REZENSION: Die Wut des Narziss, Pleasance Theatre, London ✭✭✭✭✭

Julian Eaves bespricht The Rage Of Narcissus von Sergio Blanco, derzeit im Pleasance Theatre, London.

Sam Crane (Sergio Blanco). Foto: Ali Wright The Rage of Narcissus Pleasance Theatre

21. Februar 2020

5 Sterne

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WARNUNG: ENTHÄLT SPOILER....

Ich glaube, das ist ein „poststrukturalistisches“ Drama: Sicherlich ist es nichts, was man im Vereinigten Königreich alltäglich zu sehen bekommt – und noch ungewöhnlicher ist es, es so gut umgesetzt zu sehen.  Der französisch-uruguayische Autor Sergio Blanco nähert sich dem Theater auf eine Weise, die den meisten britischen Zuschauer*innen völlig fremd ist; nur selten haben sie die Gelegenheit, etwas zu sehen, das sich so konsequent von den naturalistischen Konventionen entfernt, die hierzulande dominieren.  Der Autor stellt sich selbst ins Zentrum der Geschichte: Ein Schauspieler „verkörpert“ ihn und durchlebt eine Handlung, die – so sollen wir glauben – wahr ist.  Da die Geschichte jedoch den ultimativen Tod des Autors beinhaltet (ein weiteres poststrukturalistisches Motiv), ist die vollständige Wahrhaftigkeit dieser Erzählung, gelinde gesagt, eher unwahrscheinlich.  Ihre Wirkung entfaltet sie vielmehr dadurch, dass sie Schritt für Schritt Glaubwürdigkeit für die Geschichte eines Gastdozenten aufbaut, der in seinem Hotelzimmer unheilvolle Ereignisse entdeckt – und dann in deren Wiederholung hineingezogen wird.  In ihren 90 Minuten sagt die Inszenierung viel über das Wesen des Selbst, das Verhältnis von Mythos und Realität, sexuelles Begehren und menschliche Destruktivität.  Zugleich funktioniert sie als packender Thriller: Mit jeder kleinen Enthüllung werden die Schrauben aus Spannung und Erkenntnis weiter angezogen – bis hin zu einem ebenso genialen Schluss.

Foto: Ali Wright

Blanco ist eine bemerkenswerte Erscheinung: Er ist in dieser „Geschichte“ zugleich allgegenwärtig und doch vollkommen schwer zu fassen.  Das Entblößen seiner Seele in diesem Werk wirkt total – und scheint dennoch ein Akt leerer Verzweiflung zu sein, der am Ende gar nichts preisgibt: Der zerstückelte, bald auszuweidende Körper des Autors am Schluss ist eine kühle, ziemlich erschreckende Metapher für Schlimmeres, so fühlt es sich an – für Dinge, die im Stück ständig angedeutet, aber nie – ganz – festgenagelt werden.  Die Fassade des akademischen Lebens; die Oberflächlichkeit erotischen Begehrens; das Versagen zivilisierter Institutionen, irgendeine Art von Verständnis für die Menschen zu entwickeln, für die sie gemacht sind, oder Schutz für Verletzliche zu bieten; und letztlich die Unerkennbarkeit des Selbst sowie die Unbegreiflichkeit menschlicher Gefühle und Triebe.  Das sind keine Themen, die die meisten Autor*innen überhaupt anzuschneiden wagen – geschweige denn zu beherrschen verstehen.  Doch die Gesamtwirkung ist bezeichnend: Das Publikum sitzt wie hypnotisiert, gefesselt von der unerbittlichen Schlichtheit, der schmucklosen Banalität des Inhalts, der schieren Alltäglichkeit der schrecklichen Ereignisse.  Für das Publikum – das wissen wir – sind die grausigen Details brutaler Morde längst das tägliche Brot der Unterhaltung, über den Fernseher und in der sensationslüsternen Presse.  Blanco verwischt die Grenzen zwischen diesen Schrecken und den Menschen, die sich „aus der Distanz“ damit amüsieren wollen, und deutet an, dass nicht viel fehlen würde, damit jede*r von uns in die Lage seines Schauspielers gerät....

