CRITIQUE : Oklahoma ! Lyceum Theatre Sheffield ✭✭✭✭✭

Oklahoma!

Lyceum Theatre, Sheffield

25 juillet 2015

5 Étoiles

C'était le 31 mars 1943 lorsque Curly est apparu pour la première fois sous la lumière et a chanté puissamment à quel point la matinée était belle. Cette date lointaine a marqué le moment où le théâtre musical a changé à jamais. Oklahoma! a duré cinq ans et s'est avéré être le précurseur de presque tout le théâtre musical qui a suivi.

Après 72 ans, une adaptation cinématographique influente et d'innombrables productions plus tard, la question est de savoir si la Grande Grand-Mère du Théâtre Musical a toujours de la pertinence.

Grâce à la production vibrante et envoûtante de Rachel Kavanaugh, actuellement en tournée au Royaume-Uni, la réponse est un retentissant « Oui ! ».

Dans le programme, Kavanaugh explique son approche :

« Vous devez l'aborder comme si personne ne l'avait jamais fait auparavant. Vous devez être fidèle à l'histoire, comprendre ce que le texte et la partition veulent dire, et raconter votre version de cette histoire. C'est toujours un plaisir de travailler sur un spectacle où vous n'avez pas à résoudre tout un tas de problèmes, et où vous pouvez plutôt vous concentrer sur l'illumination d'une grande histoire pour un nouveau public. »

Ensemble avec le chorégraphe Drew McOnie et le directeur musical Stephen Ridley, Kavanaugh a tenu parole. Cette reprise d'Oklahoma! semble fraîchement frappée, pleine de possibilités, chargée d'une énergie moderne et spectaculairement engageante. En un peu plus de deux heures et demie, entracte compris, c'est une version percutante et rythmée de l'original de Rodgers et Hammerstein et qui révèle ses gloires avec un nouvel aperçu.

Parce que c'est une pièce d'une époque avant le féminisme, Oklahoma! n'est pas politiquement correct, mais le cadre de l'époque dilue le malaise. Ici, les hommes sont costauds mais la plupart du temps idiots. Très idiots. Les femmes sont jolies, concentrées sur les hommes, mais brillantes, comme intelligentes. Tante Eller est l'esprit le plus sage sur scène. L'espoir tangible tout au long de la production maintient les incertitudes sur le sexisme à distance.

Kavanaugh nous présente une tante Eller rusée et presque féline, un Curly métrosexuel, une Laurey garçon manqué, une Ado Annie espiègle mais résolument féminine, un Will homme-muscle profondément stupide mais attachant, un Jud troublé et dérangé et un Carnes semblable à un lutin. L'intrus, l'étranger, Ali Hakim, est travailleur, mercuriel, intelligent et perspicace. Les personnages sont peut-être anciens mais les interprétations sont vives et résonnantes.

Au cœur de la production de Kavanaugh se trouve une performance éblouissante d'Ashley Day, dont le Curly est viril, joli, agile, rapide de langue, ouvert, honnête, loyal, courageux et, surtout, amusant. Voici un Curly qui pense avec son cœur et dont le cœur n'est pas toujours sage ; un Curly qui suit son étoile, est courageux, fidèle et vrai ; un Curly qui a sûrement eu une enfance espiègle. Il y a une ouverture écrasante dans la performance de Day qui est joyeuse. Il sourit et se précipite à parts égales ; ni garçon ni homme ; son Curly est sur le point de devenir adulte, mais il a besoin de Laurey pour se sentir entier et valable.

Le côté romantique de l'histoire est magnifiquement servi par Day, et les scènes où lui et Laurey se chamaillent/taquinent sont exécutées avec délice, si bien que le moment où il propose est glorieux. De même, la scène entre Curly et Jud est remarquablement gérée par Day ; ce n'est jamais horrible mais ressemble à un duel entre deux taureaux en rut. Day révèle aussi clairement la vision de Curly pour l'avenir - lorsque le territoire deviendra un État de l'Union. Sa vision politique vient de son sens de la communauté et donc ne surprend pas, comme cela peut souvent être le cas. C'est aussi un interprète physique, et il y a une scène avec un réchaud très, très drôle.

