Revisiting Wicked - Mantener fresco un musical de larga duración

Ray Rackham vuelve a visitar la producción londinense de Wicked, el musical, en el Apollo Victoria Theatre, unos trece años después de su estreno en Londres en el Apollo Victoria Theatre, ¡y se da cuenta de que aquí hay algo más que magia en marcha!

Helen Woolf (Glinda) y Nikki Bentley (Elphaba) en Wicked. Foto: Matt Crockett. «No one mourns the wicked», canta el ensemble en el Apollo Victoria, ocho números de apertura a la semana, cincuenta y dos semanas al año. Pero ¿la echaríamos de menos, al menos? Este coloso —casi un juggernaut— de espectáculo lleva más de trece años fascinando al público del West End; y anoche volví a verla con mi hijo de diez años, Barnaby; poco más de trece años desde la última vez que asistí a su noche de estreno, el 27 de septiembre de 2006; y la friolera de dieciséis años desde que vi su estreno en Broadway en el Gershwin Theatre; y me hizo pensar: ¿por qué Wicked (y otros musicales del mismo estilo) han durado tanto? Y, más importante aún, ¿por qué siguen en cartel? Este es probablemente un buen momento para confesar que yo no era fan del espectáculo cuando lo vi hace tantos años. Durante lo que me gusta llamar con cariño mi «fase Sondheim», fui tajante y desdeñoso con lo que creía que era una reinterpretación populista de El mago de Oz; dirigida de lleno a adolescentes prepubescentes, encantadas con el vestuario y a un paso de sumarse a los agudos. Era emocionante que Idina Menzel hubiese viajado desde Nueva York para retomar el papel de Elphaba, la heroína incomprendida que luego sería aún más incomprendida cuando aparece Judy Garland para, a continuación, dejar caer una casa sobre su hermana. Quizá era incluso más emocionante que la producción del West End fuera a incluir cambios en el libreto y en la narrativa para diferenciarla de su prima de Broadway (casualmente, esos cambios se incorporaron después a la versión de Broadway y a todas las producciones posteriores del espectáculo). Pero, al menos para mí, Wicked no me convenció; y, de vuelta a casa desde el Apollo Victoria, recuerdo claramente que mi Sony Discman y el álbum del reparto original que prefería no incluían a Elphie, Glinda y los monos voladores. Esto me lleva a mi primera revelación: en realidad no soy fan de ninguno de los musicales que llevan años y años en cartel. De Phantom a Cats, pasando por Les Miserables o We Will Rock You; casi siempre termino insensible a su encanto. Pero, como padre teatrero responsable con un niño que cada vez disfruta más de las luces del West End, era cuestión de tiempo que empezara a pasar horas en la Ópera de París, en la barricada o —como anoche— en un Oz anterior a Dorothy.

Rebecca Gilliland

Así que imagínense mi sorpresa: más de 6.000 funciones después, me puse en pie con la caída del telón y encabezé una ovación en pie; prácticamente en el mismo instante en que sonó la última nota de la partitura. No había nombres inmediatamente reconocibles de pop, tele o redes sociales en papeles pensados para su base de fans más que para su talento, así que no aplaudía porque hubieran conseguido llegar al final (créanme, lo he hecho). Aplaudí al propio espectáculo y, en particular, el triunfo de una de sus intérpretes más destacadas: la cover de Elphaba, Rebecca Gilliland, que por primera vez «salió a escena» (la expresión del mundillo para cuando se interpreta un papel porque la intérprete habitual está enferma, de vacaciones o indispuesta) y levantó el teatro.

Cuando deseché el espectáculo como simple populismo hace tantos años, no supe ver la historia política, increíblemente conmovedora, que late bajo la imaginativa reconstrucción de la narrativa de nuestra amiga verde. Quizá tenga más que ver con el mundo en el que vivimos ahora, donde burbujea por todas partes la mentalidad de turba antorcha en mano; donde los titulares rápidos, las noticias falsas y la verificación de hechos son o bien lacras o bien necesidades (según se mire); pero el libreto de Winnie Holzman rebosa de una relevancia muy 2019 que incluso el más exigente aficionado —de ceja en alto, asiduo al National Theatre y devoto de Sondheim— encontraría, como mínimo, parcialmente irresistible. La resistencia de Wicked se ha beneficiado sin duda de los cambios sociopolíticos del mundo que la rodea; ahora grita como una sirena de alarma de un futuro que casi estamos viviendo. Supongo que algo parecido podría decirse, por tenue que sea, de Les Mis. Pero ¿diríamos que Phantom es especialmente relevante en el plano sociopolítico? ¿Y Cats? ¿Ese universo alternativo y distópico de We Will Rock You lanza alguna advertencia? No especialmente.

