RESEÑA: La Ira de Narciso, Pleasance Theatre, Londres ✭✭✭✭✭

Julian Eaves reseña The Rage Of Narcissus, de Sergio Blanco, actualmente en cartel en el Pleasance Theatre de Londres.

Sam Crane (Sergio Blanco). Foto: Ali Wright The Rage of Narcissus Pleasance Theatre

21 de febrero de 2020

5 estrellas

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ADVERTENCIA: CONTIENE SPOILERS....

Creo que esto es un drama «postestructuralista»: desde luego no es algo que se vea a diario en el Reino Unido, y es aún más inusual ver que se haga tan bien.  El escritor franco-uruguayo Sergio Blanco se acerca al teatro de una manera completamente desconocida para la mayoría del público británico, que rara vez tiene ocasión de ver algo que se aparte tan a fondo de las convenciones naturalistas que aquí predominan.  El autor se sitúa a sí mismo en el centro de la historia, con un actor «suplantándolo» a través de un relato que —se nos invita a creer— es verdadero.  Dado que la historia incluye la muerte definitiva del autor (otro tópico postestructuralista), la veracidad total del relato es, como mínimo, poco probable.  Su eficacia, sin embargo, reside en hasta qué punto se acumula credibilidad para la narración de un profesor universitario visitante que descubre que han sucedido hechos siniestros en su habitación de hotel y, a continuación, cae en su repetición.  A lo largo de sus 90 minutos, el drama tiene mucho que decir sobre la naturaleza del yo, la relación entre mito y realidad, el deseo sexual y la destructividad humana.  También funciona como un thriller absorbente, con los tornillos de la revelación gradual y la tensión apretándose paso a paso hasta un ingenioso desenlace.

Foto: Ali Wright

Blanco es una criatura extraordinaria: está a la vez omnipresente en esta «historia» y, sin embargo, resulta completamente esquivo.  El desnudamiento de su alma en esta obra es total, y aun así parece un acto de desesperación vacía, que no revela nada en absoluto: el cuerpo despedazado del autor y a punto de ser eviscerado al final de la pieza es una metáfora fría, más bien horrorosa, de cosas mucho peores, intuimos; cosas que se insinúan constantemente a lo largo de la obra, pero que nunca llegan —del todo— a concretarse.  La impostura de la vida académica; la banalidad y superficialidad del deseo erótico; el fracaso de las instituciones civilizadas a la hora de ofrecer cualquier tipo de comprensión hacia las personas para las que existen, o protección a quienes son vulnerables; y, en última instancia, la incognoscibilidad del yo y la incomprensibilidad de las emociones y pulsiones humanas.  No son temas que la mayoría de los escritores tenga la inclinación o la habilidad de abordar, y mucho menos de dominar.  Pero el efecto global de la obra es elocuente: el público permanece hipnotizado y fascinado por su implacable sencillez, la banalidad desprovista de artificio de su contenido, la pura normalidad de sus terribles sucesos.  Para el público —como bien sabemos—, el detalle truculento de los asesinatos brutales es el pan de cada día del entretenimiento, ya sea a través de la tele o de la prensa sensacionalista.  Blanco difumina las fronteras entre esos horrores y las personas que buscan divertirse con ellos «a distancia», insinuando que en realidad no haría falta mucho para que cualquiera de nosotros terminara en la posición de su actor....

Se nos pide creer que Sam Crane fue invitado expresamente por el autor a asumir este papel.  Si podemos dar crédito a la veracidad de lo que esta obra nos cuenta —y creo que, probablemente, hay muy pocas razones para hacerlo—, para los fines de la pieza Crane sí parece la mejor elección.  Su control de un texto inmensamente largo —tiene que decir casi todo él— está asombrosamente bien equilibrado y modulando con uniformidad, a la vez que mantiene una sensación constante de sorpresa y novedad en su voz, por lo general calmada y contenida.  De hecho, solo se permite apoyarse en el pecho en una única frase: «This world.  This world.  This world!»  Y es un golpe maestro, que subraya el carácter metafórico de toda la representación y su intención de ofrecer un comentario más amplio sobre nuestra vida y nuestro tiempo. Y, sin embargo, salvo por ese momento, absolutamente nada más en su actitud de falsa dejadez y su porte lánguido sugiere algo por el estilo: desde que aparece por primera vez hasta que por fin se desvanece, no parece nada más —ni menos— que cualquier otro miembro del público, entre el cual —como para demostrar un punto— incluso llega una vez a insinuarse con suavidad.  Es una interpretación de notable sigilo y meticulosidad, en la que desciende a las mayores profundidades de la desesperación humana —la extinción del yo— con una maestría y una destreza inquietantes.

Foto: Ali Wright

El papel del director, Daniel Goldman, no resulta evidente de inmediato, por los esfuerzos que hace —como el autor— por borrar cualquier rastro de sí mismo en la obra.  Sitúa al actor en un espacio vacío tipo caja negra, desplazándolo de vez en cuando por pequeños charcos cambiantes de luz focalizada, pero en realidad hace poco por sacudir la sensación de que el «intérprete» está presente y «contando una historia».  Y, sin embargo.  Hay muchos momentos en los que saca el texto de la boca del actor y lo coloca en proyecciones en una pantalla sobre su cabeza: esto se hace con frecuencia.  Incluso «graba» parte de las frases del actor y finge —al reproducirlas— que provienen de la voz del autor invisible, a quien se oye pidiendo al actor que acepte el trabajo que ahora lo vemos hacer, empalmando correo electrónico con mensajes de voz.  Maneja la colocación y la densidad del sonido de un modo parecido.  De hecho, hay tantos pequeños elementos que deben encajar, que podría ser tentador dirigir más reconocimiento hacia otros colaboradores.  Pero, dados los múltiples papeles que Goldman desempeña aquí —traduce y adapta además de dirigir (y el texto tal como se representa difiere en muchísimos detalles del impreso en el programa)—, sospecho que la mayoría de las decisiones importantes tomadas aquí son suyas.

Aun así, el inquietantemente ambiguo diseño de Natalie Johnson, el uso sutil y escalofriante de la iluminación y las proyecciones de vídeo de Richard Williamson y el sonido perfectamente calibrado de Kieran Lucas conspiran con Goldman para convertir esto en una experiencia sombría y perturbadora en el teatro, levantando poco a poco el velo intelectual sobre la naturaleza humana y dejando al descubierto la lujuria nihilista que acecha debajo.  Si quieres ver The Rage Of Narcussus, no lo dejes: termina el 8 de marzo.

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