CRÍTICA: A Fúria de Narciso, Pleasance Theatre, Londres ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critica The Rage Of Narcissus, de Sergio Blanco, atualmente em cena no Pleasance Theatre, em Londres.

Sam Crane (Sergio Blanco). Foto: Ali Wright The Rage of Narcissus Pleasance Theatre

21 de fevereiro de 2020

5 Estrelas

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AVISO: CONTÉM SPOILERS....

Acho que isto é um drama “pós-estruturalista”: certamente não é o tipo de coisa que se vê todos os dias no Reino Unido — e é ainda mais raro vê-la feita tão bem.  O escritor franco-uruguaio Sergio Blanco aborda o teatro de uma forma completamente desconhecida para a maioria do público britânico, que raramente tem oportunidade de ver algo que se afaste de forma tão radical das convenções naturalistas que aqui dominam.  O autor coloca-se no centro da história, com um ator a “impersoná-lo” enquanto atravessa um enredo que — somos convidados a acreditar — é verdadeiro.  Como a história envolve a morte final do autor (outro tropo pós-estruturalista), a veracidade total do relato é, no mínimo, improvável.  A sua eficácia, contudo, reside no grau de credibilidade que vai sendo acumulado para a narrativa de um professor universitário visitante que descobre que ocorreram acontecimentos sinistros no seu quarto de hotel e, depois, cai na sua recorrência.  Ao longo dos seus 90 minutos, o drama tem muito a dizer sobre a natureza do eu, a relação entre mito e realidade, o desejo sexual e a destrutividade humana.  Também funciona como um thriller irresistível, com os parafusos da revelação gradual e da tensão a serem apertados passo a passo até a um desfecho engenhoso.

Foto: Ali Wright

Blanco é uma criatura notável: é simultaneamente omnipresente nesta “história” e, ainda assim, completamente esquivo.  A exposição da sua alma nesta obra é total e, no entanto, parece um ato de desespero vazio que nada revela: o corpo desmembrado do autor — e prestes a ser eviscerado — no final da peça é uma metáfora fria, bastante aterradora, para coisas bem piores; sentimos que são coisas constantemente insinuadas ao longo do espetáculo, mas nunca — bem — fixadas.  A aparência de vida académica; a banalidade e superficialidade do desejo erótico; o fracasso das instituições civilizadas em oferecer qualquer tipo de compreensão às pessoas para quem existem, ou proteção aos vulneráveis; e, por fim, a incognoscibilidade do eu e a incompreensibilidade das emoções e dos impulsos humanos.  Não são temas que a maioria dos autores tenha a inclinação — ou a capacidade — de abordar, quanto mais dominar.  Mas o efeito global do trabalho é eloquente: o público fica hipnotizado e enfeitiçado pela sua simplicidade implacável, pela banalidade despretensiosa do seu conteúdo, pela pura normalidade dos seus acontecimentos terríveis.  Para o público, como sabemos, o detalhe macabro de homicídios brutais é o pão nosso de cada dia do entretenimento quotidiano, pela televisão e pela imprensa sensacionalista.  Blanco esbate as fronteiras entre esses horrores e as pessoas que procuram divertir-se com eles “à distância”, insinuando que não seria preciso muito para que qualquer um de nós fosse colocado na posição do seu ator....

Sam Crane, somos levados a acreditar, foi convidado especificamente pelo autor para assumir este papel.  Se pudermos dar crédito à veracidade do que esta peça nos conta — e eu acho que, provavelmente, há muito poucas razões para o fazer —, então, para os propósitos do espetáculo, Crane parece de facto a melhor escolha.  O seu domínio de um texto imensamente longo — ele tem de dizer a maior parte sozinho — é espantosamente equilibrado e uniformemente modulado, preservando ao mesmo tempo uma sensação constante de surpresa e novidade na sua voz, geralmente baixa e contida.  Na verdade, só se permite usar apoio de peito numa única frase: “Este mundo.  Este mundo.  Este mundo!”  E é um golpe de mestre, sublinhando a natureza metafórica de toda a performance e a sua intenção de oferecer um comentário mais amplo sobre a nossa vida e o nosso tempo. Contudo, tirando esse momento, absolutamente nada na sua postura falsamente desalinhada e no seu ar lânguido sugere algo do género: desde a primeira aparição até ao instante em que por fim desaparece, nunca parece ser nada mais — nem menos — do que qualquer outro membro do público, no meio do qual — como que para provar um ponto — chega mesmo, uma vez, a insinuar-se com delicadeza.  É uma interpretação de notável furtividade e minúcia, na qual ele sonda as maiores profundezas do desespero humano — a extinção do eu — com uma mestria e uma competência inquietantes.

Foto: Ali Wright

O papel do encenador Daniel Goldman não é imediatamente evidente, devido ao esforço que faz — tal como o autor — para apagar qualquer rasto de si próprio no espetáculo.  Coloca o ator num cenário vazio, em black box, movendo-o de vez em quando em poças de luz ligeiramente mutáveis, mas sem fazer grande coisa para abalar a sensação de que o “performer” está ali, presente, a “contar uma história”.  E, no entanto.  Há muitas ocasiões em que ele tira o texto da boca do ator e o coloca em projeções num ecrã por cima da sua cabeça: isto acontece com frequência.  Chega até a “gravar” parte das falas do ator e finge — ao reproduzi-las — que vêm da voz do autor invisível, que ouvimos pedir ao ator que aceite o trabalho que agora o vemos fazer, intercalando email com voicemail.  Trata o posicionamento e a densidade do som de forma semelhante.  Na verdade, há tantos pequenos elementos que têm de estar certos que seria tentador direcionar mais reconhecimento para outros colaboradores.  Mas, dados os múltiplos papéis que Goldman desempenha aqui — traduzindo e adaptando, além de encenar (e o texto tal como é dito diverge em muitos, muitos detalhes daquele que está impresso no programa) —, suspeito que a maioria das decisões importantes tomadas aqui são dele.

Ainda assim, o design inquietantemente ambíguo de Natalie Johnson, o uso subtil e sinistramente eficaz da luz e das projeções de vídeo por Richard Williamson, e o som perfeitamente calibrado de Kieran Lucas conspiram com Goldman para fazer desta uma experiência assombrosamente sombria no teatro, levantando gradualmente o véu intelectual sobre a natureza humana e expondo a sua luxúria niilista à espreita por baixo.  Se quiser ver The Rage Of Narcussus, não adie: termina a 8 de março.

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