CRÍTICA: Albion, Almeida Theatre Londres ✭✭✭✭

Julian Eaves critica a peça Albion, de Mike Bartlett, atualmente em cena no Almeida Theatre, em Londres.

Victoria Hamilton e Nicholas Rowe em Albion. Foto: Marc Brenner

Albion Almeida Theatre, 

5 de fevereiro de 2020

4 estrelas

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Este é um regresso bem-vindo para a meditação profundamente tchekoviana de Mike Bartlett sobre o enorme fosso entre as “elites metropolitanas” do Reino Unido e as massas provincianas que elas nem conhecem, nem compreendem, nem gostam.  Foi um êxito há três anos e, agora — ligeiramente retocada para se ajustar ao nosso Zeitgeist marginalmente alterado — está de volta, com praticamente o mesmo elenco, para mais uma curta temporada em Islington.  Ao contrário do que acontece no National, que melhorou o original ao dar às personagens algo maior do que elas próprias para enfrentarem, este grupo burguês não tem nada contra que lutar a não ser contra si mesmo — e é exatamente isso que fazem.  E de que maneira.   

Audrey, matriarca astuta de 55 anos, tomou posse de uma enorme casa de campo em ruínas algures no meio do nada, consumida pela paixão de restaurar os jardins outrora vastos, criação lendária do jardineiro dos anos 1920, Wetherbury, hoje esquecido.  O seu nome evoca o curioso paralelo hortícola da loira condenada e da planta homicida batizadas em homenagem a ela em A Pequena Loja dos Horrores, e há nela algo de igualmente trágico e terrível.  

Angel Coulby e Wil Coban. Foto: Marc Brenner

Em torno desta novata aglomera-se uma miscelânea de tipos sociais que Tchekov teria adorado: o segundo marido, Paul (Nicholas Rowe, calmamente lânguido), fraco e indolente mas satisfeito consigo próprio; a filha bonita, já amargamente desiludida e de resposta pronta, Zara (propositadamente batizada como a cadeia de roupa acessível?... Daisy Edgar-Jones); os fiéis mas decrépitos criados de longa data, Matthew (Geoffrey Freshwater) e Cheryl (politicamente conscienciosa, Margot Leicester); o jovem desajeitado com talento mas sem vontade de o fazer singrar, Gabriel (tão angélico, Donal Finn); o vizinho bondoso mas ineficaz, Edward (tweeds por todo o lado e pequena nobreza de segunda categoria, Nigel Betts); e a funcionária estrangeira intrusa e assustadoramente eficiente, Krystyna (Edyta Budnik).  Ao fogo gerado por este grupo juntam-se três outros elementos como óleo a arder: a presença misteriosa e assombrada de um filho morto e mudo, James, abatido numa guerra longínqua e sem sentido (Wil Coban, que também faz dupla — um pouco confuso — como o próprio Weatherbury, e ainda como outra figura desta teia, Stanley); depois, a sua noiva enlutada, levada, à maneira de Ofélia, a uma obsessão por plantas, Anna (Angel Coulby); e — por fim — o golpe de misericórdia da observadora distanciada e comentadora de traço pushkiniano, autora célebre e antiga melhor amiga da anfitriã, Katherine Sanchez (Helen Schlesinger, a perscrutar o público com a mesma intensidade com que é perscrutada pelos seus pares).  

Aprisionada no relvado elevado em forma de pastilha oval de Miriam Buether, a peça de Bartlett divide a ação das duas metades em quatro atos, primeiro povoando e depois despovoando as margens com filas de arbustos em vasos, pontuando este mundo sufocantemente opressivo com praticamente os seus únicos momentos de ação.  De resto, são duas horas e meia a ouvir discussão atrás de discussão, aliviadas por incursões cada vez mais breves em assuntos mais felizes.  Embora isto exija bastante paciência ao público, a perseverança é generosamente recompensada no ponto alto: uma zaragata a três — um exercício-modelo de agressividade passiva — em que mãe, filha e melhor amiga (agora amante lésbica da filha — não se preocupe, não lhe vai passar despercebido) disputam o controlo do terreno elevado, ainda que não particularmente moral.  É uma cena magnífica e lembra-nos o brilhantismo deste autor. 

Se ao menos toda a peça funcionasse a esse nível.  Infelizmente, o resto do texto, embora recheado de comentários fascinantes sobre o mundo de hoje — política, sociedade, riqueza e pobreza, juventude e velhice, políticas sexuais — não encontra um apoio tão seguro como naquele momento de honestidade emocional a descoberto.  As coisas complicam-se ainda mais porque a intriga tem mais buracos do que os canteiros herbáceos já esvaziados, mas eu aconselharia os espectadores a ponderarem ir ver esta produção a não se apoquentarem com perguntas triviais do género: “Mas uma mulher com as capacidades dela nunca teria cometido um erro tão elementar como não mandar fazer uma inspeção técnica decente a uma casa velha e grande daquelas, pois não?”  No teatro, raramente há vantagem em sermos mais espertos do que as personagens em palco.  

Daisy Edgar-Jones em Albion. Foto: Marc Brenner

Em vez disso, peço-lhe que reflita sobre o quão incrivelmente difícil é (a) fazer algum sentido do que se passa neste Albion dos tempos modernos (uma designação poética para Inglaterra) e (b) ainda mais complicado é tentar trazer a confusão que é a nossa nação para um único palco e colocá-la dentro de um quadro temporal restrito.  Bartlett, e o seu diretor delicadamente magistral, Rupert Goold, fizeram tudo o que puderam e acertam em tantos alvos quantos falham.  O elenco é muito, muito bom, e Hamilton continua a encontrar coisas novas para pensar, fazer e sentir enquanto Audrey, uma mulher que claramente mal sabe quem é.  A iluminação subtilmente matizada de Neil Austin e o desenho de som vívido de Gregory Clarke dão ainda mais corpo a este mundo, conferindo-lhe um fascínio que — quase — convence.  

Mas, se o impacto global deste Albion não soa inteiramente verdadeiro, então devemos olhar para fora à procura de explicações: é certo que não é fácil escrever como Tchekov, mas é muito mais difícil ter de viver — e tentar fazer algo de válido de si próprio — num império outrora grandioso a atravessar as suas fases finais de decadência. 

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