RECENSIONE: Oklahoma! Lyceum Theatre Sheffield ✭✭✭✭✭

Oklahoma!

Lyceum Theatre, Sheffield

25 luglio 2015

5 stelle

Era il 31 marzo 1943 quando Curly fece per la prima volta il suo ingresso nella luce e cantò con forza di che splendida mattina si trattasse. Quella data, ormai lontana, segnò l’istante in cui il teatro musicale cambiò per sempre. Oklahoma! rimase in scena per cinque anni e dimostrò di essere il capostipite di praticamente tutto il musical che sarebbe venuto dopo.

Dopo oltre 72 anni, un’importante trasposizione cinematografica e innumerevoli produzioni, la domanda è se la “bisnonna” del teatro musicale abbia ancora qualcosa da dire.

Alla luce della produzione vibrante e irresistibilmente accattivante di Rachel Kavanaugh, ora in tournée nel Regno Unito, la risposta è un sonoro «Sì!».

Nel programma di sala, Kavanaugh spiega il suo approccio:

«Bisogna affrontarlo come se nessuno l’avesse mai fatto prima. Bisogna essere fedeli alla storia, capire cosa si intende sulla pagina e nella partitura, e raccontare la propria versione di quella storia. È sempre una gioia lavorare a uno spettacolo in cui non devi risolvere una montagna di problemi e puoi invece concentrarti sull’illuminare una grande storia per un nuovo pubblico.»

Insieme al coreografo Drew McOnie e al direttore musicale Stephen Ridley, Kavanaugh ha mantenuto la parola data. Questo revival di Oklahoma! sembra appena coniato: vivo di possibilità, carico di energia contemporanea e straordinariamente coinvolgente. Con poco più di due ore e mezza, intervallo incluso, è una versione incisiva e scattante dell’originale di Rodgers e Hammerstein, che ne svela le meraviglie con uno sguardo nuovo.

Proprio perché nasce in un’epoca precedente al femminismo, Oklahoma! non è politicamente corretto, ma l’ambientazione d’epoca attenua il disagio. Qui gli uomini sono robusti ma per lo più sciocchi. Molto sciocchi. Le donne sono graziose, concentrate sugli uomini, ma brillanti, nel senso di intelligenti. Zia Eller è la mente più saggia che si possa trovare nei paraggi del palcoscenico. La speranza, palpabile per tutta la produzione, tiene a bada le incertezze sul sessismo.

Kavanaugh ci presenta una zia Eller furba, quasi selvatica; un Curly metrosexual; una Laurey maschiaccio; una Ado Annie arguta ma fermamente femminile; un Will, tutto muscoli, profondamente stupido ma adorabilmente simpatico; un Jud tormentato e squilibrato e un Carnes dal piglio da folletto. L’intruso, lo straniero Ali Hakim, è laborioso e mercuriale, intelligente e scaltro. I personaggi magari sono d’altri tempi, ma le interpretazioni sono frizzanti e piene di risonanza.

Al cuore della produzione di Kavanaugh c’è una prova splendidamente vincente di Ashley Day: il suo Curly è virile, “purty” (carino), agile e leggero nei movimenti, con la battuta pronta, aperto, onesto, leale, coraggioso e, soprattutto, divertente. È un Curly che ragiona con il cuore e il cui cuore non è sempre saggio; un Curly che segue la sua stella, è coraggioso, fedele e sincero; un Curly che deve aver avuto un’infanzia bella tosta. L’apertura totale della prova di Day è contagiosamente gioiosa. Sorride e travolge con la stessa intensità; non è né ragazzo né uomo: il suo Curly è sulla soglia dell’età adulta, ma ha bisogno di Laurey per sentirsi completo e davvero “valido”.

La componente romantica della storia è resa splendidamente da Day e le scene in cui lui e Laurey finto-litigano/si punzecchiano sono eseguite con delizia, così che il momento della proposta risulta gloriosamente appagante. Altrettanto superba è la scena tra Curly e Jud, gestita in modo impeccabile da Day: non diventa mai orribile, ma somiglia a un duello tra due tori in calore. Day mette in evidenza anche, con chiarezza, la visione di Curly per il futuro — quando il Territorio diventerà uno Stato dell’Unione. La sua idea politica nasce dal senso di comunità e quindi non stona, come spesso può accadere. È anche un interprete molto fisico, e c’è un “numero” con una stufa che è davvero, davvero spassoso.

