CRITIQUE : La Colère de Narcisse, Pleasance Theatre, Londres ✭✭✭✭✭

Julian Eaves critique The Rage Of Narcissus de Sergio Blanco, actuellement à l'affiche au Pleasance Theatre, Londres.

Sam Crane (Sergio Blanco). Photo : Ali Wright The Rage of Narcissus Pleasance Theatre

21 février 2020

5 Étoiles

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AVERTISSEMENT : CONTIENT DES SPOILERS....

Je pense qu'il s'agit d'un drame 'post-structuraliste' : ce n'est certainement pas le genre de chose courante que l'on voit au Royaume-Uni, et il est très inhabituel de le voir réalisé si bien.  L'écrivain franco-uruguayen, Sergio Blanco, aborde le théâtre d'une manière totalement inconnue de la plupart des spectateurs britanniques, qui ont rarement l'occasion de voir quelque chose qui s'écarte tant des conventions naturalistes qui dominent ici.  L'auteur se met au centre de l'histoire, avec un acteur qui 'l'imite' en traversant une histoire que nous sommes invités à croire - est vraie.  Puisque l'histoire implique la mort ultime de l'auteur (un autre trope post-structuraliste), la véracité complète du récit est, pour le moins, peu probable.  Son efficacité, cependant, réside dans la mesure où la crédibilité est accumulée pour le récit d'un conférencier universitaire en visite découvrant des événements sinistres qui se sont produits dans sa chambre d'hôtel, puis retombant dans leur récurrence.  Au long de ses 90 minutes, le drame a beaucoup à dire sur la nature de soi, la relation entre mythe et réalité, le désir sexuel et la destructivité humaine.  Il réussit également en tant que thriller captivant, avec les vis de la révélation incrémentale et de la tension étant serrées pas à pas jusqu'à la conclusion ingénieuse.

Photo : Ali Wright

Blanco est une créature remarquable : il est à la fois omniprésent dans cette 'histoire' et pourtant complètement insaisissable.  La mise à nu de son âme dans cette œuvre est totale, et pourtant elle semble être un acte de désespoir vide, ne révélant rien du tout : le corps de l'auteur démembré et bientôt éviscéré à la fin de la pièce est une métaphore froide, plutôt horrifiante, pour des choses bien pires, nous sentons, des choses qui sont constamment suggérées à travers la pièce, mais jamais - tout à fait - épinglées.  La prétention de la vie académique ; la superficialité et la superficialité du désir érotique ; l'échec des agences civilisées à offrir une quelconque compréhension des personnes pour lesquelles elles sont faites, ou une protection pour les vulnérables ; et, en fin de compte, l'inconnaissabilité de soi, et l'incompréhensibilité des émotions et des pulsions humaines.  Ce ne sont pas le genre de thèmes que la plupart des écrivains ont soit l'envie, soit la compétence d'aborder, encore moins de maîtriser.  Mais l'effet global de l'œuvre est révélateur : le public est assis, hypnotisé et captivé par sa simplicité implacable, la banalité sans artifice de son contenu, la pure banalité de ses événements terribles.  Pour les spectateurs, comme nous le savons, le détail macabre des meurtres brutaux est le pain quotidien de son divertissement quotidien, via la télé et dans sa presse sensationnaliste.  Blanco brouille les lignes entre ces horreurs et les personnes qui cherchent à se divertir avec elles 'à distance', suggérant qu'il ne faudrait vraiment pas grand-chose pour que l'un d'entre nous se retrouve dans la position de son acteur....

Sam Crane, nous sommes priés de croire, a été invité spécifiquement par l'auteur à prendre sur lui ce rôle.  Si nous pouvons accorder du crédit à la véracité de ce que cette pièce nous dit, et je pense - probablement - qu'il y a très peu de raisons de le faire, mais aux fins de la pièce, Crane semble effectivement le meilleur choix.  Son contrôle du texte immensément long - il doit en parler la plupart lui-même - est étonnamment bien équilibré et modulé de manière égale, tout en préservant un constant sentiment de surprise et de nouveauté dans sa voix généralement calme et retenue.  En fait, il ne se permet d'utiliser le soutien de la poitrine que dans une seule ligne : 'Ce monde.  Ce monde.  Ce monde!'  Et c'est un coup de maître, soulignant la nature métaphorique de toute la performance et son intention de présenter un commentaire plus large sur notre vie et notre époque. Cependant, sauf pour ce moment absolument rien d'autre à travers son faux air négligé et sa posture lâche ne suggère quelque chose de tel : dès son apparition, jusqu'à ce qu'il disparaisse enfin, il ne semble jamais être rien de plus - ou de moins - qu'un autre membre du public, dans les rangs duquel - comme pour prouver un point - il s'insinue même une fois tranquillement.  C'est une performance de furtivité remarquable et de prudence, dans laquelle il sonde les profondeurs les plus profondes du désespoir humain - l'extinction de soi - avec une maîtrise et une compétence inhabituelles.

Photo : Ali Wright

Le rôle du directeur, Daniel Goldman, dans cela n'est pas immédiatement évident, en raison des efforts qu'il fait pour - comme l'auteur - effacer toute trace de lui.  Il place l'acteur sur un plateau vide, un black-box, en le déplaçant dans des faisceaux de lumière changeant légèrement de focus de temps en temps, mais ne faisant vraiment pas grand-chose pour ébranler le sentiment que le 'performer' est présent et 'raconte une histoire'.  Et pourtant.  Il y a de nombreuses fois où il prend le texte de la bouche de l'acteur et le met en projections sur un écran au-dessus de sa tête : cela est fait fréquemment.  Il 'enregistre' même certaines des répliques de l'acteur et prétend - en les rejouant - qu'elles proviennent de la voix de l'auteur invisible, que l'on entend demander à l'acteur de prendre le rôle que nous le voyons actuellement faire, épissant des e-mails avec des messages vocaux.  Il gère le positionnement et la densité du son de la même manière.  En fait, il y a tellement de petits éléments qui doivent être bien réalisés, qu'il peut être tentant de diriger davantage de reconnaissance vers d'autres contributeurs.  Mais, étant donné les multiples rôles que Goldman joue ici - traduisant et adaptant ainsi que dirigeant (et le script tel qu'il est joué diverge dans de nombreux, nombreux détails de celui imprimé dans le texte du programme), je soupçonne que la plupart des décisions importantes qui ont été prises ici sont les siennes.

Néanmoins, le design inquiétant et ambigu de Natalie Johnson, l'utilisation subtile et étrangement maîtrisée de l'éclairage et des projections vidéo de Richard Williamson et le son parfaitement calibré de Kieran Lucas conspirent tous avec Goldman pour faire de cela une expérience théâtrale horriblement sinistre, soulevant progressivement le voile intellectuel sur la nature humaine et exposant la luxure nihiliste qui se cache dessous.   Si vous voulez voir The Rage Of Narcissus, ne tardez pas : il se termine le 8 mars.

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