Vocalement, Day est un interprète assuré et fluide qui rend pleinement hommage à la partition de Rodgers. Il n'a pas une voix à la Howard Keel mais, étonnamment, cela n'a pas d'importance. Sa voix de ténor léger est forte et assurée, et il excelle dans les ballades ainsi que les numéros plus comiques. Son personnage est établi de manière sûre et authentique si rapidement que quelles que soient les attentes que l'on peut avoir des enregistrements précédents, elles s'effacent facilement. Lorsqu'il chante enfin la chanson titre, c'est un triomphe absolu.

Il attaque les routines de McOnie avec beaucoup de panache, menant l'ensemble masculin avec des pas rugueux et prêts pleins d'énergie et de style et imprégnés d'une sensibilité de danse de grange. Le ballet de rêve le voit pleinement immergé dans le travail - il n'y a pas de doublés d'ombres ici. Day et sa Laurey, la talentueuse Charlotte Wakefield, font tout le travail dans la séquence de rêve eux-mêmes et bien que le résultat perde une partie de la brillance balétique des productions antérieures, il gagne en véritable connexion avec les personnages dont Laurey rêve et dont les destins sont en jeu. Selon moi, cela fonctionne très impressionnamment.

Il n'y a rien à ne pas aimer dans Day en tant que Curly. C'est une prestation étoilée accomplie sous tous les angles.

Wakefield continue d'impressionner. Sa Laurey est déterminée et plus Buffy contre les Vampires que Florence Henderson. Sa Laurey, directe et pragmatique, doit davantage à Scout Finch qu'à La Petite Maison dans la Prairie et s'en porte d'autant mieux. Wakefield présente une Laurey complètement différente - même lorsqu'elle porte sa jolie robe de soirée, cette Laurey n'oublie pas sa nature fougueuse ou ses convictions. Elle est très la nièce de sa tante. Son rapport avec le Curly de Day flamboie de vérité et de réalisme et sa place incertaine dans la foule des féminités du territoire sonne vrai.

Dotée d'un magnifique soprano pur, Wakefield l'utilise ici à bon escient : son interprétation des morceaux "Many A New Day", "People Will Say We're In Love" et "Out Of My Dreams" est exceptionnelle, brillante et merveilleusement mélodieuse. Elle mélange sa voix avec celle de Day de manière exquise et ensemble, ils sont délicieux à écouter, tous passages enflés de chant legato bien soutenu. Sa diction, comme celle de Day, est impeccable et chaque mot est clair. Elle est formidable à tous égards.

Belinda Lang, qui doit avoir un Oscar pour ses grimaces et son art de voler la scène, ressemble plutôt à la vieille fille flétrie que la Calamity Jane de Doris Day serait devenue sans son mariage. On perçoit les restes d'une pionnière aguerrie en elle. Acerbe et aux lèvres minces, Lang renonce à l'approche habituelle fâcheuse mais chaleureuse du rôle et pour la plupart, et certainement dans ses scènes clés, cela fonctionne parfaitement bien. Mais son chant est moyen, sa diction moins que désirable, et il y a l'occasionnel manque d'entrain détaché qui nuit à la performance globale mais cela n'est pas suffisamment dommageable pour être calamiteux.

Gary Wilmot, en revanche, offre une interprétation éprouvée et fidèle d'Ali Hakim. Il n'y a rien de nouveau ou d'inventif dans son approche du personnage, mais, tout autant, tout ce qu'il fait fonctionne très bien. Il obtient les rires et pose une menace appropriée aux plans de Will pour Ado Annie. Il vend "It's A Scandal! It's An Outrage" très bien, et vous vous demandez pourquoi ce n'est pas un numéro plus connu, malgré sa coupe du film.