Dal punto di vista vocale, Day è un interprete sicuro e scorrevole che rende piena giustizia alla partitura di Rodgers. Non ha una voce alla Howard Keel ma, sorprendentemente, non importa. Il suo tenore leggero è forte e affidabile, e eccelle tanto nelle ballate quanto nei numeri più comici. Il personaggio è delineato con tale solidità e naturalezza fin da subito che qualunque aspettativa basata su registrazioni precedenti viene facilmente spazzata via. Quando finalmente arriva a cantare il brano del titolo, è un trionfo assoluto.

Affronta le routine di McOnie con notevole slancio, guidando l’ensemble maschile in un lavoro di piedi ruvido e pronto, pieno di energia e stile, intriso di spirito da barn dance. Nel balletto del sogno lo si vede completamente immerso: niente controfigure nell’ombra, qui. Day e la sua Laurey, la talentuosa Charlotte Wakefield, si sobbarcano in prima persona tutta la “fatica” della sequenza onirica e, se il risultato perde un po’ della brillantezza più propriamente ballettistica di produzioni passate, guadagna in un legame autentico con i personaggi che popolano il sogno di Laurey e di cui è in gioco il destino. Per come la vedo io, funziona in modo davvero impressionante.

Di Day nei panni di Curly non c’è praticamente nulla che non piaccia. È un numero da star riuscito sotto ogni aspetto.

Wakefield continua a impressionare. La sua Laurey è volitiva e più Buffy l’Ammazzavampiri che Florence Henderson. La sua Laurey schietta, concreta, da “rimboccarsi le maniche”, deve più a Scout Finch che a La casa nella prateria, ed è tanto meglio così. Wakefield propone una Laurey completamente diversa: anche quando indossa il suo “purty” abito da festa, questa Laurey non dimentica la sua indole focosa né le sue convinzioni. È in tutto e per tutto la nipote di sua zia. La sua intesa con il Curly di Day scoppietta di verità e realismo e il suo disagio dentro il gruppetto di femminilità del Territorio risuona autentico.

Dotata di un soprano glorioso e puro, Wakefield lo mette qui a frutto alla grande: il suo lavoro in «Many A New Day», «People Will Say We're In Love» e «Out Of My Dreams» è eccezionale, luminoso e splendidamente melodioso. La sua voce si fonde con quella di Day con squisita naturalezza e insieme sono un piacere da ascoltare, con frasi che si gonfiano in un canto legato ben sostenuto. La sua dizione, come quella di Day, è impeccabile e ogni parola è nitida. È formidabile sotto ogni punto di vista.

Belinda Lang, che meriterebbe un Oscar per smorfie e “furto di scena”, ricorda un po’ la zitella inaridita che la Calamity Jane di Doris Day sarebbe potuta diventare se non si fosse sposata. In lei restano tracce di una pioniera di razza. Acida e dalle labbra sottili, Lang evita l’approccio tradizionale — puntiglioso ma caloroso — al ruolo e, per lo più, e certamente nelle scene chiave, funziona perfettamente. Ma il canto è nella media, la dizione lascia a desiderare, e ogni tanto c’è un’aria svogliata e poco brillante che sottrae qualcosa al risultato complessivo: non abbastanza, però, da trasformarlo in una calamità.

Gary Wilmot, invece, offre un Ali Hakim collaudato e affidabile. Non c’è nulla di nuovo o particolarmente inventivo nel suo modo di affrontare il personaggio, ma, allo stesso tempo, tutto ciò che fa funziona molto bene. Strappa risate e rappresenta una minaccia credibile per i piani di Will su Ado Annie. Vende benissimo «It's A Scandal! It's An Outrage» e viene da chiedersi perché non sia un numero più conosciuto, nonostante sia stato tagliato dal film.

