리뷰: 레 미제라블, 퀸즈 극장 ✭✭✭✭

레 미제라블 - 원 데이 모어. 사진: 요한 페르손 레 미제라블

퀸스 극장

2014년 12월 16일

별 4개

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두 자리 옆에 앉은 남성이 뭔가 의학적 문제를 겪는 듯 보인다. 그는 비틀거리며 일어나 통로 쪽으로 향하지만, 몇 사람쯤 지나자 그대로 쓰러진다. 즉각 도움의 손길이 이어지고, 사람들이 일어나 부축하며, 안내 직원들이 달려온다. 남성과 동행한 여성은 로비 쪽으로 사라진다. 그가 쓰러지며 부딪힌 사람들—독일어권에서 온 방문객으로 보이는 이들—은 몹시 동요해 서성이고, 쭈그리고 앉아 손전등과 휴대폰 불빛을 켜며, 지금 당장 여기서 반드시 찾아야 할 만큼 중요한 무언가를 찾는다. 롤렉스 시계일까, 아니면 황금 티켓일까?

그 소란이 계속되는 동안에도 어린 코제트는 아름답게 클라우드 속의 성을 부르고, 이어 무대는 여관 주인으로 넘어가 발장(장 발장)이 끔찍한 테나르디에 부부와 맞서 어린 코제트를 구해내는 장면으로 이어진다. 그렇다, 길고 짜증나며 시끄러운 소동이었다. 그러나 그 소란은 퀸스 극장 무대에서 벌어지는 연극적 연금술에는 흠집조차 내지 못했다. 알랭 부블릴과 클로드-미셸 쇤베르크의 1985년 메가 히트작 레 미제라블은 어느덧 29년째를 맞았고, 지금의 공연은 생기와 재능, 음악성이 가득하다. 마지막으로 봤던 약 2년 전만 해도 이 프로덕션은 상당히 위태로웠다. 캐스팅이 곳곳에서 어긋나 있었고, 디테일과 질감, 보컬의 윤기와 캐릭터 구축이 아쉽게도 크게 부족했다.

지금은 완전히 다르다.

트레버 넌 경과 존 케어드가 이끈 초연, 존 네이피어의 상징적인 무대, 데이비드 허시의 빈틈없는 조명 디자인, 안드레아네 네오피토의 의상, 케이트 플랫의 음악적 동선(뮤지컬 스테이징)으로 만들어진 레 미제라블은 거대한 앙상블의 힘에 기대었다. 노련한 배우들과 젊은 배우들이 함께 거의 끊임없이 변주되는 상황과 캐릭터의 향연을 만들어내는 능력이 핵심이었다. 탄탄하고 잘 훈련된 RSC(로열 셰익스피어 컴퍼니) 앙상블과 작업했던 덕에 수월한 면도 있었지만, 런던에서의 초연 성공, 이후 브로드웨이와 시드니까지 이어진 흥행에서 그 요소는 결정적이었다.

호주. 레 미제라블은 ‘그냥’ 굴러가는 작품이 아니다. 엄청난 노동이 필요한 작품이고, 출연진 모두에게 다재다능함과 기술을 요구한다. 모든 순간을 다른 어떤 순간만큼이나 살아 있게 만들겠다는 헌신, 그리고 오케스트라와 배우 사이의 완벽한 균형이 필수다. 또한 레 미제라블이 절대 버틸 수 없는 것은(현재 브로드웨이의 ‘리바이벌 리뉴얼’ 버전이 충분히 보여주듯) 악보를 오디션 프로그램의 X팩터식으로 다루는 접근이다. 초연 당시에는 아이 드림드 어 드림, 스타즈, 온 마이 오운, 브링 힘 홈, 엠프티 체어스 앤 엠프티 테이블스 어느 것도 ‘스탠더드 넘버’가 아니었다. 바브라 스트라이샌드부터 수전 보일에 이르기까지, 누구나 수없이 부르고 또 부르는 곡들도 아니었다. 사실, 무대 작품으로서의 레 미제라블 맥락에서 이 노래들은 특정 인물에게 찾아오는 ‘한순간의 빛’ 이상도 이하도 아니다. 물론 잘 부르면 어떤 곡이든 커튼콜이 늦어질 만큼 객석을 멈춰 세울 수 있다. 하지만 ‘쇼를 멈추게 만드는 것’이 이 노래들의 목적은 아니다.

