CRÍTICA: Oklahoma! Lyceum Theatre Sheffield ✭✭✭✭✭

Oklahoma!

Lyceum Theatre, Sheffield

25 de julho de 2015

5 estrelas

Foi a 31 de março de 1943 que Curly entrou pela primeira vez em cena e cantou com força sobre como era uma manhã tão bonita. Essa data longínqua foi o momento em que o teatro musical mudou para sempre. Oklahoma! manteve-se em cena durante cinco anos e provou ser o modelo fundador de praticamente todo o teatro musical que lhe sucedeu.

Passados mais de 72 anos, uma influente adaptação ao cinema e incontáveis produções depois, a questão é se a Grande Avó do Teatro Musical ainda tem relevância.

Pela força da produção vibrante e irresistivelmente cativante de Rachel Kavanaugh, agora em digressão pelo Reino Unido, a resposta é um sonoro “Sim!”.

No programa, Kavanaugh explica a sua abordagem:

“Tem de se abordar como se ninguém o tivesse feito antes. Tem de se ser fiel à história, perceber o que está a ser dito na página e na partitura, e contar a sua versão dessa história. É sempre um prazer trabalhar num espetáculo em que não se está a tentar resolver uma série de problemas e em que, em vez disso, se pode concentrar em iluminar uma grande história para um novo público.”

Em conjunto com o coreógrafo Drew McOnie e o diretor musical Stephen Ridley, Kavanaugh cumpriu a sua palavra. Este revival de Oklahoma! sabe a moeda acabada de cunhar: vivo de possibilidades, carregado de energia moderna e espetacularmente envolvente. Com pouco mais de duas horas e meia, incluindo intervalo, é uma versão incisiva e veloz do original de Rodgers e Hammerstein — e uma que revela as suas glórias com novo olhar.

Por ser uma obra de um tempo anterior ao feminismo, Oklahoma! não é politicamente correto, mas o enquadramento de época atenua o desconforto. Aqui, os homens são fortes mas, na maioria, pouco inteligentes. Muito pouco inteligentes. As mulheres são bonitas, focadas nos homens, mas brilhantes — no sentido de espertas. Aunt Eller é a mente mais sábia em qualquer ponto próximo do palco. A esperança, palpável ao longo de toda a produção, mantém à distância as dúvidas sobre o sexismo.

Kavanaugh apresenta-nos uma Aunt Eller astuta, quase feroz; um Curly “metrosexual”; uma Laurey maria-rapaz; uma Ado Annie atrevida mas firmemente feminina; um Will musculado, profundamente tolo mas adoravelmente simpático; um Jud perturbado e desequilibrado; e um Carnes com ar de duende. O intruso, o estrangeiro, Ali Hakim, é trabalhador e mercurial, inteligente e sagaz. As personagens podem ser antigas, mas as leituras são vivas e cheias de eco.

No coração da produção de Kavanaugh está uma atuação gloriosamente vencedora de Ashley Day, cujo Curly é viril, jeitoso (“purty”), leve de pés, rápido de língua, aberto, honesto, leal, corajoso e, acima de tudo, divertido. É um Curly que pensa com o coração — e cujo coração nem sempre é sábio; um Curly que segue a sua estrela, é valente, fiel e verdadeiro; um Curly que deve ter tido uma infância travessa. Há uma abertura avassaladora na interpretação de Day, que é pura alegria. Sorri e avança a toda a velocidade em igual medida; nem rapaz nem homem; o seu Curly está à beira da idade adulta, mas precisa de Laurey para se sentir inteiro e com valor.

O lado romântico da história é belissimamente servido por Day, e as cenas em que ele e Laurey se “fazem de conta” que discutem/provocam um ao outro são deliciosas, tornando o momento em que ele a pede em casamento profundamente satisfatório. Do mesmo modo, a cena entre Curly e Jud é soberbamente conduzida por Day; nunca se torna horrível, mas assemelha-se a um duelo entre dois touros em cio. Day evidencia também, com clareza, a visão de futuro de Curly — quando o território se torna um Estado da União. A sua visão política nasce do sentido de comunidade e, por isso, não soa deslocada, como tantas vezes acontece. É também um intérprete físico, e há um momento com um fogão que é mesmo, mesmo hilariante.

