REZENSION: Bare, The Vaults London ✭✭✭

Julian Eaves bespricht die Pop-Oper Bare von Damon Intrabartolo und Jon Hartmere, die jetzt in The Vaults in London zu sehen ist.

Die Besetzung von Bare Bare

The Vaults

29. Juni 2019

3 Sterne

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Die Schlussszene dieser Pop-Oper ist eine der am wenigsten „poppigen“ und am wenigsten opernhaften des Abends – und zugleich diejenige, die die meiste dramatische Wucht entfaltet.  Wenn sie kommt – und uns an die harten, realen Geschichten erinnert, die hinter dem sicheren Spass und den Spielchen der theatralen Verstellung liegen – bringt sie uns dazu, darüber nachzudenken, dass die gesamte Show vielleicht, nur vielleicht, sehr viel besser funktionieren würde, wäre sie weniger darauf aus, zu unterhalten, und stärker darauf konzentriert, die kraftvolle Botschaft zu vermitteln, die sie uns mitgeben will.

So wie es ist, bekommen wir eine ziemlich konventionelle Backstage-Geschichte über eine katholische High School in den USA, die eine Inszenierung von „Romeo und Julia“ auf die Beine stellt. Der Darsteller der männlichen Hauptrolle ist bisexuell und hat nicht nur etwas mit dem Mädchen, das Julia spielt, sondern auch mit dem Jungen, der Mercutio spielt – und Letzteres ist die länger bestehende und tiefer empfundene Beziehung.  Damit ist die Bühne bereitet, damit romantische Spannungen in der Druckkochtopf-Welt der Montagues und Capulets zum Siedepunkt gelangen.  Und mechanisch gesehen ist genau das, was Jon Hartmeres Libretto liefert, während Damon Intrabartolos Musik die Füsse zu sofort eingängigen Melodien wippen lässt, die – kaum hat man sie gehört – ebenso schnell wieder schwer zu behalten sind. Seine Balladen sind ungleich stärker, und sie füllen den späteren Teil der Show in hervorragender Weise; doch nichts ist so bewegend wie die wirklich wunderschöne Chorsatz-Arbeit, die hier von einer grossartigen Besetzung in Bestform dargeboten wird.

Tom Hier, Mark Jardine und Darragh Cowley in Bare.

Allerdings würde man das in dieser konkreten Produktion nicht unbedingt alles mitbekommen.  Zunächst einmal ist die Band – Musikdirektion: Alasdair Brown, Sounddesign: Ross Portway – in der ersten knappen halben Stunde durchgehend viiiiel zu laut, also während der gesamten Exposition. Die meisten, die das Stück zum ersten Mal sehen, werden daher vermutlich nicht genug Text verstehen, um herauszufinden, wer all diese Figuren sind, was sie wollen und warum – vor allem – es uns überhaupt kümmern sollte.  Genau das ist fast allen passiert, die bei einer regulären Vorstellung (keine Pressenacht) um mich herum auf den teuren Plätzen sassen.  Und was für Plätze!  Das sind mit Abstand die unbequemsten Sitze, die man derzeit in London finden kann.  Und bei knapp 40 Pfund pro Platz ist das eine Menge Geld, das man im Grunde nur dafür ausgibt, einen Termin beim Osteopathen zu bekommen.  Ausserdem stehen sie ebenerdig und UNTERHALB der Bühne, sodass einem viele Details der Choreografie und des Bühnengeschehens entgehen.  Und (es wird noch schlimmer) ist der Spielraum selbst eine lange, korridorartige, schmale Plattform entlang der Längsseite eines der unterirdischen Gewölbe unter dem Bahnhof Waterloo; zwar gibt es einen kleinen Abschnitt, der gerade weit genug herausragt, dass sich ein paar Tänzer*innen darauf zwängen können, aber Gegenstände werden davon gestossen und in Richtung Publikum befördert (zum Glück hat bei der Vorstellung, die ich besucht habe, niemand von den zahlenden Gästen etwas abbekommen).

Immer noch dabei?  Nichts von alledem ist die Schuld der Schauspieler*innen, Musiker*innen, der Regie oder der Choreografie.  Nähme man ihre Arbeit, gäbe ihr eine bessere Klangbalance und einen passenden Raum, um sie dem Publikum zu zeigen, hätte man eine deutlich erfolgreichere Produktion.  Leider hat SR Productions – die mit sehr erfolgreichen, und deutlich kleineren, Arbeiten auf sich aufmerksam gemacht haben – hier ein paar folgenschwere Fehlkalkulationen begangen, die letztlich die Arbeit aller anderen zunichtemachen.

Georgia Bradshaw, Beccy Lane und Lizzie Emery in Bare.

