RECENSIONE: Il Fantasma dell'Opera, Her Majesty's Theatre di Londra

The Phantom Of The Opera è tornato a Her Majesty's Theatre. Dopo aver osservato da bordo campo i battibecchi tra i due produttori dello spettacolo sul futuro dell’acclamata produzione di Hal Prince, Douglas Mayo non vedeva l’ora di tornare nella Tana del Fantasma a Her Majesty's Theatre, Londra, per scoprire che fine avesse fatto il «brillante originale».

Killian Donnelly e Lucy St Louis in The Phantom Of The Opera. Foto: Johan Persson The Phantom Of The Opera

Her Majesty's Theatre

4 stelle

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In quello che si può descrivere solo come un anno di miseria teatrale, gli appassionati sono rimasti scioccati quando Cameron Mackintosh ha annunciato che The Phantom Of The Opera non sarebbe tornato con la riapertura dei teatri londinesi. La storica permanenza in cartellone, da record, durata trentacinque anni di questo amatissimo titolo sembrava destinata a chiudersi con un sussurro.

E invece The Phantom Of The Opera ha riaperto il 22 luglio 2021 a Her Majesty's Theatre e, da parte mia, ho provato in egual misura timore e speranza che uno spettacolo che mi ha regalato alcune delle esperienze teatrali più ricche in giro per il mondo potesse riemergere dopo il lockdown pronto a correre per altri trentacinque anni.

Prima, un po’ di contesto. The Phantom Of The Opera di Andrew Lloyd Webber è attualmente il secondo musical più longevo del West End ed è il musical più longevo di Broadway. Originariamente diretto da Hal Prince (Hal ha diretto anche Evita), con le coreografie di Gillian Lynne (reduce dal trionfo di Cats) e scene e costumi firmati da Maria Bjornson. Maria era una maga: prendeva un palcoscenico vuoto (la famigerata “scatola nera” di Hal) e creava il più sontuoso dei rifugi in cui questo Fantasma potesse schernire e terrorizzare i proprietari e gli artisti dell’Opéra Populaire.

Si dice che The Phantom Of The Opera sia stato un vero lavoro d’amore per Andrew e che la sfarzosa produzione abbia preso fuoco nei teatri di tutto il mondo. Con i testi di Richard Stilgoe e di un giovane paroliere di nome Charles Hart, il team creativo ha fatto la sua magia, creando qualcosa che ha attraversato i decenni.

La compagnia di The Phantom Of the Opera. Foto: Johan Persson

Purtroppo Hal, Maria e Gillian non sono più tra noi, e così è arrivata una nuova generazione di custodi creativi. Il regista americano Seth Sklar-Heyn si è unito a Chrissie Cartwright e Matt Kingley, incaricati rispettivamente di ricreare e adattare le coreografie di Gillian Lynne e le scene e i costumi di Maria Bjornson.

È stato un piacere vedere il nuovo cast alle prese con questo spettacolo amatissimo. Il Fantasma di Killian Donnelly è minaccioso al punto giusto, a metà tra l’infatuazione e l’ossessione per la sua musa Christine. Per gran parte dello show ho ascoltato da Killian una voce del tutto nuova: splendida, piena, con meno di quella qualità rock incredibile a cui ci ha abituati di recente. Music Of The Night svetta, un momento di rara bellezza, in contrasto con la coreografia sessuale troppo “addosso”, che crea un accostamento scomodissimo mentre Christine è sotto l’influenza del Fantasma. È un’interpretazione solida di un personaggio complesso, che deve colpire il pubblico con poco tempo in scena, e lui ci riesce.

Lucy St Louis è una ventata d’aria fresca nei panni di Christine Daae: la sua voce è angelica mentre viene terrorizzata e perseguitata psicologicamente dal Fantasma. Slanciato e con un portamento aristocratico, con un pizzico di bravura, il Raoul di Rhys Whitfield sfiora la perfezione nel duetto d’amore All I Ask Of You.

Da segnalare anche Saori Oda (Carlotta), Matt Harrop (Firmin) e Adam Linstead (Andre). È stato bello vedere come affrontano lo “spaghetti vocale” che è Prima Donna: un numero che richiede controllo naturale, presenza attoriale e un fonico al massimo della forma per far arrivare in modo comprensibile tutte le parole di Charles Hart. Sono felice di dire che, dopo molti anni, questa è stata la versione più vicina alla perfezione che abbia visto.

