palco antes) é verdadeiramente assustadora como a gerente feminina que admoesta sua funcionária em tempo parcial apenas por seu compromisso com seus filhos, e o momento em que a funcionária sob ataque de Michaela Coel a acusa de se transformar em um homem é tanto eletrizante como preciso.

Coel também é magnífica na cena em que ela encontra a mãe do namorado de sua filha, interpretada por Ruth Sheen, no supermercado e tenta evitar uma conversa difícil centrada nas tentativas da filha de condenar seu namorado por estupro no relacionamento. Coel é brilhante aqui; mas Sheen também é, tecendo persistentemente e com determinação o lado da história de seu filho e recusando-se implacavelmente a acreditar que ele possa ter agido de forma errada. Ambas as mães estão determinadas a ver justiça feita para seus filhos - mas apenas uma parte do princípio que a filha consentiu porque "já haviam feito antes". É um intercâmbio incrivelmente poderoso e algo que assombrará o público muito tempo depois de estarem confortavelmente em casa.

Mas, na grandiosa tradição, a melhor cena é guardada para o final quando Bailey, Coel e a luminosa Sinéad Matthews realizam um Q e A em frente a um público ao vivo após uma exibição de uma obra que o vil diretor velho de escola de Bailey "criou com" a estrela glamorosa de Matthews. Hannah, como um membro do público, faz uma pergunta sobre por que o diretor de Bailey achou que era aceitável objetificar a personagem de Matthews em uma cena crucial de quarto onde houve muito foco no corpo de Matthews e na lingerie. Bailey despreza as perguntas de Hannah, mas ela persiste e as respostas de Bailey tornam-se cada vez mais superficiais, superiores, condescendentes e clichês. No processo, a personagem de Matthews percebe que foi enganada, traída, humilhada, e logo após Hannah largar seu microfone e sair da sessão, seguida por outros membros do público, Matthews também sai, abalada até o âmago.

Enquanto a personagem de Matthews tremia, assim também tremia cada membro do público. A cena não poupou ninguém e deixou uma impressão indelével de dor, misoginia e a obstinada justiça-própria dos poderosos homens. Foi, em todos os sentidos da palavra, magnífico.

O espaço do The Shed foi configurado para adequar-se à peça. É íntimo e épico ao mesmo tempo. A designer Bunny Christie fornece uma escadaria branca brilhante que evoca imediatamente a sensação da vida noturna, assim como a dificuldade que as mulheres têm em ascender na escada da sociedade. Sua presença destaca, de uma forma muito direta, a dificuldade inerente que as mulheres têm com saltos altos, uma dificuldade com a qual elas lidam infinitamente. A iluminação (Lucy Carter) é efetiva e atmosférica, muitas vezes tão severa quanto o tema.

Blurred Lines é uma das melhores coisas a ser apresentada no National Theatre nos últimos seis anos. É uma obra significativa e provocativa de grande alcance e amplitude.

Sinceramente, todo homem no mundo deveria vê-lo; adolescentes deveriam ser obrigados a vê-lo antes de se formarem ou deixarem a escola. Deveria estar em cartaz por muito tempo e ser visto em todo lugar onde há teatros. É realmente tão importante assim.