Das ist wirklich zum Heulen.  Julie Atherton führt mit Leichtigkeit und Souveränität durch eine Show, die sehr viele ziemlich heikle Übergänge hat.  Ich habe dieses Stück schon einmal gesehen und weiss daher, wo sie liegen und welche Probleme sie verursachen können.  Sie umschifft sie alle.  Ausserdem holt sie wunderbare Leistungen aus ihrer überwiegend jungen Besetzung heraus.  Darragh Cowley als Jason (Romeo) ist körperlich ein echter Hingucker – besonders, wenn er sich bis auf seine erstaunlich gut ausgefüllten Boxershorts auszieht... gut für ihn – und Lizzie Emery als Ivy (Julia) ist eine starke, wunderschön klingende Darstellerin, die es sicher weit bringen wird.  Ihre antagonistische Mitbewohnerin, Georgie Lovatt als Nadia (Amme), bringt mit „A Quiet Night At Home“ den Abend so ziemlich zum Stillstand.  Und es gibt grossartige Unterstützung durch die Leiterin der Schulproduktion, Schwester Chantelle/Jungfrau Maria, die in den USA geborene und aufgewachsene Stacy Francis, die mit „911!  Emergency!“ und „God Don't Make No Trash“ das Haus zum Beben bringt.  Allein wegen dieser Leistungen sollten die Leute Schlange stehen, um diese Show zu sehen.

Daniel Mack Shand und Stacy Francis in Bare.

Hinzu kommt die fantastische Unterstützung des restlichen Ensembles: Tom Hier als Matt (Tybalt) ist ein herrlicher Matt und ein grossartiger Tenor, der sich bereits eine Karriere im grossen Hauptrollenrepertoire aufbaut – wenn man seine Stimme hört, weiss man sofort, warum!  Schöner Klang, mühelose Stütze und kristallklare Artikulation (wenn die Band – und das sind nur fünf! – ihn nicht gerade übertönt).  Athena Collins verdient Erwähnung wegen ihrer absolut magnetischen Bühnenpräsenz.  An ihrer Seite in den Jungfrau-Maria-Szenen wächst Georgia Bradshaw als Kyra über sich hinaus.  Liv Alexander als Diane und Beccy Lane als Rory bekommen ebenfalls ihre Momente zum Glänzen, ebenso Tom Scanlons athletischer Zack, Bradley Connors robuster Lucas und Alexander Moneypennys klug beobachteter Alan.  Hollie-Ann Lowe ist ein sehr fähiger Swing.  Und dann sind da noch die „Erwachsenen“: die hervorragende Claire, Peters Mutter, gespielt von Jo Napthine, die – wiederum – mit einem atemberaubend dargebotenen „Warning“ den Abend anhalten kann.  Mark Jardine ist ein durchweg glaubwürdiger Priester.  Das einzige Ensemblemitglied, das mit seiner Rolle nicht ganz im Reinen zu sein scheint – und es ist schwer zu sagen, warum – ist Daniel Mack Shand als Peter (Mercutio).  Vielleicht hatte er einen schlechten Tag: Töne wurden oft von unten angegangen, und er schien Mühe zu haben, Phrasen sauber zu halten; aber mehr noch fehlte der Rolle bei ihm die Energie, die sonst überall im Ensemble zu spüren war. Sein Peter wirkt ein wenig wie ein Waschlappen – das ist die einzige Enttäuschung dieser Produktion.  Das hat mich überrascht: Ich mochte ihn sehr als Jeff in , das die gleiche Company kürzlich am Waterloo East mit grossem Erfolg herausgebracht hat.

Ein weiteres starkes Merkmal dieser Präsentation, das besondere Aufmerksamkeit verdient, ist die hervorragende Choreografie von Stuart Rogers.  Ich habe seine Arbeit in der Urdang-Academy-Produktion derselben Show vor ein paar Sommern im Finsbury Town Hall gesehen und geliebt.  Jetzt ist er im Einsatz der Tanzsequenzen noch einmal gereift und arbeitet – natürlich – mit erfahreneren Darsteller*innen.  Obwohl er seine Wirkung in einem nahezu unmöglichen Raum erzielen muss, sind die Ergebnisse grandios (wenn wir sie nur besser sehen könnten).  Das Lichtdesign von Andrew Ellis ist oft sehr stimmungsvoll und aufregend, aber es gibt ein paar Momente, in denen grelle Lichter dem Publikum einen Tick länger als wirklich angenehm in die Augen brennen.  Ab und zu die Augen zusammenkneifen zu müssen, stört mich nicht – ich vermute jedoch, dass es manche Leute durchaus stört.

Wie auch immer: So steht es.  Die Show wäre wirklich sehr gut, wenn die Produzenten nur ein paar zentrale Probleme in den Griff bekämen.  Werden sie das?  Das wird sich zeigen.

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