Vocalmente, Day é um intérprete seguro e suave, que dá pleno valor à partitura de Rodgers. Não tem a voz de Howard Keel, mas, surpreendentemente, isso não importa. O seu tenor leve é firme e confiante, e destaca-se tanto nas baladas como nos números mais cómicos. A personagem fica tão depressa estabelecida de forma sólida e genuína que quaisquer expectativas de gravações anteriores se dissipam facilmente. Quando, finalmente, chega a vez de cantar a canção-título, é um triunfo absoluto.

Ele ataca as rotinas de McOnie com um entusiasmo considerável, liderando o ensemble masculino numa marcação “bruta” e pronta, cheia de energia e estilo e mergulhada numa sensibilidade de dança de celeiro. No bailado do sonho, está totalmente imerso no trabalho — aqui não há duplos na sombra. Day e a sua Laurey, a talentosa Charlotte Wakefield, fazem eles próprios todo o trabalho duro da sequência onírica e, embora o resultado perca alguma da brilhante vertente mais clássica de produções anteriores, ganha numa ligação verdadeira às personagens com quem Laurey sonha e cujos destinos estão em jogo. Para mim, funciona de forma impressionante.

Não há simplesmente nada de que não se goste em Day como Curly. É um momento de estrela, conseguido em todos os ângulos.

Wakefield continua a impressionar. A sua Laurey é obstinada e mais Buffy, a Caçadora de Vampiros do que Florence Henderson. A sua Laurey direta, prática e “vamos a isso” deve mais a Scout Finch do que a Little House on the Prairie — e ainda bem. Wakefield apresenta uma Laurey completamente diferente: mesmo com o seu vestido bonito (“purty”) de festa, esta Laurey não esquece a sua natureza fogosa nem as suas convicções. É, sem dúvida, sobrinha da sua tia. A química com o Curly de Day salta com verdade e realismo, e o seu lugar desconfortável no grupo de feminilidade do território soa autenticamente.

Dotada de um soprano puro e glorioso, Wakefield dá-lhe aqui excelente uso: o seu trabalho em “Many A New Day”, “People Will Say We’re In Love” e “Out Of My Dreams” é extraordinário, luminoso e deliciosamente melodioso. Mistura a voz de forma requintada com a de Day e, juntos, são um prazer de ouvir — com frases em crescendo de canto legato bem sustentado. A sua dicção, tal como a de Day, é impecável e cada palavra se percebe. Ela é fantástica em todos os aspetos.

Belinda Lang, que parece ter um Óscar para caretas e roubo de cena, faz lembrar aquilo em que a solteirona ressequida da Calamity Jane de Doris Day se teria tornado, não fosse o casamento. Há nela os restos de uma grande pioneira. Ácida e de lábios finos, Lang foge à abordagem habitual — mais “picuinhas mas calorosa” — e, na maior parte do tempo, e certamente nas suas cenas-chave, isso funciona muito bem. Mas o seu canto é mediano, a dicção deixa a desejar, e há uma ocasional displicência sem brilho que retira algum impacto ao conjunto; ainda assim, não chega a ser suficientemente danoso para ser calamitoso.

Gary Wilmot, por outro lado, oferece uma interpretação sólida e comprovada de Ali Hakim. Não há nada de novo ou inventivo na sua abordagem à personagem, mas, do mesmo modo, tudo o que faz resulta muito bem. Consegue as gargalhadas e representa uma ameaça adequada aos planos de Will para Ado Annie. Vende muito bem “It’s A Scandal! It’s An Outrage” e deixa-nos a pensar porque não é um número mais conhecido, apesar de ter sido cortado do filme.

