위키드를 다시 살펴보다 - 장기 공연 뮤지컬을 신선하게 유지하기

레이 래컴이 런던 아폴로 빅토리아 극장에서의 뮤지컬 위키드 웨스트엔드 프로덕션을, 런던 초연(아폴로 빅토리아 극장)으로부터 13년쯤 지난 지금 다시 찾아—여기에는 마법 그 이상의 무언가가 작동하고 있음을 깨닫는다!

헬렌 울프(글린다)와 니키 벤틀리(엘파바)가 출연한 위키드. 사진: 맷 크로켓 “No one mourns the wicked(그 어떤 이도 사악한 자를 애도하지 않아)”, 빅토리아 아폴로에서 앙상블이 노래한다. 한 주 8회, 1년 52주 내내 울려 퍼지는 오프닝 넘버다. 그런데 우리는—적어도 조금은—그 공연을 그리워하게 되지 않을까? 거대한, 거의 ‘저거노트(멈출 수 없는 전차)’ 같은 이 작품은 13년 넘게 웨스트엔드 관객을 즐겁게 해 왔다. 그리고 나는 어젯밤 열 살 아들 바너비와 함께 이 프로덕션을 다시 봤다. 내가 2006년 9월 27일 오프닝 나이트에 마지막으로 관람한 지 딱 13년 조금 넘어서였고, 게다가 브로드웨이에서 거슈윈 극장 초연을 봤던 때로부터는 자그마치 16년이 지난 뒤였다. 그러다 문득 생각이 이어졌다—왜 위키드(그리고 비슷한 결의 다른 뮤지컬들)는 이렇게 오래 버틸 수 있었을까? 더 중요한 건, 왜 지금도 여전히 달리고 있을까? 여기서 고백할 타이밍이겠다. 나는 그 시절 위키드의 팬이 아니었다. 내가 애정 어린 표현으로 ‘손드하임 페이즈’라고 부르는 시기였던 나는, 오즈의 마법사를 대중적으로 재해석한 작품 정도로만 여기며 퉁명스럽게 깎아내렸다. 미성숙한 십대들을 정조준한 작품이라 생각했고, 그들은 의상에 열광하며—조금만 더하면 고음 부분에서 함께 따라 부를 기세로—들떠 있었다. 이디나 멘젤이 뉴욕에서 건너와 오해받는 주인공 엘파바 역을 다시 맡는다는 건 꽤나 짜릿한 소식이었다. (그리고 주디 갈런드가 등장해, 결국엔 그녀의 ‘자매’ 위로 집을 떨어뜨리며 더더욱 오해받게 될 그 인물 말이다.) 웨스트엔드 프로덕션이 브로드웨이 버전과 차별화를 위해 대본과 서사에 변화를 준다는 점은, 어쩌면 그보다 더 흥미로웠다. (재미있게도 그 변화들은 이후 브로드웨이 버전과 그 뒤의 모든 프로덕션에 그대로 반영됐다.) 하지만 적어도 내게 위키드는 ‘영’이었다. 빅토리아 아폴로에서 집으로 돌아오는 길, 내가 애용하던 소니 디스크맨의 오리지널 캐스트 앨범엔 엘피(엘파바), 글린다, 날아다니는 원숭이들이 없었다는 사실이 유난히 또렷이 떠올랐다. 여기서 첫 번째 깨달음이 온다. 나는 사실 장기 공연 뮤지컬을 전반적으로 그다지 좋아하지 않는다. 오페라의 유령부터 캣츠, 레 미제라블, 위 윌 록 유까지—대체로 그 매력에 무감해진 채로 남곤 한다. 하지만 웨스트엔드의 번쩍이는 조명을 점점 더 좋아하는 아이를 둔 ‘책임감 있는’ 극장 부모로서, 파리 오페라의 지하로, 바리케이드 위로, 혹은—어젯밤처럼—도로시 이전의 오즈로 향하는 건 시간문제였을 뿐이다.

