RECENSIONE: Blurred Lines, The Shed Theatre presso The National ✭✭✭✭✭

Il cast di Blurred Lines. Foto: Simon Kane Blurred Lines

The Shed Theatre, National Theatre

22 febbraio 2014

A volte il teatro può essere divertente. A volte può essere scioccante. A volte può essere valido. A volte può essere ipnotizzante. A volte può essere spaventoso. A volte può essere crudo. A volte può essere potente. A volte può essere educativo. A volte può essere elegante. A volte può essere travolgente. A volte può essere ispirante. A volte può cambiare il mondo. A volte può essere sciocco. A volte può essere gentile. A volte può essere radicale. A volte può essere politico. A volte può farti ricordare perché il teatro è una parte così profondamente importante di qualsiasi cultura.

Molto raramente, il teatro può essere tutte queste cose contemporaneamente.

Blurred Lines, che ha concluso la sua programmazione al The Shed del National ieri, era una di quelle occasioni molto rare. Settanta minuti di furia, argomentazioni eloquenti, interpretazioni da brivido, intuizioni inquietanti e una chiara, semplice illuminazione di uno degli orrori fondamentali della vita moderna: il modo in cui le donne sono maltrattate, emarginate e oggettivizzate perché sono donne.

Creato da Nick Payne (un talento della scrittura) e Carrie Cracknell (che dirige qui con determinazione impeccabile e con spettacolare intuizione e chiarezza) a partire dal lavoro improvvisato della compagnia composta da otto eccellenti attrici, tutte vagamente basate o evocate dal libro di Kat Barnard The Equality Illusion, Blurred Lines è un'opera tempestiva, potente e visceralmente emozionante che solleva, in modo intransigente e senza compromessi, importanti e fondamentali domande sul maltrattamento sociale delle donne.

In una serie di scenette e piccoli quadri, la compagnia di abili donne esamina abilmente questioni che spaziano dai giudizi (da parte dei direttori di casting tra gli altri) basati sull'apparenza, alla misoginia intrinseca nei media mainstrem, lo stupro coniugale, la politica di genere sul posto di lavoro, l'orrore dei tacchi alti e le giustificazioni nebulose che gli uomini adottano giustificando l'uso di pornografia online e prostitute. È un territorio difficile, ma importante, e sebbene i temi siano seri, ci sono molti momenti di vero umorismo e l'intera esecuzione è avvolta in calore e speranza.

La recitazione è infinitamente coraggiosa, perspicace e stratificata con complessità e comprensione. Ognuna delle otto attrici è superba e la loro coesione come un ensemble è straordinaria. Marion Bailey, Lorna Brown, Michaela Coel, Bryony Hannah, Sinéad Matthews, Ruth Sheen, Claire Skinner e Susannah Wise: ognuna eccelle - nessuna qui non è in grado di fare il lavoro complesso e qualificato richiesto.

Particolarmente impressionante è il modo in cui le otto passano da vari personaggi. Il pubblico non è mai perso in un turbine di molteplicità di ruoli - tutto è specifico e perfettamente ponderato. Uno dei risultati più sorprendenti arriva quando varie attrici interpretano uomini - lo fanno con una semplicità impeccabile che è stupefacente. Susannah Wise come il marito che giustifica il suo uso delle prostitute, Ruth Sheen come il collega maschile codardo e incapace o riluttante a fermare la discriminazione sessuale sfacciata, Marion Bailey come il direttore vergognoso, senza principi e sfruttatore che giustifica tranquillamente il suo sfruttamento sfacciato della sua star femminile glamour: ogni ritratto di mostruosità maschile è superbamente giudicato.

Particolarmente interessanti sono i momenti in cui si esamina la complicità delle donne nel maltrattamento delle altre donne. Bryony Hannah (meglio che mai sul palco) è veramente terrificante come la manager femminile che critica la sua dipendente part-time esclusivamente per il suo impegno verso i suoi figli e il momento in cui la dipendente assalita di Michaela Coel l'accusa di essere diventata un uomo è elettrico e centrato.

Coel è anche magnifica nella scena in cui si imbatte nella madre di Ruth Sheen, la madre del fidanzato di sua figlia nel supermercato e cerca di evitare una conversazione difficile incentrata sui tentativi della figlia di far condannare il fidanzato per stupro durante la relazione. Coel è brillante qui; ma lo è anche Sheen, determinata e risoluta nel raccontare la versione del figlio e nel rifiutarsi ostinatamente di credere che lui possa aver avuto comportamenti scorretti. Entrambe le madri sono determinate a vedere che giustizia venga fatta per il loro figlio - ma solo una presuppone che la figlia abbia acconsentito perché "lo avevano fatto prima". È uno scambio incredibilmente potente e uno che continuerà a tormentare il pubblico molto dopo che saranno comodamente a casa.

Ma, nella grande tradizione, la scena migliore è lasciata per ultima quando Bailey, Coel e la luminosa Sinéad Matthews mettono in atto una sessione di domande e risposte davanti a un pubblico dal vivo dopo la visione di un'opera che il vecchio direttore scolastico e vile di Bailey ha "creato con" la star glamour di Matthews. Hannah, come membro del pubblico, fa una domanda sul perché il direttore di Bailey pensava fosse giusto oggettivizzare il personaggio di Matthews in una scena cruciale in camera da letto dove c'era molta attenzione sul corpo e sulla biancheria intima di Matthews. Bailey respinge le domande di Hannah ma lei insiste e le risposte di Bailey diventano sempre più superficiali, superbie, condiscendenti e facili. Nel processo, il personaggio di Matthews si rende conto di essere stata ingannata, tradita, umiliata, e poco dopo che Hannah abbandona il suo microfono e lascia la sessione, seguita da altri membri del pubblico, anche Matthews se ne va, scossa nel profondo.

Come tremava il personaggio di Matthews, così tremava ogni membro del pubblico. La scena non faceva prigionieri e lasciava un'impressione indelebile di dolore, misoginia e l'ottusa presunzione di rettitudine del potente maschio. Era, in ogni senso della parola, magnifico.

Lo spazio di The Shed è stato configurato per adattarsi al pezzo. È intimo ed epico allo stesso tempo. Il designer Bunny Christie fornisce una scala bianca brillante che evoca immediatamente il senso della vita notturna così come la difficoltà delle donne nel salire la scala sociale. La sua presenza evidenzia, in modo molto semplice, la difficoltà intrinseca che le donne hanno con i tacchi alti, una difficoltà con cui devono confrontarsi di continuo. L'illuminazione (di Lucy Carter) è efficace e atmosferica, spesso dura quanto il tema trattato.

Blurred Lines è una delle migliori cose che siano andate in scena al National Theatre negli ultimi sei anni. È un'opera significativa e provocatoria di grande portata e respiro.

Seriamente, ogni uomo al mondo dovrebbe vederlo; gli adolescenti dovrebbero essere obbligati a vederlo prima di ottenere il diploma o lasciare la scuola. Dovrebbe restare in scena a lungo e essere visto ovunque ci siano teatri. È davvero così importante.