CRITIQUE : La Colère de Narcisse, Pleasance Theatre, Londres ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique The Rage Of Narcissus de Sergio Blanco, actuellement à l'affiche du Pleasance Theatre, Londres.

Sam Crane (Sergio Blanco). Photo : Ali Wright The Rage of Narcissus Pleasance Theatre

21 février 2020

5 Étoiles

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AVERTISSEMENT : CONTIENT DES SPOILERS....

Je pense que c'est un drame 'post-structuraliste' : ce n'est certainement pas le genre de chose que l'on voit tous les jours au Royaume-Uni, et c'est très inhabituel de le voir aussi bien réalisé.  L'auteur franco-uruguayen, Sergio Blanco, aborde le théâtre d'une manière totalement inconnue de la plupart des publics britanniques, qui ont rarement l'occasion de voir quelque chose qui s'écarte autant des conventions naturalistes qui dominent ici.  L'auteur se place au centre de l'histoire, avec un acteur 'l'incarnant' traversant une histoire que - nous sommes invités à croire - est vraie.  Comme l'histoire implique la mort ultime de l'auteur (un autre trope post-structuraliste), la véracité complète du récit est, pour le moins, improbable.  Son efficacité, cependant, réside dans la mesure où la crédibilité est accumulée pour le récit d'un conférencier universitaire en visite découvrant des événements sinistres s'étant déroulés dans sa chambre d'hôtel, et tombant ensuite dans leur récurrence.  Au cours des 90 minutes de son déroulement, le drame a beaucoup à dire sur la nature du moi, la relation entre mythe et réalité, le désir sexuel et la destructivité humaine.  Il réussit aussi en tant que thriller captivant, avec les vis de la révélation incrémentielle et de la tension qui sont resserrées pas à pas jusqu'à la conclusion ingénieuse.

Photo : Ali Wright

Blanco est une créature remarquable : il est à la fois omniprésent dans cette 'histoire' et pourtant complètement insaisissable.  Le dévoilement de son âme dans ce travail est total, et pourtant il semble être un acte de désespoir vide, ne révélant rien du tout : le corps démembé de l'auteur et bientôt éviscéré à la fin de la pièce est une métaphore à la fois froide et plutôt horrifiante pour des choses bien pires, ressentons-nous, des choses qui sont constamment suggérées à travers la pièce, mais jamais - tout à fait - précisées.  L'artifice de la vie académique; la superficialité et la futilité du désir érotique; l'incapacité des agences civilisées à offrir une quelconque compréhension des personnes pour lesquelles elles sont faites ou une protection pour les vulnérables; et, en fin de compte, l'ignorance de soi-même et l'incompréhensibilité des émotions et des pulsions humaines.  Ce ne sont pas le genre de thèmes que la plupart des écrivains ont à la fois l'envie ou la compétence d'aborder, encore moins de maîtriser.  Mais l'effet global du travail est révélateur : le public est hypnotisé et fasciné par sa simplicité implacable, la banalité ingénue de son contenu, la pure banalité de ses terribles événements.  Pour le public, comme nous le savons, le détail macabre de meurtres brutaux est la viande et les pommes de terre de son quotidien divertissement, via la télé et dans sa presse sensationnaliste.  Blanco brouille les lignes entre ces horreurs et les gens qui cherchent à se divertir avec elles à 'distance', suggérant qu'il ne nécessiterait vraiment pas grand-chose pour que l'un de nous soit placé dans la position de son acteur....

Sam Crane, nous sommes invités à croire, a été spécifiquement invité par l'auteur à assumer ce rôle.  Si nous pouvons crédibiliser la véracité de ce que cette pièce raconte, et je pense que - probablement - il y a très peu de raison de le faire, mais pour les besoins de la pièce, Crane semble en effet être le meilleur choix.  Son contrôle du texte immensément long - il doit en parler la plupart du temps - est étonnamment bien équilibré et modulé de façon uniforme, tout en préservant un constant sens de surprise et de nouveauté dans sa voix habituellement calme et réservée.  En fait, il ne s'autorise à utiliser le support thoracique qu'une seule fois : 'Ce monde.  Ce monde.  Ce monde !'   Et c'est un coup de maître, soulignant la nature métaphorique de l'ensemble de la performance et son intention de présenter un commentaire plus large sur notre vie et notre époque. Pourtant, à l'exception de ce moment, rien d'autre, dans son comportement faux négligé et sa démarche nonchalante, ne suggère rien de tel : dès son apparition jusqu'à sa disparition finale, il ne semble jamais être plus - ou moins - qu'un autre membre du public, parmi lequel - comme pour prouver un point - il s'insinue même une fois doucement.  C'est une performance d'une furtivité et d'une précaution remarquables, dans laquelle il sonde les profondeurs les plus extrêmes du désespoir humain - l'extinction du soi - avec une maîtrise et une compétence rares.

Photo : Ali Wright

Le rôle du metteur en scène, Daniel Goldman, n'est pas immédiatement évident, à cause des efforts qu'il fait pour - comme l'auteur - effacer toute trace de lui-même dedans.  Il place l'acteur sur une scène vide, de type boîte noire, le déplaçant dans des faisceaux de lumière légèrement changeants de temps en temps, mais ne faisant vraiment pas grand-chose pour perturber le sens du 'performer' étant présent et 'racontant une histoire'.   Et pourtant.  Il y a beaucoup de fois où il sort le script de la bouche de l'acteur et le place sous forme de projections sur un écran au-dessus de sa tête : cela se fait fréquemment.  Il 'enregistre' même une partie des répliques de l'acteur et prétend - en les rejouant - qu'elles proviennent de la voix de l'auteur invisible, qu'on entend demander à l'acteur de prendre le rôle que nous voyons maintenant, mêlant email et messagerie vocale.  Il gère le positionnement et la densité du son de la même manière.  En fait, il y a tellement de petits éléments qui doivent être bien faits, qu'il pourrait être tentant de diriger plus de reconnaissance vers d'autres contributeurs.  Mais, étant donné les multiples rôles que Goldman joue ici - traduisant et adaptant aussi bien que dirigeant (et la pièce telle que jouée diverge en de nombreux, nombreux détails de celle imprimée dans le texte du programme), je soupçonne que la plupart des décisions importantes qui ont été prises ici sont les siennes.

Néanmoins, le design inquiétant et ambigu de Natalie Johnson, l'utilisation subtilement inquiétante des lumières et des projections vidéo de Richard Williamson et le son parfaitement jugé de Kieran Lucas conspirent avec Goldman pour faire de cette expérience au théâtre une expérience sinistrement obsédante, levant progressivement le voile intellectuel sur la nature humaine et révélant le désir nihiliste qui se cache en dessous.  Si vous voulez voir The Rage Of Narcissius, ne tardez pas : ça se termine le 8 mars.

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