그래서 2014년 캐스트가 대체로 초연의 방식대로 작품에 접근한다는 사실은 상쾌하고, 진심으로 설렌다. 이들은 최고 수준의, 성실하게 일하는 앙상블이다. 나이와 유형도 다양하고, 발장이 여정을 통해 만나는 프랑스 민중의 서로 다른 집단—죄수, 간수, 농부, 공장 노동자, 매춘부, 수녀, 선술집 손님, 학생, 거지, 도둑, 귀족—을 매끄럽게 구현해낸다. 여러 역할을 오가는데도 비슷비슷함이 전혀 느껴지지 않는다. 거의 모든 배우가 다른 역할로 등장할 때마다 완전히 새로운 인물을 창조한다. 덕분에 디테일, 복잡한 이야기, 감정의 외줄타기 같은 흐름이 진정성과 발명성, 명료함으로 생생하게 빛난다.

레 미제라블을 한 번도 본 적이 없다면 올해는 보기 좋은 해다. 이미 봤더라도 이 캐스트는 익숙하다고 생각했던 장면과, 더는 놀라울 게 없다고 여겼던 인물들에게 신선한 접근과 흥미로운 뉘앙스를 더한다. 그중에서도 테나르디에 가족과 그 무리에서 가장 두드러진다. 성인 테나르디에는 우스우면서도 괴물 같아야 한다. 단순한 희화화가 되어서는 안 된다. 그들은 대리석 덩어리에서도 생기를 빨아낼 것 같은, 피가 도는 과숙한 뱀파이어여야 한다. 여관 주인의 유머는 진짜여야 한다. 작품의 첫 40여 분을 지배하는 슬픔과 공포의 연속을 잠시 끊어주기 위해서이기도 하고, 이어지는 코제트를 둘러싼 잔혹함과 무심한 흥정과 강렬한 대비를 이루기 위해서이기도 하다.

톰 에든은 내가 본 테나르디에 중 단연 최고다. 수십 년 전 피터 캐럴의 눈부신 연기 이후로 말이다. 그는 역할에 신선한 유쾌함을 더하면서도, 필요할 때는 가차 없이 사악하고 잔인해지는 것을 두려워하지 않는다. 그의 눈은 기회주의자의, 순간의 이득을 낚아채는 끝없는 재능을 뿜어내고, 길쭉한 몸은 순진한 손님들을 털어먹는 동안 큰 코믹 효과를 내며 구부러지고 비틀린다. 하수도 장면들은 극도로 불편할 만큼 강렬하다.

