RESEÑA: Hadestown, Lyric Theatre de Londres ✭✭✭✭

Tim Hochstrasser reseña Hadestown, el musical de Broadway ganador de un Tony, que ahora se presenta en el Lyric Theatre, en el West End.

Dónal Finn y Grace Hodgett Young. Foto: Marc Brenner Hadestown

4 estrellas

21 de febrero de 2024

Lyric Theatre

Comprar entradas ‘Hadestown’ llega por fin al West End tras una etapa enormemente exitosa y premiada en Broadway, y una visita prepandemia al National Theatre allá por 2018. Aunque nunca ha habido dudas sobre el altísimo nivel de producción en cada una de sus encarnaciones, la crítica sigue dividida respecto a la coherencia global del espectáculo, y en gran medida esto sigue siendo así.

Zachary James y la compañía. Foto: Marc Brenner

La trama combina dos grandes mitos griegos del Inframundo: la historia de Orfeo y Eurídice y el matrimonio de Hades con Perséfone. Sobre esta base se superponen resonancias contemporáneas —cambio climático, pobreza, capitalismo sin freno y una crítica a la política cultural de corte trumpista—, aunque estos injertos resultan endebles. El ambiente sugiere un speakeasy de Nueva Orleans durante la Ley Seca, una impresión reforzada por el predominio del jazz en el lenguaje musical.

La compañía de Hadestown. Foto: Marc Brenner

Hay que reconocer el logro y la ambición de Anaïs Mitchell al tomar el concepto y desarrollarlo a lo largo de casi veinte años. El resultado final ha crecido de forma extraordinaria desde sus valientes orígenes amateurs en Vermont, y contiene algunos números realmente excelentes, con letras ágiles y melodías memorables. Sin embargo, persisten un par de problemas que nunca se resuelven del todo. Reunir dos mitos griegos de peso en un solo espectáculo acaba, en última instancia, por dejar corto el desarrollo dramático de ambos y —ligado a ello— el desenlace recurre mucho a “contar” más que a “mostrar”, especialmente en una primera parte excesivamente larga que hace que, por momentos, el show se sienta como un álbum más que como un drama integrado.

Allie Daniel, Bella Brown y Madeline Charlemagne. Foto: Marc Brenner

Dicho esto, destaquemos lo positivo. El reparto y el equipo creativo son de primera, sin eslabones débiles. Igual que en la ópera, en el teatro musical hay muchas maneras en las que una sola área fallida de ejecución puede echar por tierra el conjunto; pero aquí no ocurre. La directora Rachel Chavkin asume el reto del reducido escenario del Lyric Theatre y ofrece un espectáculo rebosante de un uso continuo e imaginativo del movimiento y la acción en varios niveles. La escenografía de Rachel Hauck sitúa a la banda —uniformemente excelente— a ambos lados de unos escalones en gradas que conducen a un balcón, con el escenario principal articulado en torno a una plataforma giratoria de tres secciones que, a su vez, desciende por debajo del nivel del escenario. Así, aunque el elenco y el coro no sean numerosos, hay un zumbido y un flujo constantes de personajes, emociones y dinámicas que se mantienen siempre nítidos y transparentes.

La compañía de Hadestown. Foto: Marc Brenner

La base del canto y el baile descansa en la pericia de dos coros, que aquí brillan tanto en el énfasis colectivo como en las caracterizaciones individuales. El grupo más numeroso, de cinco, empieza como clientes del speakeasy y, cuando descendemos a Hadestown, se transforma en obreros de fábrica tiznados, cuya toma de conciencia vemos desarrollarse. Junto a ellos está un descarado trío de las Parcas, tres mujeres que comentan la acción con ironía; papeles asumidos con garbo por Bella Brown, Madeline Charlemagne y Allie Daniel.

Quien coordina la acción es Melanie La Barrie, como Hermes, pavoneándose con una deslumbrante y brillante americana plateada. Es mucho más que un papel de narradora: aporta calidez y potencia vocal, manteniendo los materiales —a veces difusos— razonablemente en su sitio. En el papel de Hades, el magnético villano regio, Zachary James posee una autoridad natural en su porte y una voz áspera y grave que garantiza que sus números lleguen con el máximo impacto. Le hace un contrapunto perfecto Gloria Onitori como Perséfone. Su voz es un instrumento magnífico, capaz tanto de una potencia deslumbrante como de delicados matices cuando se requieren, en un papel donde la frustración por el confinamiento es la emoción dominante, algo difícil de mantener dramáticamente interesante.

Gloria Ontiri. Foto: Marc Brenner

Orfeo y Eurídice son papeles algo poco desarrollados y son quienes más sufren el hecho de que se trate de un espectáculo completamente cantado, sin secciones de diálogo que construyan el carácter y expliquen motivaciones. Pero Dónal Finn y Grace Hodgett Young aprovechan todas sus oportunidades vocales con soltura y una emoción bien proyectada. Finn, además, toca la guitarra con destreza como sustituto de la lira de Orfeo. Completa a una soberbia banda de siete solistas, que lo da todo en los grandes números y, a la vez, cuenta con momentos en solitario para lucir su virtuosismo. Tarek Merchant dirige desde el teclado.

Así que el espectáculo deja, en conjunto, una impresión agridulce. En su ejecución, es una producción de cinco estrellas que mereció el entusiasmo del público —a veces ruidosamente exuberante— de la noche de estreno para la prensa. Sin embargo, la obra en sí nunca termina de ser más que la suma de sus partes. Como el propio Orfeo, no logra escapar del todo del bucle mental de sus propias complejidades.