RESEÑA: ¡Oklahoma! Teatro Lyceum Sheffield ✭✭✭✭✭

¡Oklahoma!

Lyceum Theatre, Sheffield

25 de julio de 2015

5 estrellas

Fue el 31 de marzo de 1943 cuando Curly entró por primera vez en escena y cantó con fuerza sobre lo preciosa que era aquella mañana. Esa fecha, ya lejana, fue el momento en que el teatro musical cambió para siempre. Oklahoma! se mantuvo en cartel cinco años y demostró ser el progenitor de prácticamente todo el teatro musical que vino después.

Tras más de 72 años, una influyente adaptación cinematográfica e innumerables producciones, la pregunta es si la Gran Abuela del Teatro Musical sigue teniendo vigencia.

A juzgar por la vibrante y embriagadoramente encantadora producción de Rachel Kavanaugh, actualmente de gira por el Reino Unido, la respuesta es un rotundo «¡Sí!».

En el programa, Kavanaugh explica su enfoque:

«Hay que afrontarla como si nadie la hubiera hecho antes. Hay que ser fiel a la historia, descifrar qué se quiere decir en la página y en la partitura, y contar tu versión de esa historia. Siempre es un placer trabajar en un espectáculo en el que no tienes que resolver un montón de problemas, y en el que puedes concentrarte, en cambio, en iluminar una gran historia para un público nuevo».

Junto con el coreógrafo Drew McOnie y el director musical Stephen Ridley, Kavanaugh ha cumplido su palabra. Este reestreno de Oklahoma! se siente recién estrenado, lleno de posibilidades, cargado de energía moderna y espectacularmente atractivo. Con algo más de dos horas y media, incluido el intermedio, es una versión ágil y con buen ritmo del original de Rodgers y Hammerstein, y una que descubre sus grandezas con una mirada renovada.

Como es una obra de una época anterior al feminismo, Oklahoma! no es políticamente correcta, pero el marco de época amortigua la incomodidad. Aquí, los hombres son fornidos pero, en su mayoría, tontos. Muy tontos. Las mujeres son guapas, centradas en los hombres, pero listas (listas de verdad). La tía Eller es la mente más sabia en cualquier punto cercano al escenario. La esperanza, palpable a lo largo de toda la producción, mantiene a raya las dudas sobre el sexismo.

Kavanaugh nos presenta a una tía Eller astuta, casi salvaje; a un Curly metrosexual; a una Laurey marimacho; a una Ado Annie pizpireta pero firmemente femenina; a un Will musculoso, profundamente obtuso pero entrañable; a un Jud atormentado y perturbado; y a un Carnes de aire duendecillo. El intruso, el extranjero, Ali Hakim, es trabajador y voluble, inteligente y espabilado. Puede que los personajes sean antiguos, pero las interpretaciones son vivas y resonantes.

En el corazón de la producción de Kavanaugh hay una interpretación deliciosamente ganadora de Ashley Day, cuyo Curly es viril, guapete, ágil de pies, de lengua rápida, abierto, honesto, leal, valiente y, sobre todo, divertido. Este es un Curly que piensa con el corazón y cuyo corazón no siempre es sabio; un Curly que sigue su estrella, es valiente, fiel y verdadero; un Curly que debió de tener una infancia traviesa. Hay una apertura arrolladora en la interpretación de Day que resulta gozosa. Sonríe y se lanza a la estampida por igual; ni chico ni hombre; su Curly está al borde de la madurez, pero necesita a Laurey para completarse y sentirse valioso.

Day sostiene con belleza el lado romántico de la historia, y las escenas en las que él y Laurey fingen pelearse/se pican mutuamente están resueltas con una dicha tal que el momento en que le pide matrimonio resulta gloriosamente satisfactorio. Igualmente, la escena entre Curly y Jud está magníficamente conducida por Day: nunca es terrible, pero es como un duelo entre dos toros en celo. Day también deja claro el proyecto de futuro de Curly: cuando el territorio se convierta en un estado de la Unión. Su visión política nace de su sentido de comunidad y, por eso, no chirría, como tantas veces puede ocurrir. Además, es un intérprete físico, y hay un gag con la cocina que es, de verdad, desternillante.