폭발적인 성량, 정확한 코믹 타이밍, 타협 없는 신체적 존재감의 화산처럼, 헬렌 월시는 충격적이고 도발적이며 대단히 즐거운 마담 테나르디에를 만들어낸다(웬디 퍼거슨은 결연). 에든과 함께한 두 번의 여관 주인 루틴은 완벽하게 맞물렸고, 마치 처음 벌어지는 일처럼 생생했다. 두 사람은 무대 위의 단 1초도 허투루 쓰지 않았다. 각자 할 수 있는 모든 것을—그리고 그 이상을—찾아냈다. 압도적이다. 이런 탄탄한 연기에 힘입어, 캐롤라이나 그레고리(캐리 호프 플레처가 결연)는 훌륭한 에포닌을 보여준다. 자기 가족의 행동에 대한 혐오도 충분히 설득력 있고, 롭 하우천의 잘생긴 마리우스에게 끌리는 마음 또한 자연스럽다. 그녀는 침묵 속에서도 많은 것을 말하며, 필요할 때는 조용히 노래해 큰 효과를 낼 줄 안다. 캐릭터가 단단히 구축되어 있기에, 그녀의 온 마이 오운은 매우 감동적이고 완전히 인물 안에 있다. 다행히도, 여기엔 디바의 과시적 순간이 없다. 하지만 진짜 백미는 마지막에 온다. 하우천의 품에서 맞는 그녀의 최후는 아름답게 조율되어 있고 감정 에너지가 치솟는다. 이 장면에서 그녀의 연기에 마음이 움직이지 않을 사람은 정말 냉정한 사람뿐일 것이다. 하우천은 내가 본 마리우스 중에서도 손꼽히게 뛰어난 배우다. 잘못된 손에 들어가면 매력도 없고 멍해지기 쉬운 역할이지만, 여기서는 아니다. 그는 갑작스럽고도 예기치 않게 사랑에 빠져 그 사랑으로 인해 삶이 영원히 바뀌는 이상주의자를 완전히 설득력 있게 그려낸다. 무대 존재감이 편안하고, 훌륭한 바리톤을 지녔으며, 연기도 한다. 엠프티 체어스 앳 엠프티 테이블스는 섬세하게 판단되어 아름답게 전달되고, 그는 발장과 코제트가 함께하는 마지막 장면들을 전적으로 믿을 수 있게 만든다. 앙졸라와의 우정과 충성심 역시 기대대로 확고히 구축되어 있지만, 다소 이례적으로 하우천은 다른 학생들과의 관계도 현실감 있게 만드는 데 시간을 들인다. 특히 크리스천 에드워즈의 그랑테르와의 관계가 그렇다.

앙졸라 역의 마이클 콜본은 충분히 늠름하고, 혁명의 필요성에 대한 그의 확신에는 의심의 여지가 없다. 다만 보컬은 몇몇 구간에서 약간 흔들렸고, 명료하고 정확한 힘 있는 라인을 위해 호흡 지지(support)를 더 다듬을 필요가 있다. 카리스마와 스타일은 충분하며, 특히 가브로슈와의 관계, 그리고 에포닌의 죽음이 던지는 현실을 마주하는 진정성이 좋았다.

앙상블에는 눈에 띄는 배우들이 가득하다. 좋은 목소리를 지닌 뛰어난 연기자들이다. 특히 탬신 다우셋, 조던 리 데이비스, 제러미 배트, 브래들리 제이든, 조애나 록스턴, 조니 퍼체이스, 제이드 데이비스가 훌륭했다. 반면 애덤 피어스의 지나치게 과숙한 바마타부아와 애덤 린스테드의 무미건조한 디뉴의 주교는 다른 캐스트에 비해 다소 엇박자였다.

아역 세 명, 프레야 그리피스, 피비 라이언스, 애런 겔코프도 매우 좋았고, 특히 겔코프의 가브로슈는 어린 나이(8세!)를 감안하면 탁월했다. 모두 과하지 않게 담백하게 연기했고, 어린 코제트와 가브로슈는 노련한 프로처럼 노래했지만, 이런 순간들을 종종 망치는 가식과 불성실함은 없었다.

성인 코제트는 어려운 역할이다. 개념만 보면 쉬워 보이지만, 노래는 까다롭고 캐릭터는 감상 과잉과 지루함의 늪에 빠지지 않도록 능숙하고 섬세한 테크닉이 필요하다. 에밀 플레밍은 역할을 꽤 잘 해내지만, 고음역이 너무 날카롭고 조여 있으며, 무대 운용에 어딘가 불안함이 있어 거슬린다. 그녀는 하우천 연기의 강점을 더 믿고, 그것에 올라타야지 거슬러서는 안 된다. 코제트의 핵심은 마리우스에 대한 헌신이기 때문이다. 그것이 눈에 보이고 진짜여야 2막이 작동한다.