Francesca Ellis mantiene la rigidità e il mistero di Mdm Giry. A volte mi spaventa a morte: inquietantissima. Voglio dire, chi mai va a un ballo in maschera vestito da… se stesso!

Non so esattamente come ci sia riuscito, ma il regista Seth sembra aver reintrodotto nella produzione l’umorismo intrinseco e il dramma dominante, aprendo lo spettacolo a una comicità che avevo dimenticato: dal pubblico arrivavano risate più sottili di quante ricordi nelle visite precedenti. Ed è stato anche bello vedere intatti i momenti “dietro le quinte” di Gillian, come le ballerine alla Degas.

Allora, cosa è cambiato? Beh, il boccascena originale di Maria non c’è più: è stato sostituito da una versione più snella, funzionale, ma dall’aspetto fin troppo appariscente. Il famosissimo lampadario è nuovo, con un design che sembra più moderno. Le magnifiche Vittorie Alate di Maria, che per tre decenni hanno dominato la sommità dell’arco — e da cui il Fantasma si calava magicamente alla fine di All I Ask Of You — non offrono più quel colpo di scena. Che peccato!

Killian Donnelly in The Phantom Of The Opera. Foto: Johan Persson

Molti fan sapranno che l’intera produzione londinese, fin dal primo giorno, sfruttava la macchineria vittoriana del teatro, con le maestranze che azionavano argani per far emergere le candele dal pavimento mentre il Fantasma e Christine scendono nella sua tana. È uno dei passaggi scenografici più teatrali del musical e, per fortuna, è rimasto — anche se mi dicono ora con l’automazione. È davvero un’impresa che la visione di Maria sia rimasta in gran parte intatta per 35 anni: una cosa praticamente inaudita.

La produzione sembrava avere alcuni ritardi e problemi di tempi nella magia tecnica, che si spera possano essere sistemati man mano che lo spettacolo “si assesta”. La transizione dall’asta a Hanibal sembrava rimanere senza scena: i tempi del drappeggio accuratamente progettato, con le sue grandi passamanerie, parevano troppo rapidi, mentre un elemento dall’aspetto strano del nuovo boccascena sembrava completamente perso nel vuoto. Al contrario, la discesa del lampadario pareva bloccarsi e ci ha messo parecchio a scendere dopo l’indicazione furiosa e teatrale del Fantasma.  Le Vittorie Alate di Maria sono ora sostituite da un Pegaso in scena che, per come viene manovrato, risulta un po’ lezioso più che mozzafiato.

Per il resto, il ritmo non cala mai. Il salto di Raoul è ancora mozzafiato come lo è sempre stato e Masquerade resta un impressionante inizio del secondo atto. Il surround di Mick Potter ottiene la necessaria “deviazione spettrale” e l’orchestra di Simon Lee fa un lavoro più che dignitoso nel cercare di ricreare lo splendido accompagnamento di Phantom, ma resta il fatto che con 14 musicisti in meno la differenza si sente. Da amante dei musical, ho grande rispetto per gli artisti che compongono le orchestre del West End. Con gli organici che si riducono anno dopo anno, piango la perdita di musicisti nelle nostre buche d’orchestra, in particolare in questa. Non dimenticherò mai il suono dell’orchestrazione originale di Phantom, con circa 27 elementi: un impatto eguagliato solo dall’ouverture dinamica di Love Never Dies, che dubito si sentirà mai più dal vivo. Ci rimettiamo tutti!

La sera in cui ho assistito allo spettacolo ho portato con me un “vergine” di Phantom e ne è rimasto entusiasta. Io, invece, sono un habitué da oltre 30 anni: ho visto lo show a Londra, New York, Sydney, Melbourne e Las Vegas e, nella maggior parte dei casi, ho pagato volentieri il mio biglietto. Se non l’hai mai visto (sì, è possibile), vai e fatti un’opinione tua. Per molti, moltissimi anni ho ammirato la cura degli standard produttivi in tutto il mondo, ma “meno” è davvero “di più”? Phantom, per me, ha sempre funzionato perché lo spettacolo visivo completava perfettamente il materiale. Ma ora, almeno per me, il verdetto è ancora sospeso.