En lo vocal, Day es un intérprete seguro y de línea elegante que da pleno valor a la partitura de Rodgers. No tiene una voz a lo Howard Keel pero, sorprendentemente, eso no importa. Su tenor ligero es fuerte y firme, y destaca tanto en las baladas como en los números más cómicos. Su personaje queda asentado con tanta rapidez y autenticidad que cualquier expectativa basada en grabaciones anteriores se desvanece con facilidad. Cuando por fin llega a interpretar la canción del título, es un triunfo absoluto.

Aborda las rutinas de McOnie con un entusiasmo considerable, liderando al conjunto masculino en un zapateado áspero y directo, lleno de energía y estilo, impregnado del espíritu de un baile de granero. En el ballet onírico se entrega por completo: aquí no hay dobles en sombras. Day y su Laurey, la talentosa Charlotte Wakefield, asumen ellos mismos todo el peso de la secuencia del sueño, y aunque el resultado pierde parte del brillo puramente balético de producciones anteriores, gana en una conexión real con los personajes sobre los que sueña Laurey y cuyos destinos están en juego. A mí, desde luego, me funciona de manera impresionante.

No hay absolutamente nada que no guste de Day como Curly. Es, desde todos los ángulos, una actuación estelar de gran nivel.

Wakefield sigue impresionando. Su Laurey es voluntariosa y más Buffy, cazavampiros que Florence Henderson. Su Laurey llana, práctica y de «vamos al grano» le debe más a Scout Finch que a La casa de la pradera, y tanto mejor por ello. Wakefield presenta una Laurey completamente distinta: incluso cuando lleva su vestidito de fiesta monísimo, esta Laurey no olvida su naturaleza ardiente ni sus convicciones. Es, muy claramente, la sobrina de su tía. Su química con el Curly de Day chispea con verdad y realismo, y su lugar incómodo dentro del grupo de la feminidad en el territorio resulta convincente.

Dotada de una soprano gloriosa y pura, Wakefield la aprovecha muy bien aquí: su trabajo en «Many A New Day», «People Will Say We're In Love» y «Out Of My Dreams» es sobresaliente, luminoso y bellamente melódico. Empasta su voz de forma exquisita con la de Day y, juntos, da gusto escucharlos: frases en expansión, canto legato bien sostenido. Su dicción, como la de Day, es impecable y cada palabra se entiende. Está magnífica en todos los sentidos.

Belinda Lang, que parece tener un Óscar en muecas y robar escenas, es algo así como en lo que se habría convertido una Calamity Jane a lo Doris Day, ya marchita, de no haberse casado. Queda en ella el poso de una buena pionera. Ácida y de labios finos, Lang evita el enfoque habitual —quisquilloso pero cálido— del papel y, en general, y desde luego en sus escenas clave, funciona perfectamente. Pero su canto es normalito, su dicción deja que desear y, de vez en cuando, aparece cierta desgana que resta al conjunto; aun así, no es lo bastante dañino como para resultar un desastre.

Gary Wilmot, en cambio, ofrece una versión clásica y fiable de Ali Hakim. No hay nada nuevo o inventivo en su enfoque del personaje, pero, del mismo modo, todo lo que hace funciona muy bien. Arranca las risas y supone una amenaza adecuada para los planes de Will con Ado Annie. Vende muy bien «It's A Scandal! It's An Outrage» y te hace preguntarte por qué no es un número más conocido, pese a que se eliminó de la película.

