RESEÑA: Bare, The Vaults Londres ✭✭✭

Julian Eaves reseña la ópera pop Bare, de Damon Intrabartolo y Jon Hartmere, actualmente en cartel en The Vaults, Londres.

El reparto de Bare

The Vaults

29 de junio de 2019

3 estrellas

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La escena final de esta ópera pop es una de las menos “pop” y menos operística de toda la obra, y la que concentra la mayor fuerza dramática.  Cuando llega —recordándonos las duras historias reales que se esconden tras la diversión segura y los juegos de la ficción teatral— nos hace pensar que quizá, solo quizá, si estuviera menos entregada a entretener y más centrada en transmitir el potente mensaje con el que quiere dejarnos, todo el espectáculo funcionaría mucho mejor.

Tal y como está, lo que tenemos es una historia entre bambalinas bastante convencional sobre un instituto católico en EE. UU. que monta una producción de “Romeo y Julieta”, donde el actor que interpreta al protagonista masculino es bisexual y mantiene una relación no solo con la chica que hace de Julieta, sino también con el chico que interpreta a Mercucio, siendo esta última la relación más duradera y sentida.  Así queda preparado el terreno para que las tensiones románticas lleguen a ebullición al sumergirse en el mundo a presión de los Montesco y los Capuleto.  Y, de forma mecánica, eso es lo que nos ofrece el libreto de Jon Hartmere, mientras la música de Damon Intrabartolo mantiene el pie marcando el ritmo con melodías pegadizas al instante que, justo después de oírlas, resultan igual de difíciles de recordar; sus baladas son infinitamente mejores, y ocupan más espacio en la segunda mitad del espectáculo, con un efecto fantástico, aunque nada resulta tan conmovedor como la verdaderamente preciosa escritura coral, que aquí recibe una interpretación sobresaliente por parte de un reparto maravilloso.

Tom Hier, Mark Jardine y Darragh Cowley en Bare.

Sin embargo, en esta producción en concreto, no necesariamente te enteras de todo eso.  Para empezar, la banda —dirección musical, Alasdair Brown; diseño de sonido, Ross Portway— está exageradamente alta durante la primera media hora aproximadamente del espectáculo, es decir, toda la exposición, de modo que a la mayoría de quienes lo ven por primera vez les costará oír suficiente texto como para entender quiénes son todos los personajes, qué quieren y por qué —sobre todo— debería importarnos.  Eso le pasó a casi todo el mundo sentado a mi alrededor en los asientos caros en una función normal (no era noche de prensa) a la que asistí.  ¡Y vaya asientos!  Son los más incómodos que encontrarás ahora mismo en Londres.  Y por casi 40 £ la entrada, es mucho dinero tirado a la basura solo para acabar pidiendo cita con un osteópata.  Además, están en plano y POR DEBAJO del escenario, así que te pierdes muchos detalles de la coreografía y de la acción en escena.  Y (por si fuera poco) el propio espacio escénico es una plataforma larga, estrecha, como un pasillo, situada a lo largo de uno de los túneles subterráneos bajo la estación de Waterloo; aunque tiene una pequeña sección que sobresale lo justo para que se apretujen unos cuantos bailarines, los objetos pueden caerse —y se caen— hacia el público (por suerte, ninguno llegó a golpear a los espectadores que habían pagado en la función a la que fui).

¿Sigues leyendo?  Nada de lo anterior es culpa de los actores, ni de los músicos, ni de la directora o el coreógrafo.  Si cogieras su trabajo, les dieras un mejor equilibrio de sonido y un espacio adecuado para mostrarlo al público, tendrías una producción mucho más lograda.  Por desgracia, SR Productions —que ha presentado trabajos muy exitosos, aunque de menor formato— ha cometido aquí algunos errores de cálculo fatales que, en la práctica, arruinan el trabajo de todos los demás.

Georgia Bradshaw, Beccy Lane y Lizzie Emery en Bare.