레베카 길릴런드

그러니 상상해 보라. 6,000회가 넘는 공연이 지난 지금, 커튼콜에서 나는 벌떡 일어나 기립박수를 이끌었다—악보의 마지막 음이 채 끝나기 무섭게 말이다. ‘팬덤에 맞춘 캐스팅’으로 들어온, 방송·팝·SNS에서 익숙한 이름들이 없어 “무사히 끝냈다”는 사실에 박수를 친 것도 아니었다(믿어 달라. 그런 경우도 분명 있었다). 내가 박수를 보낸 건 작품 자체, 그리고 그날 밤 단연 돋보인 한 사람의 승리였다. 커버(언더스터디) 엘파바 레베카 길릴런드. 그녀는 처음으로 ‘go on’(주연 배우가 아프거나 휴가이거나, 기타 사정으로 무대에 설 수 없을 때 대신 무대에 오른다는 업계 용어)을 했고, 객석의 지붕을 날려버릴 만큼 폭발적인 무대를 보여줬다.

그 옛날 내가 이 작품을 그저 ‘대중적’이라고 치부했을 때, 나는 초록빛 친구의 서사를 기발하게 뒤집어 놓은 그 아래에 얼마나 강렬한 정치적 이야기가 숨어 있는지 알아보지 못했다. 어쩌면 지금 우리가 사는 세상 탓일지도 모른다. 횃불(티키 토치)을 든 군중 심리가 사방에서 끓어오르고, 사운드바이트와 가짜 뉴스, 팩트체크가—관점에 따라—재앙이자 필수가 된 시대 말이다. 위니 홀즈먼의 대본은 2019년의 현실성과 맞닿은 요소로 가득 차 있다. 눈썹을 치켜올리며 국립극장(National Theatre)을 드나들고 손드하임을 즐겨 듣는 애호가조차, 적어도 어느 정도는 끌릴 만하다. 위키드의 지속성은 분명, 작품을 둘러싼 세계의 사회·정치적 변화에서 큰 이득을 봤다. 이제는 우리가 거의 살아내고 있는 미래를 경고 사이렌처럼 외친다. 비슷한 말을—다소 억지일지라도—레 미제라블에도 할 수는 있겠다. 하지만 오페라의 유령이 사회·정치적 무대에서 특별히 ‘현대적으로’ 읽히는 작품일까? 캣츠는? 위 윌 록 유의 대안적 디스토피아 세계가 어떤 경고를 던지긴 하나? 딱히 그렇진 않다.

이제 캐스팅 이야기를 해 보자. 위키드가 막을 올렸을 때, 오프닝 나이트에는 수많은 영국의 익숙한 얼굴들이 ‘수입’된 멘젤과 함께했다. TV의 나이절 플래너부터 마티네 아이돌 애덤 가르시아까지, 그야말로 ‘누구누구 총출동’이었다. 실제로 2000년대 후반에는 관심을 유지하기 위해, 높은 인지도의 이름들이 차례로 투입되기도 했다. 한편 위키드는 자기 별들을 배출해 커리어를 ‘쏘아 올리기도’ 했다. 케리 엘리스와 레이철 터커처럼, 이미 웨스트엔드 배우였던 이들조차도—비누방울(버블) 장치에 몸을 싣거나, 초록 페인트를 집어 드는 순간부터—커리어와 방대한 팬덤의 상당 부분을 이 작품에 빚졌다고 말해도 과언이 아니다. 사실 이런 흐름은 웨스트엔드의 장기 공연 작품들 대부분에서 비슷하게 보인다. 캐스팅만 놓고 보면, 시작은 거의 늘 ‘한 방’이 있다. 나는 1980년대, (기괴할 정도로) 충격적인 헤어스타일의 로이드 웨버 경이 다른 극장 로비에서 차기 메가히트 작품의 주연을 발표하던 장면이 떠오른다. 더 최근에는, (유명한 회전무대가 사라질지 모른다는 우려를 잠재우려는 듯) 레 미제라블이 길거드 극장에서의 초호화 ‘콘서트 버전’ 캐스트를 비슷한 결로 발표하기도 했다. 그동안 원래의 보금자리—새롭게 이름 붙은 손드하임 극장—는 리노베이션에 들어가고, 오리지널이자 값비싼 세트는 철거됐다.

