RESENHA: Bare, The Vaults Londres ✭✭✭

Julian Eaves analisa a pop opera Bare, de Damon Intrabartolo e Jon Hartmere, atualmente em cena no The Vaults, em Londres.

O elenco de Bare

The Vaults

29 de junho de 2019

3 Estrelas

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A cena final desta pop opera é uma das menos “pop” e menos operáticas de todo o espetáculo — e também a que concentra maior força dramática.  Quando acontece — lembrando-nos das duras histórias reais que se escondem por detrás da diversão aparentemente segura e do faz-de-conta teatral — faz-nos pensar que talvez, só talvez, se fosse menos dedicada a entreter e mais focada em transmitir a mensagem forte que quer deixar, o conjunto do espetáculo funcionasse muito melhor.

Tal como está, o que temos é uma história de bastidores bastante convencional sobre um liceu católico nos EUA a montar uma produção de “Romeu e Julieta”, em que o ator que interpreta o protagonista masculino é bissexual e está envolvido não só com a rapariga que faz de Julieta, mas também com um rapaz que interpreta Mercúcio — sendo esta última a relação mais antiga e emocionalmente mais profunda.  Assim, está montado o cenário para que as tensões românticas atinjam o ponto de ebulição, por imersão no mundo em panela de pressão dos Montéquios e Capuletos.  E, de forma algo mecânica, é isso que o libreto de Jon Hartmere nos entrega, enquanto a música de Damon Intrabartolo mantém o pé a marcar o ritmo com melodias imediatamente cativantes que, mal as ouvimos, se tornam também surpreendentemente difíceis de recordar; as baladas são infinitamente melhores, e ocupam mais da segunda metade do espetáculo, com excelente resultado, mas nada é tão tocante como a escrita coral verdadeiramente deslumbrante, aqui servida por um elenco maravilhoso em forma superlativa.

Tom Hier, Mark Jardine e Darragh Cowley em Bare.

No entanto, nesta produção em particular, não é garantido que se aperceba de tudo isso.  Para começar, a banda — direção musical, Alasdair Brown; desenho de som, Ross Portway — está absurdamente alta durante toda a meia hora inicial, isto é, durante toda a exposição, pelo que a maioria das pessoas que vê o espetáculo pela primeira vez dificilmente ouvirá texto suficiente para perceber quem são as personagens, o que querem e por que razão — acima de tudo — nos deve importar.  Foi o que aconteceu com quase toda a gente sentada nos lugares caros à minha volta numa sessão regular do espetáculo (não era noite de imprensa) a que assisti.  E que lugares!  São, de longe, os mais desconfortáveis que encontrará atualmente em Londres.  E a pouco menos de £40 cada, é muito dinheiro deitado fora só para marcar consulta com um osteopata.  Além disso, ficam ao nível do chão e ABAIXO do palco, pelo que se perde muito detalhe da coreografia e da ação em cena.  E (fica pior) o próprio espaço de representação é uma plataforma longa e estreita, do comprimento de um corredor, encostada ao lado comprido de uma das caves abobadadas subterrâneas por baixo da estação de Waterloo; embora tenha uma pequena secção que avança o suficiente para permitir que alguns bailarinos se apertem ali, objetos podem — e vão — ser empurrados para fora, na direção do público (felizmente, nenhum acertou em espectadores pagantes na sessão a que fui).

Ainda a ler?  Nada do acima descrito é culpa dos atores, dos músicos, da encenadora ou do coreógrafo.  Se pegássemos no trabalho deles, lhes déssemos um melhor equilíbrio de som e um espaço adequado para o apresentar ao público, teríamos uma produção muito mais bem-sucedida.  Infelizmente, a SR Productions — que tem apresentado alguns trabalhos muito bem conseguidos, e em escala bem mais pequena — cometeu aqui alguns erros de cálculo fatais que, na prática, estragam o trabalho de toda a gente.

Georgia Bradshaw, Beccy Lane e Lizzie Emery em Bare.