Es una auténtica pena.  Julie Atherton dirige con soltura y aplomo un espectáculo con muchísimas transiciones realmente incómodas.  Ya había visto esta obra antes, así que sé dónde están y qué problemas pueden causar.  Ella los sortea todos.  Además, consigue interpretaciones estupendas de un reparto mayoritariamente joven.  El Jason (Romeo) de Darragh Cowley es un portento físico —sobre todo cuando se queda en sus calzoncillos bóxer, sorprendentemente bien rellenos… bien por él—, y la Ivy (Julieta) de Lizzie Emery es una intérprete sólida, de preciosa voz, que sin duda llegará lejos.  Su compañera de habitación, antagonista, la Nadia (Nodriza) de Georgie Lovatt, prácticamente detiene el espectáculo con “A Quiet Night At Home”.  Y hay un apoyo magnífico por parte de la directora de la producción del instituto, Sister Chantelle/Virgen María, la estadounidense Stacy Francis, que levanta el techo con “911!  Emergency!” y “God Don't Make No Trash”.   Solo por estas interpretaciones ya debería haber colas para ver este espectáculo.

Daniel Mack Shand y Stacy Francis en Bare.

A ellas se suma el apoyo formidable del resto del reparto: el espléndido Matt (Tybalt) de Tom Hier es un tenor magnífico que ya está abriéndose camino en el gran repertorio protagonista: ¡cuando escuches su voz, sabrás por qué!  Un timbre precioso, apoyo sin esfuerzo y una dicción cristalina (cuando la banda —¡de solo cinco músicos!— no lo tapa).  Athena Collins merece mención por su presencia magnética en escena.  Junto a ella, en las escenas de la Virgen María, Georgia Bradshaw como Kyra se luce.  Liv Alexander como Diane y Beccy Lane como Rory también tienen sus momentos para brillar, igual que el atlético Zack de Tom Scanlon, el robusto Lucas de Bradley Connor y el Alan sagazmente observado de Alexander Moneypenny.  Hollie-Ann Lowe es una Swing muy solvente.  Y luego están los otros adultos: la estupenda Claire, la madre de Peter, interpretada por Jo Napthine, que —de nuevo— también logra parar el espectáculo con un “Warning” deslumbrante.  Mark Jardine es un Sacerdote de credibilidad fluida y natural.  El único miembro de la compañía que parece incómodo con su papel —y no es fácil entender por qué— es el Peter (Mercucio) de Daniel Mack Shand.  Quizá tuvo un mal día: a menudo entraba en las notas por debajo de afinación y parecía luchar por sostener las frases; pero, más que eso, sencillamente no aportó al papel la misma energía que se veía en el resto de la compañía; su Peter resulta un tanto flojo, y esa es la única decepción de la producción.  Esto me sorprendió: me gustó mucho como Jeff en , producida con enorme éxito por la misma compañía en Waterloo East recientemente.

Otra baza ganadora de esta propuesta —y que merece atención especial— es la magnífica coreografía de Stuart Rogers.  Vi su trabajo en la producción de la Urdang Academy del mismo espectáculo en Finsbury Town Hall hace un par de veranos y me encantó.  Ahora ha madurado aún más en el uso de los pasajes de danza y —por supuesto— trabaja con intérpretes más experimentados.  A pesar de tener que lograr sus resultados en un espacio casi imposible, los efectos son magníficos (si pudiéramos verlos mejor).  La iluminación, de Andrew Ellis, a menudo es muy evocadora y emocionante, pero hay momentos —unos pocos— en los que se lanzan luces brillantes directamente a los ojos del público durante un poco más de lo estrictamente cómodo.  No me importa entrecerrar los ojos de vez en cuando, pero sospecho que a algunas personas sí.

En fin, ahí lo tienes.  El espectáculo sería realmente muy bueno si los productores corrigieran varios problemas clave.  ¿Lo harán?  Habrá que verlo.

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