Como o casal “vai-não-vai”, Will Parker e Ado Annie, Lucy May Barker e Simon Anthony combinam na perfeição. Põem o “estranho” em casal excêntrico com um charme enfático. Anthony faz de Parker um pateta delicioso e completamente apaixonado pela Annie de Barker. Da parte dela, Barker encarna na perfeição a ideia da rapariga que não consegue dizer “Não”. Ambos exalam uma sensualidade profunda e ambos abraçam os aspetos cómicos extremos dos seus papéis. O seu número “All Or Nuthin’” é um verdadeiro regalo. Anthony é um bailarino enérgico e delicia-se com a coreografia de McOnie, sobretudo em “Kansas City”. Juntos, são uma iguaria cómica, bem digna de saborear.

De certo modo, o papel mais difícil da peça é o de Jud Fry, o brutamontes do ajudante contratado que apodrece e rumina no seu barracão cheio de fumo. Nic Greenshields acerta em cheio na caracterização, exatamente a meio caminho entre a deficiência mental de Of Mice And Men e a depravação de Jimmy Savile. Ele e Day atacam “Poor Jud Is Dead” com entusiasmo, com um efeito bom, embora inquietante, e Greenshields torna o momento constrangedor com o engenho assassino de espreitar raparigas genuinamente assustador. O interesse horrível de Jud por Laurey e o seu encontro final, mortal, com Curly estão muito bem calibrados. Perante as falhas finamente desenhadas no comportamento e nas ações de Fry, o Curly de Day assume o estatuto heroico apropriado. Greenshields trabalha arduamente para que esse seja o resultado.

Há também excelente trabalho de Paul Grunert como Carnes, Kara Lane como Gertie Cummings, Robbie Boyle como Fred e Hannah Grace como Ellen. O ensemble é composto por artistas trabalhadores e completos, todos eles a abraçar de corpo inteiro os desafios da produção e a corresponder-lhes. Não há aqui um verdadeiro elo fraco.

Francis O’Connor cria um cenário inteligente e muito eficaz. Embora não haja uma sensação clara daquela neblina dourada sobre a pradaria, O’Connor evoca com clareza o espírito pioneiro. A madeira está por todo o lado, sugerindo trabalho duro e tempos difíceis. Há fardos de feno, um vislumbre de milharais e uma sensação quase omnipresente do céu azul interminável que cobre o território. O alpendre de Aunt Eller é substancial, tal como a casa triste de Fry. O celeiro que serve de base para “The Farmer And The Cowman” parece real e acolhedor.

Os figurinos procuram autenticidade mais do que cor ou estilo, mas funcionam muito bem. Talvez os vestidos bonitos (“purty”) pudessem ser ainda mais bonitos, mas os trajes de cowboy trazem um ar lacónico e descontraído de origem. Tudo parece e se sente absolutamente certo. A luz de Tim Mitchell coloca tudo sob uma iluminação excelente.

E é assim que também soa. Excelente. A direção musical de Ridley é de primeira, e a banda, liderada por Ben Atkinson, oferece um apoio excelente. Como acontece quase sempre nas digressões atualmente, há cordas a menos para dar todo o peso às luxuriantes glórias da partitura, mas, curiosamente, apesar da ausência de cordas, no conjunto geral as orquestrações funcionam de forma notável. O equilíbrio entre banda e cantores é excelente e os andamentos são impecavelmente adequados.

A coreografia de McOnie é vibrante, musculada e entusiástica; dá um pulso autêntico à produção. Antiquada nuns aspetos e moderna noutros, a energia que os passos de McOnie trazem ao espetáculo é positiva e elevadora. A dança de McOnie é parte integrante do próprio tecido deste Oklahoma!, exatamente como deve ser.

Não há aqui nada de que não se goste. A bela e cativante produção de Kavanaugh prova exatamente porque Oklahoma!, de Rodgers e Hammerstein, ganhou um Prémio Pulitzer especial e se tornou o modelo/inspiração para todos os musicais modernos. É uma obra-prima, e Kavanaugh lembrou-nos a todos exatamente porquê.

Porque é que não vai ao West End é um mistério digno de Sherlock Holmes.