Sam Crane, so sollen wir glauben, wurde vom Autor eigens eingeladen, diese Rolle zu übernehmen.  Wenn wir der Wahrhaftigkeit dessen, was dieses Stück uns erzählt, Glauben schenken können – und ich denke: wahrscheinlich gibt es sehr wenig Grund dazu –, dann scheint Crane für die Zwecke des Abends tatsächlich die beste Wahl.  Seine Kontrolle über den immens langen Text – er muss den Großteil davon selbst sprechen – ist verblüffend ausgewogen und gleichmäßig moduliert, während er in seiner meist leisen, zurückgenommenen Stimme ein ständiges Gefühl von Überraschung und Neuheit bewahrt.  Tatsächlich erlaubt er sich nur in einer einzigen Zeile, die Bruststimme voll einzusetzen: „This world.  This world.  This world!“  Und das ist ein Geniestreich: Er unterstreicht den metaphorischen Charakter der gesamten Aufführung und ihren Anspruch, einen größeren Kommentar zu unserem Leben und unserer Zeit zu formulieren. Doch abgesehen von diesem Moment deutet in seinem künstlich schäbigen Auftreten und seiner lässig-lümmeligen Art absolut nichts auf dergleichen hin: Von seinem ersten Erscheinen bis zu seinem endgültigen Verschwinden wirkt er nie mehr – oder weniger – als jedes andere Mitglied des Publikums; in dessen Reihen – als wolle er einen Punkt beweisen – schiebt er sich sogar einmal sanft hinein.  Es ist eine Darstellung von bemerkenswerter Unauffälligkeit und Sorgfalt, in der er die tiefsten Abgründe menschlicher Verzweiflung – das Erlöschen des Selbst – mit unheimlicher Meisterschaft auslotet.

Foto: Ali Wright

Die Rolle des Regisseurs Daniel Goldman ist dabei nicht sofort erkennbar, weil er – wie der Autor – große Anstrengungen unternimmt, jede Spur seiner selbst daraus zu tilgen.  Er platziert den Schauspieler auf einer leeren Black-Box-Bühne und bewegt ihn gelegentlich durch leicht wechselnde Lichtinseln; doch im Grunde tut er wenig, um den Eindruck zu erschüttern, dass hier ein „Performer“ anwesend ist und „eine Geschichte erzählt“.  Und doch.  Viele Male nimmt er dem Schauspieler den Text aus dem Mund und verlagert ihn in Projektionen auf eine Leinwand über dessen Kopf: Das geschieht häufig.  Er „zeichnet“ sogar Teile der Sätze des Schauspielers auf und gibt vor – indem er sie abspielt –, diese stammten aus der Stimme des unsichtbaren Autors, den man hört, wie er den Schauspieler bittet, den Job zu übernehmen, den wir ihn nun ausführen sehen; E-Mails werden dabei mit Voicemail zusammengeschnitten.  Auch die Platzierung und Dichte des Sounds handhabt er auf ähnliche Weise.  Tatsächlich gibt es so viele kleine Elemente, die stimmen müssen, dass man versucht sein könnte, anderen Mitwirkenden mehr Anerkennung zu geben.  Doch angesichts der vielen Rollen, die Goldman hier übernimmt – Übersetzung und Bearbeitung ebenso wie Regie (und die gespielte Fassung weicht in sehr, sehr vielen Details von der im Programmheft gedruckten ab) –, vermute ich, dass die meisten wichtigen Entscheidungen, die hier getroffen wurden, auf ihn zurückgehen.

Nichtsdestotrotz verschwören sich Natalie Johnsons beunruhigend ambivalentes Design, Richard Williamsons unheimlich subtile Lichtsetzung und Video-Projektionen sowie Kieran Lucas’ punktgenau bemessener Sound mit Goldman zu einem eindringlich düsteren Theatererlebnis, das nach und nach den intellektuellen Schleier von der menschlichen Natur hebt und die darunter lauernde nihilistische Begierde freilegt.  Wenn Sie The Rage Of Narcussus sehen möchten, warten Sie nicht zu lange: Es endet am 8. März.

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