CRÍTICA: Hadestown, Teatro Lyric Londres ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser analisa Hadestown, o musical da Broadway vencedor de um Tony, agora em cena no Lyric Theatre, no West End.

Dónal Finn e Grace Hodgett Young. Foto: Marc Brenner Hadestown

4 estrelas

21 de fevereiro de 2024

Lyric Theatre

Comprar bilhetes ‘Hadestown’ chega finalmente ao West End após uma temporada enormemente bem-sucedida e repleta de prémios na Broadway, e uma passagem pré-pandemia pelo National Theatre, em 2018. Embora nunca tenha havido dúvidas quanto aos elevados valores de produção em cada encarnação, os críticos continuam divididos quanto à coerência global do espetáculo — e, em grande medida, a situação mantém-se.

Zachary James e a Companhia. Foto: Marc Brenner

A trama combina dois grandes mitos gregos do Submundo — a história de Orfeu e Eurídice e o casamento de Hades com Perséfone. Sobre isso, acrescentam-se ressonâncias contemporâneas, sublinhando alterações climáticas, pobreza, capitalismo sem regulação e uma crítica à política cultural de inspiração trumpista, embora estes enxertos sejam algo frágeis. O cenário sugere um speakeasy de Nova Orleães durante a Lei Seca, impressão reforçada pelo idioma predominantemente jazzístico da música.

A companhia de Hadestown. Foto: Marc Brenner

É preciso reconhecer o feito e a ambição de Anaïs Mitchell ao pegar no conceito e desenvolvê-lo ao longo de quase vinte anos. O produto final cresceu de forma notável desde as suas origens amadoras e destemidas no Vermont, e contém alguns números verdadeiramente excelentes, com letras incisivas e melodias memoráveis. No entanto, persistem alguns problemas que nunca são totalmente ultrapassados. Combinar dois grandes mitos gregos num só espetáculo acaba por empobrecer o desenvolvimento dramático de ambos e — ligado a isso — a resolução passa muito pelo “contar” em vez do “mostrar”, sobretudo numa primeira parte demasiado longa, que por vezes faz o espetáculo parecer mais um álbum do que um drama integrado.

Allie Daniel, Bella Brown e Madeline Charlemagne. Foto: Marc Brenner

Ainda assim, sublinhemos os pontos fortes. O elenco e a equipa criativa são de luxo e não há elos fracos. Tal como na ópera, no teatro musical há inúmeras formas de uma área de execução menos conseguida comprometer facilmente o todo; mas isso aqui não acontece. A encenadora Rachel Chavkin enfrenta o desafio colocado pelo palco pequeno do Lyric Theatre e entrega um espetáculo pleno de movimento e ação contínuos, imaginativos, em vários níveis. O cenário de Rachel Hauck coloca a banda — uniformemente excelente — de ambos os lados de degraus em patamares que sobem até a um balcão, com o palco principal centrado numa plataforma giratória em três partes que, por sua vez, desce para debaixo do palco. Assim, embora o número de intérpretes no elenco e no coro seja limitado, há um constante zumbido e fluidez de personagens, emoções e dinâmicas, sempre claras e transparentes.

A companhia de Hadestown. Foto: Marc Brenner

A base do canto e da dança assenta nas competências de dois grupos corais, aqui exímios tanto no impacto coletivo como nas caracterizações individuais. O grupo maior, de cinco, começa como clientes do speakeasy e depois, à medida que descemos a Hadestown, transforma-se em operários de fábrica cobertos de fuligem, cuja tomada de consciência vemos crescer. A seu lado está um trio atrevido das Moiras, três mulheres que comentam com ironia a ação, papéis assumidos com grande panache por Bella Brown, Madeline Charlemagne e Allie Daniel.

A coordenar a ação está Melanie La Barrie, como Hermes, a desfilar com toda a confiança num maravilhoso fato prateado, repleto de brilho. Este é muito mais do que um papel de narradora — ela fornece bastante calor e potência vocal, mantendo o material por vezes difuso, de forma geral, no rumo certo. No papel de Hades, o vilão régio e magnético, Zachary James tem uma autoridade natural no porte e uma voz áspera e cavernosa que faz com que os seus números tenham o máximo impacto. Está à altura, de forma exemplar, Gloria Onitori como Perséfone. A sua voz é um instrumento magnífico, capaz de intensidade arrebatadora e de delicados matizes, conforme necessário, num papel em que a frustração com o confinamento é a emoção dominante — algo difícil de manter dramaticamente cativante.

Gloria Ontiri. Foto: Marc Brenner

Orfeu e Eurídice são papéis algo pouco desenvolvidos e são os que mais sofrem com o facto de se tratar de um espetáculo totalmente cantado, sem secções de diálogo que construam personagem e expliquem motivações. Ainda assim, Dónal Finn e Grace Hodgett Young aproveitam todas as oportunidades vocais com estilo e sentimento bem projetado. Finn toca também guitarra com perícia, como substituto da lira de Orfeu. Ele complementa uma banda soberba de sete instrumentistas-solistas, que levantam a plateia nos grandes números, ao mesmo tempo que cada um tem momentos a solo para exibir a sua técnica. Tarek Merchant dirige a partir do teclado.

No fim, o espetáculo deixa uma impressão global mista. Na execução, é uma produção de cinco estrelas que merece o aplauso de um público de noite de imprensa, por vezes ruidosamente entusiasmado. Porém, o espetáculo em si nunca chega a ser mais do que a soma das suas partes. Tal como o próprio Orfeu, não consegue escapar por completo ao ciclo mental das suas próprias intricadas voltas.