Pasemos ahora al reparto. Cuando Wicked se estrenó, un auténtico quién es quién de caras conocidas británicas se unió a la importada Menzel en la noche del estreno, desde Nigel Planer, de la tele, hasta el galán Adam Garcia. De hecho, durante los últimos años de la década de 2000 se fueron alternando nombres de alto perfil para mantener el interés por el espectáculo. Wicked también catapultó las carreras de sus propias estrellas, entre ellas Kerry Ellis y Rachel Tucker que, aunque ya eran intérpretes del West End, sin duda deben buena parte de su trayectoria —y legiones de fans— a cuando se abrocharon en la burbuja voladora o se lanzaron a por la pintura verde. Lo mismo puede decirse de prácticamente todos los espectáculos de larga duración del West End: en términos de reparto, casi siempre arrancan a lo grande. Me vienen a la mente aquellos cortes de pelo de los años 80 de Lord Lloyd Webber, en el vestíbulo de otro teatro, anunciando a los protagonistas de su último futuro megahit. Más recientemente, y quizá para disipar la preocupación por perder su famoso escenario giratorio, Les Mis anunció el reparto del concierto «mega-celebridad» en el Gielgud Theatre en una línea similar; mientras su sede habitual —el recién rebautizado Sondheim Theatre— se reforma y se retira el decorado original, tan emblemático como costoso.

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Sin embargo, el reparto de Wicked de anoche estaba formado por actores trabajadores, de oficio. No hubo aplausos a las entradas, ni movimientos en las butacas para ver mejor a la estrella, ni un solo selfie aparentemente discreto. En su lugar, el público quedó hipnotizado por un conjunto de intérpretes que contó la historia; y la contó bien. Rebecca Gilliland, interpretando a Elphaba por esa noche, fue verdaderamente sensacional en el papel que cubre; insuflando nueva vida y encontrando nuevos matices en una primera función refrescantemente honesta y de una inventiva emocionante. Puede que la rotación del reparto sea en parte responsable de la longevidad; alejándose de las estrellas y acercándose más a una compañía de actores casi de repertorio. A finales de los años 70, cuando un espectáculo que duraba de dos a tres años se consideraba un éxito fenomenal, el director de Annie en Broadway, Martin Charnin, causó revuelo al negarse a renovar veinte contratos del reparto a los dos años de la temporada; alegando que el elenco estaba yendo por inercia y no habitaba el espectáculo. Eso le dio a Annie cuatro años más (cerrando tras 2.377 funciones) y abrió la puerta a la idea de que los repartos podían —o quizá debían— sustituirse para mantener el espectáculo fresco. Claro que, una vez que un espectáculo está en marcha, es trabajo de los regidores y de los directores residentes indicar a los recién llegados dónde colocarse o cuándo moverse, y eso a su vez exige reinversión, vigilancia artística y una producción creativa; pero es el actor quien aporta esa sangre vital tan importante: la perspectiva propia del individuo. Y fue aquí, en la maravillosa tierra de Oz, donde Gilliland cumplió en todos los niveles.

Así que parece que, en efecto, sí lloraríamos a Wicked si las puertas de la Ciudad Esmeralda se cerraran para siempre. Tanto como echaríamos de menos a Phantom si la Ópera de París cantara su última aria, o si Les Mis decidiera desmontar la barricada. La razón, por lo visto, no es que sean popularidad mágica y afortunada; sino que son historias universales, bien contadas, envueltas en altos valores de producción y con capacidad de reinventarse cada vez que una intérprete de la talla de Rebecca Gilliland se pinta de verde, se coloca la máscara o agita la bandera roja. Volver a ver Wicked, y ver a mi hijo sin tener ni idea de por qué saltaba a ponerse en pie más allá de un impulso irrefrenable, me demuestra que no son piezas de museo, sino criaturas vivas y palpitantes que toda una nueva generación de público tiene la gran suerte de conocer, y que los veteranos curtidos del teatro pueden sorprenderse al ver bajo una luz completamente nueva. Wicked ya tiene entradas a la venta hasta noviembre de 2020 en el Apollo Victoria Theatre, Londres.