É realmente de lamentar.  Julie Atherton encena com facilidade e segurança um espetáculo que tem inúmeras transições bastante desajeitadas.  Já vi esta peça antes e, por isso, sei onde estão e que problemas podem causar.  Ela contorna-as todas.  Além disso, arranca interpretações excelentes de um elenco maioritariamente jovem.  O Jason (Romeu) de Darragh Cowley é um arraso físico — sobretudo quando fica só de boxers, incrivelmente bem preenchidos... ainda bem para ele — e a Ivy (Julieta) de Lizzie Emery é uma intérprete forte, com uma voz lindíssima, que certamente irá longe.  A sua colega de quarto antagonista, a Nadia (Ama) de Georgie Lovatt, praticamente para o espetáculo com “A Quiet Night At Home”.  E há um suporte soberbo por parte da diretora da produção do liceu, Sister Chantelle/Virgem Maria, Stacy Francis, nascida e criada nos EUA, que levanta o telhado com “911!  Emergency!” e “God Don't Make No Trash”.   Só por estas interpretações já valia a pena ver filas à porta para este espetáculo.

Daniel Mack Shand e Stacy Francis em Bare.

Some-se a isto o apoio fantástico do resto do elenco: o Matt (Tybalt) glorioso de Tom Hier é um tenor magnífico que já está a construir uma carreira no grande repertório de protagonistas — quando ouvir a voz dele perceberá porquê!  Belo timbre, apoio sem esforço e dicção cristalina (quando a banda — de apenas cinco elementos! — não o está a afogar).  Athena Collins merece menção pela presença magnética em palco.  Ao lado dela, nas cenas da Virgem Maria, Georgia Bradshaw, como Kyra, brilha verdadeiramente.  Liv Alexander, como Diane, e Beccy Lane, como Rory, também têm os seus momentos para se destacarem, tal como o atlético Zack de Tom Scanlon, o robusto Lucas de Bradley Connor e o Alan, finamente observado, de Alexander Moneypenny.  Hollie-Ann Lowe é uma Swing muito competente.  E depois há os outros adultos: a excelente Claire, mãe do Peter, interpretada por Jo Napthine, que — de novo — também consegue parar o espetáculo com uma versão deslumbrante de “Warning”.  Mark Jardine é um Padre de credibilidade suave e segura.  O único elemento da companhia que parece menos à vontade com o seu papel — e não é fácil perceber porquê — é o Peter (Mercúcio) de Daniel Mack Shand.  Talvez estivesse num mau dia: muitas notas eram atacadas abaixo da afinação e parecia ter dificuldade em sustentar as frases; mas, mais do que isso, simplesmente não deu ao papel o mesmo tipo de energia que se via por todo o resto da companhia; o seu Peter soa um pouco apático, o que é a única desilusão desta produção.  Isto surpreendeu-me: gostei muito dele como Jeff em , produzido com enorme sucesso pela mesma companhia no Waterloo East recentemente.

Outra característica vencedora desta apresentação — e que merece atenção especial — é a coreografia soberba de Stuart Rogers.  Vi o trabalho dele na produção do mesmo espetáculo pela Urdang Academy, no Finsbury Town Hall, há dois verões, e adorei.  Agora, amadureceu ainda mais na forma como utiliza os momentos de dança e — claro — está a trabalhar com intérpretes mais experientes.  Apesar de ter de alcançar resultados num espaço quase impossível, os efeitos são magníficos (se ao menos os conseguíssemos ver melhor).  A iluminação, de Andrew Ellis, é muitas vezes muito evocativa e empolgante, mas há momentos — alguns — em que luzes fortes são projetadas diretamente nos olhos do público durante um pouco mais de tempo do que é estritamente confortável.  Não me importo de semicerrar os olhos de vez em quando, mas suspeito que algumas pessoas sim.

Enfim, é isto.  O espetáculo poderia ser muito, muito bom, se os produtores resolvessem vários problemas-chave.  Será que vão?  Teremos de esperar para ver.

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