Come coppia del “si lasciano o non si lasciano”, Will Parker e Ado Annie — Lucy May Barker e Simon Anthony — sono davvero ben assortiti. Mettono l’“ODD” in odd-ball couple con un fascino travolgente. Anthony rende Parker fantasticamente tonto e perdutamente infatuato della Annie di Barker. Da parte sua, Barker incarna alla perfezione l’idea della ragazza che non riesce a dire «No». Entrambi sprigionano una sensualità intensa e abbracciano fino in fondo gli aspetti comici più estremi dei loro ruoli. Il loro numero «All Or Nuthin'» è una vera delizia. Anthony è un ballerino energico e si gode fino in fondo la coreografia di McOnie, soprattutto in «Kansas City». Insieme sono una prelibatezza comica, da gustare fino in fondo.

Per certi versi, il ruolo più difficile del pezzo è quello di Jud Fry, la massa pesante del bracciante a giornata che marcisce e rimugina nel suo capanno fumoso. Nic Greenshields centra alla perfezione la caratterizzazione, esattamente a metà strada tra la menomazione mentale di Uomini e topi e la depravazione di Jimmy Savile. Lui e Day affrontano «Poor Jud Is Dead» con grande slancio, ottenendo un effetto efficace, per quanto disturbante, e Greenshields rende davvero spaventoso l’imbarazzante momento con il marchingegno da guardone assassino. Il ripugnante interesse di Jud per Laurey e l’ultimo, mortale confronto con Curly sono calibrati con grande intelligenza. Di fronte ai difetti finemente cesellati del contegno e delle azioni di Fry, il Curly di Day assume un adeguato status eroico. Greenshields lavora sodo perché questo sia il risultato.

Ottimo lavoro anche da Paul Grunert (Carnes), Kara Lane (Gertie Cummings), Robbie Boyle (Fred) e Hannah Grace (Ellen). L’ensemble è composto da instancabili triple threat che accettano di cuore le sfide della produzione e le superano. Non c’è un vero anello debole.

Francis O'Connor firma una scenografia intelligente e molto efficace. Se non c’è una chiara sensazione della foschia dorata sul prato, O’Connor evoca con nettezza lo spirito pionieristico. Il legno è ovunque, a suggerire fatica e tempi duri. Ci sono balle di fieno, un accenno di steli di mais e una sensazione piuttosto costante degli interminabili cieli blu che coprono il Territorio. Il portico di zia Eller è imponente, così come la tetra casa di Fry. Il fienile che fa da base a «The Farmer And The Cowman» sembra vero e accogliente.

I costumi puntano all’autenticità più che al colore o allo stile, ma funzionano molto bene. Forse gli abiti “purty” avrebbero potuto essere ancora più “purty”, ma i look da cowboy hanno una nonchalance spaccona incorporata. Visivamente e sensorialmente, è tutto perfetto. Le luci di Tim Mitchell mettono ogni cosa nella migliore luce possibile.

E anche il suono è così. Eccellente. La direzione musicale di Ridley è di prim’ordine e la band, guidata da Ben Atkinson, offre un supporto eccellente. Come accade spesso nelle tournée di oggi, gli archi non sono abbastanza per dare pieno peso alle rigogliose meraviglie della partitura; ma, curiosamente, nonostante l’assenza di archi, nel quadro generale le orchestrazioni funzionano qui in modo sorprendentemente efficace. L’equilibrio tra band e cantanti è ottimo e i tempi sono impeccabilmente appropriati.

La coreografia di McOnie è vibrante, muscolare ed entusiasta; dà alla produzione un battito autentico. In parte d’altri tempi e in parte moderna, l’energia che i passi di McOnie portano in scena è positiva ed esaltante. La danza di McOnie è parte integrante della trama stessa di questo Oklahoma!, esattamente come dovrebbe essere.

Non c’è praticamente nulla che non piaccia. La splendida e affascinante produzione di Kavanaugh dimostra esattamente perché Oklahoma! di Rodgers e Hammerstein vinse un Premio Pulitzer speciale e divenne il modello/l’ispirazione per tutti i musical moderni. È un capolavoro e Kavanaugh ha ricordato a tutti noi, con precisione, perché lo è.

Perché non arrivi nel West End resta un mistero degno di Sherlock Holmes.