Como la pareja del «¿sí o no?» —Will Parker y Ado Annie—, Lucy May Barker y Simon Anthony encajan de maravilla. Ponen el toque «raro» en pareja estrafalaria con un encanto rotundo. Anthony convierte a Parker en un auténtico zoquete y completamente embobado con la Annie de Barker. Por su parte, Barker encarna la idea de una chica que no puede decir «no». Ambos desprenden una sensualidad profunda y abrazan los extremos cómicos de sus papeles. Su número «All Or Nuthin'» es un auténtico regalo. Anthony es un bailarín enérgico y disfruta a lo grande de la coreografía de McOnie, especialmente en «Kansas City». Juntos son una delicadeza cómica, más que digna de saborearse.

En cierto modo, el papel más difícil de la obra es el de Jud Fry, el pesado mastodonte del peón contratado que se pudre y se consume en su chabola ahumada. Nic Greenshields clava la caracterización, exactamente a medio camino entre la discapacidad mental de De ratones y hombres y la depravación de Jimmy Savile. Él y Day atacan «Poor Jud Is Dead» con ganas, con un efecto bueno aunque incómodo, y Greenshields logra que el momento desagradable del artilugio asesino para espiar a chicas dé auténtico miedo. El interés repugnante de Jud por Laurey y su encuentro final y mortal con Curly están muy bien medidos. Frente a los defectos finamente dibujados en el comportamiento y las acciones de Fry, el Curly de Day adquiere un estatus heroico adecuado. Greenshields trabaja duro para que ese sea el resultado.

También hay un trabajo excelente de Paul Grunert como Carnes, Kara Lane como Gertie Cummings, Robbie Boyle como Fred y Hannah Grace como Ellen. El elenco es un grupo de triple threats muy trabajador, que acepta de corazón los retos de la producción y los cumple. Aquí no hay un eslabón débil de verdad.

Francis O'Connor ofrece una escenografía ingeniosa y muy eficaz. Aunque no hay una sensación clara de la bruma dorada sobre la pradera, O'Connor evoca con claridad el espíritu pionero. La madera está por todas partes, sugiriendo trabajo duro y tiempos difíciles. Hay balas de heno, un atisbo de tallos de maíz y una sensación bastante omnipresente de esos interminables cielos azules que cubren el territorio. El porche de la tía Eller es sólido, igual que la lúgubre casa de Fry. El granero que sirve de base para «The Farmer And The Cowman» se siente real y acogedor.

El vestuario busca la autenticidad más que el color o el estilo, pero funciona muy bien. Quizá los vestidos monísimos podrían haber sido aún más monísimos, pero los conjuntos vaqueros traen de serie un aire lacónico y fanfarrón. Todo se ve y se siente como debe. La iluminación de Tim Mitchell lo deja todo en una luz excelente.

Y así suena también. Excelente. La dirección musical de Ridley es de primera, y la banda, liderada por Ben Atkinson, ofrece un apoyo estupendo. Como suele ocurrir hoy en día en las producciones de gira, no hay suficientes cuerdas en la banda para dar todo el peso a las exuberantes maravillas de la partitura, pero, curiosamente, pese a la ausencia de cuerdas, en el conjunto general las orquestaciones funcionan notablemente bien. El equilibrio entre banda y cantantes es excelente y los tempi, impecablemente adecuados.

La coreografía de McOnie es vibrante, musculosa y entusiasta; aporta un pulso auténtico a la producción. A la vez tradicional en algunos aspectos y moderna en otros, la energía que aportan los pasos de McOnie resulta positiva y estimulante. La danza de McOnie es una parte integral del propio tejido de este Oklahoma!, exactamente como debe ser.

No hay nada que no guste aquí. La hermosa y cautivadora producción de Kavanaugh demuestra exactamente por qué el Oklahoma! de Rodgers y Hammerstein ganó un Premio Pulitzer especial y se convirtió en el modelo/la inspiración de todos los musicales modernos. Es una obra maestra y Kavanaugh nos ha recordado a todos, con precisión, por qué es así.

Por qué demonios no llega al West End es un misterio digno de Sherlock Holmes.