https://www.youtube.com/watch?v=jR6sJO12FOQ

하지만 어젯밤의 위키드 캐스트는, 성실히 일하는 ‘현장형’ 배우들이었다. 등장할 때 박수도 없었고, 스타를 더 잘 보겠다고 좌석에서 몸을 비트는 일도 없었으며, 은근한 척하는 셀피도 단 한 장 보이지 않았다. 대신 관객은 이야기를 들려주는 앙상블에 완전히 빠져들었고—그들은 정말 잘 해냈다. 그날 밤 엘파바를 맡은 레베카 길릴런드는, 자신이 커버하는 역할에서 진정으로 경이로웠다. 새 생명을 불어넣고, 새로운 박자를 찾아냈으며, 놀랄 만큼 솔직하고 손에 땀 쥐게 창의적인 첫 공연으로 신선한 충격을 줬다. 어쩌면 캐스트 교체 자체가 장수의 한 요인일지도 모른다. ‘스타 중심’에서 벗어나, 준(準) 레퍼토리 컴퍼니처럼 굴러가는 배우들의 집단으로 무게중심을 옮기는 것 말이다. 1970년대 후반만 해도, 2~3년을 채우는 공연은 엄청난 성공으로 여겨졌다. 그런데 애니의 브로드웨이 연출가 마틴 차닌은 공연 2년 차에 배우 20명의 계약 갱신을 거부해 파장을 일으켰다. 배우들이 ‘그저 동작만’ 반복할 뿐 작품 안에서 살아 숨 쉬지 않는다는 이유였다. 그 결정은 애니에 4년을 더 안겨줬다(2,377회 공연 후 폐막). 그리고 캐스트는 신선함을 위해 교체될 수 있고, 어쩌면 교체되어야 한다는 개념의 문을 열었다. 물론 공연이 굴러가기 시작하면, 새로 들어온 배우에게 어디에 서야 하는지, 언제 움직여야 하는지를 알려주는 건 무대감독과 상주 연출진의 몫이다. 그 과정에는 재투자, 예술적 경계심, 그리고 창의적인 프로듀싱이 필요하다. 하지만 그 모든 것에 가장 중요한 ‘생명혈’을 공급하는 건 결국 배우다—개인의 관점이 작품을 다시 숨 쉬게 만든다. 그리고 오즈의 이 멋진 세계에서, 길릴런드는 모든 레벨에서 완벽히 해냈다.

그러니 결론은 이렇다. 만약 에메랄드 시티의 문이 영영 닫힌다면, 우리는 분명 위키드를—아주 많이—애도하게 될 것이다. 파리 오페라에서 유령이 마지막 아리아를 부르거나, 레 미제라블이 바리케이드를 해체한다면 우리가 그리워할 것과 같은 방식으로 말이다. 그 이유는, 이 작품들이 그저 ‘마법처럼’ 운 좋게 인기여서가 아니다. 보편적인 이야기를 훌륭하게 들려주고, 높은 제작 퀄리티로 감싸 안은 채, 레베카 길릴런드 같은 급의 배우가 초록 페인트를 칠하고, 가면을 쓰고, 혹은 붉은 깃발을 흔들 때마다 새롭게 재탄생할 수 있는 힘을 지녔기 때문이다. 내가 위키드를 다시 보고, 아들이 왜 자신도 모르게 벌떡 일어났는지(그저 몸이 먼저 반응했을 뿐) 이해하지 못하는 모습을 지켜본 것은, 이 작품들이 박물관의 유물이 아니라 살아 숨 쉬는 생명체임을 증명해 준다. 새로운 세대의 관객은 그들을 만날 행운을 누리고, 공연을 너무 많이 본 탓에 무뎌진 연극 기자조차도 완전히 새로운 빛 속에서 놀라움을 맛볼 수 있다. 위키드는 런던 아폴로 빅토리아 극장에서 2020년 11월까지 예매가 열려 있다.