CRÍTICA: O Fantasma da Ópera, Teatro da Sua Majestade Londres

O Fantasma da Ópera regressou ao Her Majesty's Theatre. Depois de assistir à distância às discussões entre os dois produtores do espetáculo sobre o futuro da aclamada produção de Hal Prince, Douglas Mayo quis voltar a visitar o covil do Fantasma no Her Majesty's Theatre, em Londres, para ver no que se tinha tornado o “brilhante original”.

Killian Donnelly e Lucy St Louis em O Fantasma da Ópera. Foto: Johan Persson O Fantasma da Ópera

Her Majesty's Theatre

4 Estrelas

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Num ano que só pode ser descrito como de miséria teatral, os fãs ficaram em choque quando Cameron Mackintosh anunciou que O Fantasma da Ópera não regressaria quando os teatros de Londres reabrissem. Parecia que a histórica temporada de 35 anos, recordista e adorada pelo público, terminaria num suspiro.

Pois bem, O Fantasma da Ópera reabriu a 22 de julho de 2021 no Her Majesty's Theatre e eu, por minha parte, senti em igual medida receio e esperança de que um espetáculo que me proporcionou algumas das experiências teatrais mais marcantes em todo o mundo emergisse do pós-confinamento pronto para mais 35 anos.

Então, primeiro um pouco de contexto. O Fantasma da Ópera, de Andrew Lloyd Webber, é atualmente o segundo musical há mais tempo em cena no West End e o musical mais antigo em cartaz na Broadway. Foi originalmente encenado por Hal Prince (Hal também encenou Evita), coreografado por Gillian Lynne (que tinha triunfado com Cats) e contou com cenografia e figurinos de Maria Bjornson. Maria era uma maga: pegou num palco vazio (a infame “caixa preta” de Hal) e criou o mais sumptuoso dos refúgios, onde este Fantasma poderia atormentar e aterrorizar os proprietários e artistas da Ópera Populaire.

Diz-se que O Fantasma da Ópera foi um projeto de paixão para Andrew e que a produção luxuosa incendiou teatros por todo o mundo. Com letras de Richard Stilgoe e de um jovem letrista chamado Charles Hart, a equipa criativa operou a sua magia e criou algo que atravessou décadas.

O elenco de O Fantasma da Ópera. Foto: Johan Persson

Infelizmente, Hal, Maria e Gillian já não estão entre nós, e por isso uma nova geração de guardiões criativos assumiu a responsabilidade. O encenador americano Seth Sklar-Heyn juntou-se a Chrissie Cartwright e Matt Kingley, que recriaram e adaptaram, respetivamente, a coreografia de Gillian Lynne e a cenografia e os figurinos de Maria Bjornson.

Foi um prazer ver o novo elenco enfrentar este espetáculo tão querido. O Fantasma de Killian Donnelly é devidamente ameaçador e divide-se entre a paixão e a obsessão pela sua musa, Christine. Durante grande parte do espetáculo, ouvi de Killian uma voz totalmente diferente da que lhe conhecemos: uma voz plena e belíssima, com menos daquela qualidade rock impressionante a que nos habituou mais recentemente. Music Of The Night elevou-se — uma verdadeira beleza — contrastando com uma coreografia sexual mais “apalpadora”, que cria uma justaposição desconfortável enquanto Christine está sob a influência do Fantasma. É uma interpretação sólida de uma personagem complexa, que tem de marcar o público com pouco tempo em cena, e ele consegue.

Lucy St Louis é uma lufada de ar fresco como Christine Daaé; a sua voz é angelical enquanto é aterrorizada e perseguida psicologicamente pelo Fantasma. Alto e com ares aristocráticos e um toque de bravura, o Raoul de Rhys Whitfield roça a perfeição no dueto romântico All I Ask Of You.

Há interpretações de destaque de Saori Oda (Carlotta), Matt Harrop (Firmin) e Adam Linstead (Andre). Foi ótimo vê-los enfrentar o “esparguete” vocal que é Prima Donna. É um número que exige controlo vocal natural, capacidades de interpretação e um técnico de som no seu melhor para garantir que todas as palavras de Charles Hart se percebem. Tenho o prazer de dizer que foi a versão mais próxima da perfeição que vi em muitos anos.