En tant que couple pile-ou-face, Will Parker et Ado Annie, Lucy May Barker et Simon Anthony sont très bien assortis. Ils mettent le ODD dans couple dépareillé avec un charme emphatique. Anthony rend Parker fantastiquement idiot et totalement épris de l'Annie de Barker. Quant à elle, Barker incarne la notion d'une fille qui ne peut pas dire "Non". Les deux dégagent une sensualité profonde et embrassent autant les aspects comiques extrêmes de leurs rôles. Leur numéro "All Or Nuthin'" est un vrai régal. Anthony est un danseur énergique et savoure pleinement la chorégraphie de McOnie, surtout dans "Kansas City". Ensemble, ils sont un délice comique, bien dignes d'être savourés.

À certains égards, le rôle le plus difficile de la pièce est celui de Jud Fry, la brute maladroite de main-d'œuvre engagée qui traîne et rumine dans sa baraque à fumée. Nic Greenshields dose sa caractérisation parfaitement, exactement à mi-chemin entre la déficience mentale de Des Souris et des Hommes et la dépravation de Jimmy Savile. Lui et Day attaquent "Poor Jud Is Dead" avec ferveur, avec un bon effet, bien que mal à l'aise, et Greenshields rend le moment maladroit avec le dispositif meurtrier de voyeurisme vraiment effrayant. L'intérêt hideux de Jud pour Laurey et sa confrontation finale mortelle avec Curly est très bien jugée. Face aux défauts finement ciselés dans le comportement et les actions de Fry, le Curly de Day prend un statut héroïque approprié. Greenshields travaille dur pour s'assurer que c'est le résultat.

Il y a aussi un excellent travail de Paul Grunert en tant que Carnes, Kara Lane en tant que Gertie Cummings, Robbie Boyle en tant que Fred et Hannah Grace en tant que Ellen. L'ensemble est composé de triples menaces travailleuses, qui acceptent chaleureusement les défis de la production et les relèvent. Il n'y a pas de véritable maillon faible ici.

Francis O'Connor fournit un décor astucieux et très efficace. Bien qu'il n'y ait pas de sens clair de la brume dorée sur le pré, O'Connor évoque clairement l'esprit pionnier. Le bois est partout, suggérant un dur labeur et des temps difficiles. Il y a des ballots de foin, un aperçu des tiges de maïs, et un sentiment presque omniprésent des cieux bleus infinis qui couvrent le territoire. Le porche de Tante Eller est important, tout comme la maison lugubre de Fry. La grange qui sert de base pour "The Farmer And The Cowman" semble réelle et accueillante.

Ses costumes recherchent l'authenticité plutôt que la couleur ou le style, mais ils fonctionnent très bien. Peut-être que les robes de bal auraient pu être plus jolies, mais les tenues de cow-boy viennent avec une grande dose de style nonchalant. Tout a l'air et se sent juste. L'éclairage de Tim Mitchell met tout sous un excellent jour.

Et c'est ainsi que cela sonne aussi. Excellent. La direction musicale de Ridley est de premier ordre, et le groupe mené par Ben Atkinson offre un excellent soutien. Comme c'est toujours le cas avec les spectacles en tournée de nos jours, il n'y a pas suffisamment de cordes dans le groupe pour donner tout le poids aux glorieuses richesses de la partition, mais, curieusement, malgré l'absence de cordes, dans l'ensemble, les orchestrations fonctionnent remarquablement bien ici. L'équilibre entre le groupe et le chanteur est excellent et les tempi impeccablement appropriés.

La chorégraphie de McOnie est vibrante, musclée et enthousiaste ; elle fournit une pulsation authentique à la production. Ancienne de certaines manières et moderne d'autres, l'énergie que les pas de McOnie apportent à la production est positive et édifiante. La danse de McOnie est une partie intégrante du tissu même de cet Oklahoma!, exactement comme cela devrait être.

Il n'y a rien à ne pas aimer ici. La magnifique et captivante production de Kavanaugh prouve exactement pourquoi Oklahoma! de Rodgers et Hammerstein a remporté un prix Pulitzer spécial et est devenu le modèle/l'inspiration pour tous les comédies musicales modernes. C'est un chef-d'œuvre et Kavanaugh nous a tous rappelé exactement pourquoi c'est le cas.

Pourquoi il ne vient pas à West End reste un mystère digne de Sherlock Holmes.