셀린데 스푼메이커의 팡틴에는 분노와 공격성이 너무 많아, 그녀에게 어떤 일이 벌어지든 별로 마음이 쓰이지 않는다. 게다가 아이 드림드 어 드림을 마치 로즈의 턴처럼 몰아붙여 ‘스타’ 순간으로 만들려 한다. 방향을 잘못 잡은 것이다. 스푼메이커는 상상의 오디션 심사위원단에게 깊은 인상을 주려 애쓸 게 아니라, 인물이 가사와 선율을 통해 흘러가도록 해야 한다. 전반적으로 피터 로키어의 발장도 크게 설득되지 않았다. 몇몇 대목에서 또 한 번, 지나치게 화난 사람처럼 보였다. 발장은 매우 아름답게 쓰인 역할이자, 어느 정도 인내력 테스트다. 신중하고 계산된 페이싱이 필요하고, 무엇보다 앞에 있어야 하는 것은 타인을 향한 발장의 배려와 책임감이다. 누이의 아들, 팡틴, 코제트, 마리우스. 그는 선을 행하고 신에게 진 빚을 갚아야 한다는 필요에 의해 움직인다. 브링 힘 홈은 발장에 대한 노래가 아니라 마리우스에 대한 노래이며, 그렇게 불려야 한다. 로키어는 이를 캐릭터 여정 속 중요한 자각의 지점으로서가 아니라, 자신의 ‘큰 넘버’처럼 접근했다.

공연 후반부에서 로키어는 가장 좋은 모습을 보여줬다. 특히 데이비드 색스턴의 자베르와 무대를 함께할 때는 확실히 기량이 올라갔다. 다만 보컬은 더 안정적일 수 있었는데, 고음과 저음은 꽤 탄탄한 편이었지만 이상하게도 중음역이 들쑥날쑥했다.

그러나 색스턴의 우레처럼 효과적인 자베르에게서는 이런 종류의 걱정이 전혀 없었다. 영화에서 러셀 크로의 참담한 연기를 떠올릴 때의 끔찍한 기억을 지우고 싶다면, 이 자베르가 해독제다. 색스턴은 모든 장면에서, 모든 면에서 완벽하다. 1987년 필립 퀘스트가 이 역할을 맡은 이후 내가 본 최고의 자베르다.

그의 목소리는 고음부터 저음까지 음색과 풍성함이 아름답고 일관된다. 모든 프레이즈가 정확하고 완벽하게, 그리고 완전히 인물 안에서 불린다. 그는 정교하게 판단한 음 하나하나의 힘으로 의미를 밀어붙인다. 스타즈는 전율을 일으키고, 솔릴로퀴는 드라마틱한 뮤지컬 퍼포먼스의 완벽한 마스터클래스다. 그는 매 순간 완전히 인물 그 자체이며, 어둠 속에서 모습을 드러내거나 다시 그 안으로 사라질 때도 그의 존재감은 먼저 도착하거나 오래 남는다. 이 자베르는 잊을 수 없다. 월드 클래스의 연기다.

애덤 로는 오케스트라를 힘 있게 지휘한다. 다만 때때로 박동감과 바탕을 이루는 타악적 소리에 더 강한 강조가 있었으면 하고, 발장과 팡틴에게서 간혹 지나치게 이상한 프레이징을 허용하기도 한다. 그럼에도 전반적으로 음악은 매우 훌륭하게 받쳐준다.

색스턴, 하우천, 그레고리, 에든, 월시가 이처럼 눈부신 컨디션을 보여주고, 그렇게 재능 넘치는 앙상블이 든든히 받쳐주니, 다른 주요 배역들의 일부 문제점만으로 이 경험의 빛이 바래지는 않는다.

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