Francesca Ellis mantém a rigidez e o mistério de Mme Giry. Às vezes mete-me um medo desgraçado — tão arrepiante. Quer dizer, quem é que vai a um baile de máscaras vestido de si próprio!

Não sei exatamente como o conseguiu, mas o encenador Seth parece ter permitido que o humor inerente e o drama dominante voltassem à produção, abrindo espaço para uma graça que eu tinha esquecido que existia — com risos mais subtis do público do que me recordo de ouvir em visitas anteriores. Também foi encantador ver intactos os momentos de bastidores de Gillian, como as bailarinas à la Degas.

Então, o que mudou? Bem, o arco de proscénio original de Maria já não existe, substituído por uma versão mais esguia que é funcional, mas parece demasiado vistosa. O famoso lustre é novo, com um desenho que soa mais moderno. As deslumbrantes Vitórias Aladas de Maria, que durante três décadas ocuparam lugar de destaque no topo do arco — onde o Fantasma descia magicamente no final de All I Ask Of You — já não oferecem essa reviravolta-surpresa. Que pena!

Killian Donnelly em O Fantasma da Ópera. Foto: Johan Persson

Muitos fãs saberão que, desde o primeiro dia, toda a produção londrina utilizou a maquinaria vitoriana do palco do teatro, com equipas a rodar guinchos para fazer subir as velas através do chão enquanto o Fantasma e Christine descem para o seu covil. É uma das transições de cenário mais teatrais do teatro musical e, felizmente, mantém-se — embora me tenham dito que agora com automatização. É um feito notável que a visão de Maria tenha permanecido, em grande medida, intacta durante 35 anos: isso é raríssimo.

A produção pareceu ter alguns atrasos e problemas de marcação na magia técnica, que espero que sejam corrigidos à medida que o espetáculo assenta. A transição do leilão para Hannibal pareceu ficar sem cenário, porque o timing das cortinas cuidadosamente desenhadas, com os seus enormes remates, parecia avançar depressa demais, enquanto uma peça estranha do novo proscénio parecia completamente perdida num vazio. Em contraste, a queda do lustre pareceu emperrar e demorou bastante a descer após o furioso e vistoso comando do Fantasma.  As vitórias aladas de Maria foram agora substituídas por um Pégaso em palco que, pela forma como é manobrado, acaba por parecer um pouco preciosista em vez de de cortar a respiração.

Em tudo o resto, o ritmo da produção nunca abranda. Ver o salto de Raoul continua a ser tão arrebatador como sempre, e o número Masquerade continua a ser uma impressionante abertura do segundo ato. O som surround de Mick Potter consegue a necessária desorientação fantasmagórica e a orquestra de Simon Lee fez um trabalho razoável a tentar recriar o magnífico acompanhamento de Phantom, mas a verdade é que, com menos 14 músicos, a diferença nota-se. Como amante de musicais, tenho grande respeito pelos artistas que compõem as orquestras do West End. À medida que o tamanho das orquestras diminui ao longo dos anos, lamento a perda de músicos nos fossos — em particular neste. Nunca esquecerei o som da orquestração original de Phantom, com cerca de 27 elementos; o seu impacto só foi igualado pela abertura dinâmica de Love Never Dies, que duvido que volte a ser ouvida ao vivo. É uma perda para todos nós!

Levei comigo, na noite em que fui, alguém que nunca tinha visto Phantom — e ele adorou a produção. Sou repetente de Phantom há mais de 30 anos, tendo visto o espetáculo em Londres, Nova Iorque, Sydney, Melbourne e Las Vegas, e na maioria das ocasiões paguei os meus bilhetes com todo o gosto. Se ainda não viu o espetáculo (sim, é possível), vá e forme a sua própria opinião. Durante muitos e muitos anos fui um grande admirador da manutenção dos padrões de produção a nível mundial — mas será que menos é mais? Para mim, Phantom sempre funcionou porque o espetáculo visual complementava na perfeição o material. Mas agora, pelo menos para mim, o veredito ainda está em aberto.